Помощничек
Главная | Обратная связь


Археология
Архитектура
Астрономия
Аудит
Биология
Ботаника
Бухгалтерский учёт
Войное дело
Генетика
География
Геология
Дизайн
Искусство
История
Кино
Кулинария
Культура
Литература
Математика
Медицина
Металлургия
Мифология
Музыка
Психология
Религия
Спорт
Строительство
Техника
Транспорт
Туризм
Усадьба
Физика
Фотография
Химия
Экология
Электричество
Электроника
Энергетика

Наследники сюрреализма



Сальвадор Дали, АрноБрекер и Эрнст Фукс составляли «Золотой треугольник», и все втроём являлись членами Ордена Александра Великого.

Как-то Дали сказал: «Сюрреализм — это я!», а также назначил Эрнста Фукса своим «преемником на Земле», тем самым неформально передав линию преемственности Фантастическому Реализму и стилям проистекающим от него, таким как, например, Виженари арт(художественный стиль, имеющий в своей основе спонтанное изображение увиденного в изменённом состоянии сознания, религиозного, медитативного созерцания, транса, а также флешбэков, возникающих после так называемых «трипов»).

15. Творчество С. Дали

11 мая 1904 — 23 января 1989 — испанский живописец, график, скульптор, режиссёр, писатель. Один из самых известных представителей сюрреализма.

Работал над фильмами: «Андалузский пёс», «Золотой век», «Заворожённый». Автор книг «Тайная жизнь Сальвадора Дали, рассказанная им самим» (1942), «Дневник одного гения» (1952-1963) и эссе «Трагический миф Анжелюса Милле».

Сальвадор Дали родился 11 мая 1904 года в городе Фигерасе, провинция Жирона, в семье зажиточного нотариуса. По национальности был каталонцем. В детстве Дали был сообразительным, но заносчивым и неуправляемым ребёнком.

Он добивался своего капризами и симуляцией, всегда стремился выделиться и привлечь к себе внимание. Многочисленные комплексы и фобии мешали обычному общению. Обучаться изобразительному искусству начал в муниципальной художественной школе. В его юности умирает его мать. Он увлекался чтением Фрейда.

Дали экспериментирует с методами кубизма и дадаизма.Едет в Париж,знакомится с П. Пикассо. Там же встречает свою будущую жену Галу́ (Елену Дмитриевну Дьяконову). Вступает в сюрреализм. После прихода к власти каудильо Фрáнко в 1936 году Дали ссорится с сюрреалистами, стоящими на левых позициях, и его исключают из группы.

В 1937 году художник посещает Италию и остаётся в восторге от произведений Ренессанса. В его собственных работах начинает доминировать правильность человеческих пропорций и другие черты академизма. Невзирая на отход от сюрреализма, его картины по-прежнему наполнены сюрреалистическими фантазиями.

 

С началом второй мировой войны Дали вместе с Гало́й уезжает в США. В американский период художник приступил к циклу картин на религиозную тематику. «Искушение Святого Антония» (1946 г.), «Мадонна порта Льигат» (1949 г.), «Открытие Америки Христофором Колумбом».

 

После возвращения в Испанию живёт преимущественно в своей любимой Каталонии. В 1965 году приезжает в Париж и вновь, как почти 40 лет назад, покоряет его своими работами, выставками и эпатажными поступками. Снимает причудливые короткометражные фильмы, делает сюрреалистические фотографии. Его отношения с Гало́й достаточно сложны.

 

В 1981 г. у Дали развивается болезнь Паркинсона. В 1982 г. умирает Гала́. После смерти жены Дали переживает глубокую депрессию. Сами его картины упрощаются, и на них долгое время преобладает мотив скорби. Дали скончался 23 января 1989 г. от сердечного приступа.

 

Скульптуры Дали- Cидячий Дон Кихот, Космический слон, Гала в окне.

Картины- Тайная вечеря, загадка Гитлера, солнечный столик.телефон омар-сюрреалистич. Скульптура.. Женщина с головой из роз. «Постоянство памяти»

 

Дали в своем творчестве двигался то в направлении психоанализа, то явно ему противоречил. В результате и появился тот самый параноидально-критический метод Дали, суть которого можно свести к размещению изначально чистого образа в среду бессознательного импульсного хаоса.

Значительная часть интересующихся относит параноидально-критический метод только к внешней стороне творчества художника, а вот часть невидимую наделяют параноидальными чертами, рожденными кровосмесительным аспектом, скрытой гомосексуальностью, гипертрофированно-фрустрированной тягой к инцесту. Вышеописанное стали считать своеобразной визитной карточкой Сальвадора Дали

 

Сальвадор Дали в творчестве полагался не на гипноз, а на сон — он приступал к работе сразу же после того, как просыпался. Иногда он создавал картины ночью, полагая, что мозг, еще не до конца позабывший ночные видения, позволит творить под влиянием бессознательного.Подтверждение его догадкам можно найти в работах Фрейда, который в методах психоанализа указывал, что сон нужно записывать без промедления, иначе сознание его исказит.

Х-ны:

· биоморфные формы, измененные, деформированные, стекающие

· часы, муравьи, дверцы шкафчика, ящики тумбочек

· оптические иллюзии

· гладкое, детальное письмо

· мягкая пластика

· двоение одного и того же объекта в картине, «отражение»

· объект в картине, имеющий несколько значений и трактовок

· «нерациональное» сочетание объектов

 

16. Творчество Р. Магритта

(1898—1967) — бельгийский художник-сюрреалист. Известен как автор остроумных и вместе с тем поэтически загадочных картин.

Магритт обучался в Королевской Академии искусств в Брюсселе. По окончании работал оформителем обоев и художником по рекламе. Ранние работы Магритта были выполнены в стиле кубизма и футуризма под влиянием творчества французского художника Фернана Леже.

В 1922 Магритт вступил в брак с Жоржеттой Бергер, с которой познакомился в пятнадцать лет. После свадьбы она стала единственной моделью для картин художника.

Знакомство с метафизической живописью Джорджа де Кирико и поэзией дадаистов было важным поворотным пунктом для творчества Магритта. В 1925 Магритт входит в группу дадаистов, сотрудничает в журналах.

В 1925-1926 Магритт написал "Оазис" и "Затерянного жокея" - свои первые сюрреалистические картины. В 1927-1930 годах Рене Магритт проживал во Франции, участвовал в деятельности группы сюрреалистов, тесно сблизился с Максом Эрнстом, Сальвадором Дали, Андре Бретоном, Луи Бунюэлем и особенно с поэтом Полем Элюаром.

В Париже система концептуальной живописи Магритта окончательно сформировалась и осталась почти неизменной до конца жизни художника.

В картинах живописца Рене Магритта постоянно присутствует ощущение напряженности и таинственности ("Компаньоны страха", 1942; "Букет слез", 1948; "Объяснение", 1954). Странный ночной пейзаж блестит под освещенными дневным светом небесами ("Империя света", 1954). Магритт мастерски создавал контраст между прекрасно выписанными странными сочетаниями ирреальных предметов и естественным окружением, с этой целью художник активно использовал в своих картинах символы зеркал, глаз, окон ("Фальшивое зеркало", 1935; "Ключ к пространству", 1936; "Прекрасный мир", 1962). Увлечение Магритта философией и литературой нашло отражение во многих его картинах, например, "Гигантесса" (по Бодлеру), 1929-1930; "Область Арнхейм" (по Эдгару По), 1938. В 1940-х годах Магритт попытался изменить свой стиль живописи. Магритт вернулся к своей манере письма.

В 1950-х годах выполнил два цикла фресок: "Пространство очарования" для казино и "Несведущая фея". Рене Магритт умер 15 августа 1967 года в Брюсселе от рака в возрасте 69 лет.

«Существуют грёзы необычайной хрупкости, которые не являются мыслями, и для которых я пока ещё считаю совершенно невозможным подобрать слова» Эдгар По

Мысли великого романтика XIX века Эдгара По созвучны настроению, возникающему при созерцании картин знаменитого бельгийского художника-сюрреалиста Рене Магритта.

Он стремился разрушить привычное представление о хорошо знакомом, неизменном, заставить увидеть объект в новом измерении, приводя зрителя в смятение.
В своих полотнах он из реальных вещей создавал мир фантазии и сновидений, погружая зрителей в атмосферу грез и таинственности.
Художник блистательно умел «режиссировать» их чувствами. Казалось бы, мир, созданный художником, статичен и прочен, но всегда в обыденное вторгается ирреальное, разрушающее этот привычный мир (обычное яблоко в комнате, разрастаясь, вытесняет людей или из камина на полном ходу выскакивает паровоз – «Пронзенное время», 1939).

Главное, что бросается в глаза при изучении творчества Рене Магрита, – это простота, которая как бы противостоит экстравагантности его коллег.
Предметы у бельгийца, в отличие от других сюрреалистов, почти никогда не теряют своей привычной формы: они не растекаются, не превращаются в монстров и не поедают друг друга.
У Магритта поражают лишь странные сочетания самих предметов. При этом невозмутимость стиля художника только усугубляет удивление и погружает зрителя в некое раздумье, даже в оцепенение, вызванное самой тайной вещей.
Магритт писал: «Мы вопрошаем картину наугад, вместо того чтобы прислушиваться к ней. И нас удивляет, когда ответ, который мы получаем, не откровенный».
Его искусство часто называли «снами наяву».
Художник уточнял: «Мои картины — не сны усыпляющие, а сны пробуждающие».

17. Творчество Г. Мура

Ге́нри Спе́нсер Мур 1898-1986 — британский художник и скульптор.

Происходил из шахтёрской семьи. В одиннадцатилетнем возрасте решил стать скульптором, услышав о Микеланджело и его достижениях.

Продолжил традицию монументальной фигуративной пластики и обогатил её новыми художественными методами формообразования.

В творчестве Мура прослеживается тенденция, направленная на освоение «открытой формы»; его целью была передача взаимодействия пластической массы и пространства, как окружающего скульптуру, так и заключенного внутри неё.

Мур всегда интересовался скульптурой Древней Греции, этрусков и майя. он обратился к созданию подчеркнуто материальных форм, символизирующих природное, земное начало. На их основе строятся его скульптуры, среди которых

· преобладают женские фигуры и композиции на тему семьи и материнства. Сначала его работы были достаточно близки к реальным объектам, позже приобрели абстрактный характер.

· Формы плавно и органично перетекают друг в друга, иногда образуя углубления и зияющие пустоты, «дыры». Однако Мур никогда не занимался проблемами чистой формы,

· его интересовали образы, напоминавшие природные формы: древние камни, обтесанные стихиями за много веков; горные пещеры, вымытые подземными потоками; эмбрионы в материнском чреве; человеческое тело как целостная органическая система.

Одним из первых в искусстве ХХ века Мур заставил нас посмотреть на скульптуруне как на анатомическое подобие человека, а увидеть ее частью природного ландшафта. Если присмотреться к полулежащим фигурам скульптора, в них можно увидеть и пологие холмы Англии, и испещренные морщинами от ветра и воды камни и скалы побережья; услышать шум дождя, почувствовать запах моря.

Язык, на котором говорил Мур, был принципиально новым явлением для скульптуры ХХ века. В своем подходе мастер отталкивался от простой идеи: мы – плоть от плоти, кровь от крови этой земли, воды, деревьев, птиц, рыб, зверей, гор и долин. В работах скульптора ощущается скрытый рост, движение, развитие. Подобно неумолимой силе, раскрывающей почки деревьев или лепестки цветов, скульптуры Мура затягивают нас в свое пространство, внутрь углублений, полостей, дыр. И одновременно открывают для нас новые пространства. Женские фигуры ваятель сравнивал с природным ландшафтом, в котором колени и грудь напоминали горы, овалы плеч и бедер – холмы, а округлые пустоты – пещеры. Даже Землю он считал трехмерной скульптурой.

 

Мур создавал свои композиции из дерева, камня, бронзы, железобетона и терракоты, а также выполнил ряд произведений из дерева и свинца, части которых были скреплены туго натянутыми струнами или медной проволокой.

В стиле его акварелей и рисунков пером получила воплощение повышенная восприимчивость мастера к реалиям окружающей действительности, но даже в композициях, выполненных в годы Второй мировой войны в лондонском метро во время налетов немецкой авиации, главное место отводится выявлению самых существенных, обобщенных форм человеческого тела, а эмоции и индивидуальность моделей играют второстепенную роль.

 

Скульптура Мура, начиная со второй половины 1940-х годов, получает новый импульс к развитию, связанный с возможностью осуществлять им все свои замыслы в форме монументальной пластики на открытом воздухе — в природном или архитектурном пространстве. Материал-бронза.

Графика

· сначала тема «идеи для скульптуры», в послевоенное время –

· обращение к теме материнства и рождения новой жизни, эмбриона, еще связанного пуповиной с матерью, но уже начинающего отдельное от нее существование. Позднейшие графические работы Мура полностью обращены

· к призрачным психологическим категориям образа, его «душе». Они являются одной из вершин его творчества.

Работы - Берлин, Мать и дитя, Король и королева, семейная группа. полулежащая фигура.

 

18. Направления модернизма второй половины 20 века. Авторы

Постмодернизм (постмодерн, поставангард) (от лат. post «после» и модернизм), совокупное название художественных тенденций, особенно четко обозначившихся в 1960-е годы и характеризующихся радикальным пересмотром позиции модернизма и авангарда.

Абстрактный экспрессионизм - послевоенный (кон. 40-х — 50-е гг. XX в.) этап развития абстрактного искусства. Сам термин еще в 20-е гг ввел немецкий искусствовед Э. фон Зюдов для обозначения некоторых аспектов искусства экспрессионистов. бурное развитие в 50-е гг. в США, в Европе, а затем и во всем мире.

А.э.— школа (движение) художников,

рисующих быстро и на больших полотнах,

с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда

капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций.

Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование.

 

Целью художника при таком творческом методе является спонтанное выражение внутреннего мира (подсознания) в хаотических формах, не организованных логическим мышлением.

 

Прямыми родоначальниками абстрактного экспрессионизма считаются

ранний Кандинский,

экспрессионисты,

орфисты,

отчасти дадаисты и

сюрреалисты.

Философско-эстетическим основанием абстрактного экспрессионизма является философия экзистенциализма.

Начальная фаза движения — абстрактный сюрреализм появилась в 1940-е, под влиянием идей Андре Бретона, его основными приверженцами были американские художники Ганс Хоффман, Аршиль Горки, Адольф Готлиб и др. Особый размах движение получило в 1950-е гг., когда во главе его встали Джексон Поллок, Марк Ротко и Виллем де Кунинг. Абстрактным экспрессионистом называла себя и минималистка Агнес Мартин.

 

Один из основателей абстрактного экспрессионизма Аршил Горки (1904-1948) увлекшись автоматизмом и примитивной символикой Миро, тоже стал населять свои полотна плавающими в отвлеченном живописном пространстве фигурками, которые Бретон называл «гибридами».

 

Еще более спонтанно использовал метод спонтанного автоматизма Джексон Поллок (1912-1956). Он отказался от подрамников и, расстилая холст на полу, беспорядочно набрызгивал на него краску из тюбиков или банок. Такую технику назвали дриппинг, что в переводе означает «капающий». Дриппинг стал одним из методов живописи действия (или живописи жеста).

«Живопись действия» отвергала традиционно окрашенную поверхность картины. Краска появлялась на полотне или бумаге как след свободного жеста, произвольного движения руки. Считалось, что любое бессознательное действие есть отражение характера и психологического состояния художника, и именно в этом заключается смысл изображения.

 

Один из характерных признаков абстрактного экспрессионизма – крупный масштаб работ (некоторые холсты более 5 метров в длину).

Марк Ротко (1903-1970) также создавал «монументальные» полотна, но в отличие от «живописцев действия», покрывал их большими цветными плоскостями. Иногда он оставлял между ними не покрытые краской участки, пологая, что это должно возбудить воображение зрителя.

Произведения Барнетта Ньюмана (1905-1970) обычно строились на контрасте вертикальной цветной полосы и обширного яркого поля. Создавая их, художник помимо соотношения между «лентой» и общим красочным фоном учитывал и соразмерность всей картины в целом с размером стены, на которой она будет висеть. Таким образом, стирались границы между живописью и реальным пространством.

Френк Стелла (род. 1936) много экспериментировал с формой полотен. Срезая углы, и по сути, превращая картины в многоугольники, он покрывал их цветными полосами. Геометрическая декоративность в его работах стала самодовлеющей.

 

Одной из форм абстрактного экспрессионизма является ташизм, оба этих течения практически совпадают по идеологии и творческому методу, однако персональный состав художников, называвших себя ташистами или абстрактными экспрессионистами совпадает не полностью.

К 70-м гг. абстрактный экспрессионизм как направление прекратил свое существование.

 

 

Ready-made (реди-мэйд, от англ. ready «готовый» и англ. made «сделанный») — техника в разных видах искусства (главным образом — в изобразительном искусстве и в литературе), при которой автор представляет в качестве своего произведения некоторый объект или текст, созданный не им самим и не с художественными целями.

Термин ready-made в контексте изобразительного искусства впервые использовал французский художник Марсель Дюшан в 1913, создавший в этой технике несколько работ: «Велосипедное колесо» (1913), «Сушилка для бутылок» (1914), скандальный «Фонтан» (1917).

(колесо и фонтан)

Авторство художника или писателя, использующего ready-made, состоит в перемещении предмета из нехудожественного пространства в художественное, благодаря чему предмет открывается с неожиданной стороны, в нём проступают незаметные вне художественного контекста новые свойства.

Представители- Марсель Дюшан, Cальвадор Дали, Альберто Джакометти, Хуан Миро

Роберт Раушенберг, Зигмар Польке.

ОП-АРТ (англ. Op-art — сокращенный вариант opticalart — оптическое искусство) — художественное течение второй половины 20 века, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур.

Задача оп-арта —

обмануть глаз,

спровоцировать его на ложную реакцию,

вызвать образ «несуществующий».

 

Течение продолжает модернизм. Восходит к так называемому «геометрическому» абстракционизму представителем которого был В. Вазарели — основоположник оп-арта.

 

Возможности Оп-арта нашли некоторое применение в промышленной графике, плакате, оформительском искусстве.

в изобилии демонстрировались произведения художников этого направления — Виктора Вазарели, Еннио Финци и других.

Художники оп-арта нередко объединяются и выступают инкогнито: группа Н. (Падуя), группа Т. (Милан), группа Зеро (Дюссельдорф), группа поисков визуального искусства, возглавляемая Виктором Вазарели, которая дала первоначальный толчок движению оп-арта.

 

Представители: Яаков Агам, Ричард Аллен, Йозеф Альберс, ДжетулиоАльвиани, Anonimagroup,

Ричард Анушкевич, Виктор Вазарели, Людвиг Вайлдинг, Тони ДеЛап, МарианЗазеела, Карлос Крус-Диес, Хулио Ле Парк, Хайнц Мак, Джон Макгейл, Юрий Мессен-Яшин, Реджинальд Нил, БриджитРайли, Хесус Рафаэль Сото, Джулиан Странчак, Гюнтер Уекер, Гюнтер Фрутрунг.

Поп-арт

Поп-а́рт (англ. pop-art, сокращение от popularart) — направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления.

Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

изменяются масштаб и материал;

обнажается приём или технический метод;

выявляются информационные помехи и др.

Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (1926—1990) в 1966 году.

 

Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блек, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?».

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

 

Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство.

Представители:

Том Вессельман, РичардГамильтон, ДжасперДжонс, АленДжоунс, РойЛихтенштейн, КласОлденбург, РобертРаушенберг, ЭндиУорхол.

 

 

ГИПЕРРЕАЛИЗМ (hyperrealism — англ.), или фотореализм (photorealism — англ.) — худож. течение в живописи и скульптуре, основанное на фотографии, воспроизведении действительности.

И в своей практике, и в эстетических ориентациях на натурализм и прагматизм гиперреализм близок к поп-арту. их прежде всего объединяет возврат к фигуративности.

 

Основным для гиперреализма является

точное, бесстрастное, внеэмоц. воспроизведение действительности, имитирующее специфику фотографии.

Цвета, объемы, фактурность упрощаются. И хотя излюбленная проблематика гиперреализма —

реалии повседневной жизни, городская среда, реклама, макрофотографич. портрет «человека с улицы», создается

впечатление статичной, холодной, отстраненной, отчужденной от зрителя сверхреальности.

Наиболее известный из скульпторов-гиперреалистов — Д. де Эндреа, выполненные в натуральную величину работы отмечены иронич. отчуждением. Манекеноподобные обнаженные фигуры («Сидящая брюнетка на пьедестале», «Сидящие мужчина и женщина»), воспроизводящие роденовские позы — своего рода кичевые антигерои, пародирующие идолов коммерч. рекламной красоты

Художники, работающие в жанре и стилистике гиперреализма: Бернардо Торренс, МэлРамос, Скотт Прайор, УиллКоттон, Жак Боден, Педро Кампус, ЧакКлоуз, Жиль Эно, РонМьюек, Роберто Бернарди, ЧиараАлбертони, РафаэллаСпенси др.

Лэнд-арт (от англ. landart — земляное искусство), направление в изоискусстве последней трети XX в., основанное на использовании реального пейзажа в качестве главного художественного материала и объекта. Художники прорывают траншеи, создают причудливые нагромождения камней, раскрашивают скалы, избирая для своих акций обычно безлюдные места — первозданные и дикие ландшафты, тем самым как бы стремясь вернуть искусство в природу.

термин <лэнд-арт> появился в конце 60-х.

Основной материал — земля, используют её и всё, что она даёт. В символической форме это значит, что художники пробуют добраться до самой сущности произведения искусства.

Основные представители:

Роберт Смитсон,РичардЛонг,Герман де Врайс,Вальтер де Мария,МайклХейзер,АнаМендьета,

ХамишФултон,ЭндиГолдсворти,ЯцекТылицки,НиколайПолисский.

Виднейший лэнд-мастер Кристо (ХристоЯвачев) оборачивает или упаковывает на некоторое время в ткань (обычно серебристую) крупные природные или культурные объекты — острова во Флориде, участок побережья в Австралии, мост Пон-Неф в Париже, Рейхстаг и т.д.

Александр Голиздрин долгое время занимался лэнд-артом на местных российских природно-хозяйственных угодьях, например, вывезенные 16 кг гальки из Швейцарии высыпал у железнодорожного полотна в Саратовской области. И назвал это <Похищением Европы>.

 

От искусства создания ландшафтных парков лэнд-арт отличался своей бесполезностью с практической точки зрения.

Ландшафтные произведения искусства требуют немалых затрат на изготовление. И это также примета нашего времени: деньги играют в искусстве всё более важную роль.

Лэнд-арт тем не менее показал, что в искусстве всё ещё скрыты неизвестные силы, которые дают возможность нестандартно самовыражаться. Нет никакой теории, дающей полный анализ методов этого направления. Наоборот, стиль поощряет постоянное творческое движение, самобытность.

 

 

МИНИМАЛИЗМ (minimalart — англ.: минимальное искусство) — худож. течение, исходящее из

минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов,

простоты и единообразия форм,

монохромности,

творч. самоограничения художника.

Отвергая классич. приемы творчества и традиц. худож. материалы, минималисты используют

промышленные и природные материалы простых геометрич. форм и нейтральных цветов (черный, серый),

малых объемов,

применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства.

 

Артефакт в минималистской концепции творчества — определенный заранее рез-т процесса его производства. Получив наиболее полное развитие в живописи и скульптуре, минимализм, интерпретируемый в широком смысле как экономия худож. средств, нашел применение и в др. видах искусства, прежде всего театре, кинематографе.

 

Минимализм возник в США в пер. пол. 60-х гг.

Его истоки — в конструктивизме, супрематизме, дадаизме , абстракционизме, формалистической амер. живописи к. 50-х гг., поп-арте. Непосредств. предшественником минимализма.является амер. художник Ф. Стелла, представивший в 1959-60 серию «Черных картин». Среди наиболее репрезентативных минималистов — К. Андре, М. Бочнер, У. Де Ма-риа, Д. Флэвин. С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн. Их объединяет стремление вписать артефакт в окружающую среду, обыграть естественную фактуру материалов. Д. Жад определяет его как «специфич. объект», отличный от классич. произведений пластич. искусств. Самостоят, роль играет освещение как способ создания минималистских худож. ситуаций, оригинальных пространственных решений;

используются компьютерные способы создания произведений.

 

Хеппенинг

возник в конце 50-х годов, а в конце 60-х являлся одним из самых популярных видов современной художественной культуры на Западе. Как и поп-арт, хеппенинг зародился в США и вскоре перекочевал в Европу и Азию.

Само слово «хеппенинг» означает «происходящее», «случающееся», непреднамеренное происшествие или событие. На самом же деле хеппенинг – представление, заранее спланированное и подчиненное либретто и режиссерскому замыслу.

 

Автором первых постановок хеппенинга «Двор», творения» (1958-1959) был А. Кепроу. Постановки хеппенинга предполагают загадочные, порой алогичные действия исполнителей и характеризуются обилием реквизита из вещей, бывших в употреблении и даже взятых на свалке. Участники хеппенинга надевают яркие и нарочито нелепые костюмы, подчеркивающие неодушевленность исполнителей и их похожесть на ящики, ведра и т.п.

 

В хеппенинге используется световая живопись: свет меняет цвет и силу, направляется непосредственно на актера или просвечивает сквозь ширмы из разного материала. Часто он сопровождается звуковыми эффектами (звучание человеческого голоса, музыки, а также звяканье, треск, скрежет и т.д.). Звук иногда бывает очень сильным, неожиданным и намеренно вызывает шоковое воздействие. В представление включаются кадры кино и демонстрация диапозитивов. Порой используются и сильно пахнущие вещества.

Хеппенинг связан с художественными поисками начала XX в., с попытками некоторых живописцев и скульпторов перенести акцент с картины или скульптуры на творческий акт их написания или ваяния. Другими словами, хеппенинг берет свои истоки также и в «живописи действия»: в «каплеразбрызгивании» Дж. Поллока, в «хлещущих» ударах кистью Де Кунинга, в костюмированных живописных действах Ж. Матье.

19. Абстрактный экспрессионизм в США. Авторы. Методы и идеология.

Абстрактный экспрессионизм( англ. Abstract expressionism) – течение в абстрактном искусстве, возникшее в США в 1940-х г.г. и представленное главным образом творчеством художников так называемой Нью-Йоркской школы. Беря истоки в раннем творчестве В.Кандинского, отчасти в экспрессионизме и дадаизме, Абстракный экспрессионизм сформировался под влиянием сюрреализма и его основополагающего принципа психического автоматизма, воспринятого американскими художниками от европейских мастеров, эмигрировавших за океан в годы Второй Мировой войны: П.Мондриана, А.Бретона, С.Дали, М.Эрнста, Р.Матта.

Вслед за сюрреализмом абстрактный экспрессионизм продолжил «освобождение» искусства от какого-либо контроля разума и логических законов, поставив своей целью спонтанное выражение внутреннего мира художника, его подсознания в хаотических, абстрактных формах и взяв за главный творческий принцип самопроизвольное, автоматическое нанесение красок на холст, происходящее исключительно под влиянием психических и эмоциональных состояний.

В стремительном ритме художники покрывали поверхность холста крупными энергичными мазками, в буквальном смысле слова выплескивая на него потоки «свободно струящегося цвета». При этом нередко прибегали к приему дриппинга (разбрызгивание краски или выдавливание из тюбика), изобретателем которого был Дж.Поллок. Этот экспрессивный метод письма считался не менее важным, чем само произведение, поэтому процесс создания картины часто происходил публично. Перед зрительской аудиторией разыгрывался целый спектакль, в котором жесты и движения художника играли такую же активную роль, как и потоки краски, падающие и разливающиеся по холсту.

Отсюда и другое название абстрактного экспрессионизма, данное критиком Харольдом Розенбергом, - «живопись действия», определение, точно подчеркивающее физический акт создания картины.

Абстрактный экспрессионизм доминировал в американской культуре вплоть до начала 1960-х гг., объединив очень разных в творческих исканиях мастеров, что, однако, не помешало ему стать одним их первых серьезных течений в американской живописи и повлиять на процесс развития европейского искусства.

Мастера абстрактного экспрессионизма: Джексон Полок, Аршиль Горки, Ханс Хофман, Вильям де Куннинг, Марк Ротко, Роберт Мазеруэлл, Барнет Ньюман, Адольф Готлиб, Франц Клайн, Клиффорд Стилл, Филипп Гастон, Сэм Фрэнсис, Грейс Хартиген.

20. Ташизм во французском искусстве

Ташизм (от французского tache — пятно) - Течение в западноевропейском абстракционизме 1950-х — 1960-х г., аналог абстрактного экспрессионизма в искусстве США. Однако в отличие от абстрактного экспрессионизма, ташизм чаще понимается как специфически европейский, в первую очередь, французский вариант беспредметного творчества.

Его типические образы (в картинах французских мастеров П. Сулажа или Х. Хартунга) основаны на игре мощных, крупных мазков. Он редко включает символически знаковые элементы, исходя (как у Ж. Матье) из чистой ритмики артистического жеста или (как у Ж. Базена) из обобщенных пейзажных впечатлений, представляющих собой своего рода "абстрактный импрессионизм".

Ташизм - это способ изображения с помощью пятен, которые призваны выразить не реальные образы, а бессознательную активность живописца. Термин был введен в 1950 г. художественным критиком М. Сефором для обозначения живописной техники группы художников, среди которых ведущее место занимали немец Вольс (Альфред Шульце), француз Жорж Матье, испанец Антонио Саура и другие.

Ташисты создавали картины методом «психической импровизации»: мазки краски наносились на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана. Это было очень похоже на то, что в Америке называлось «живописью действия» — спонтанное энергичное нанесение краски исключительно под влиянием психических и эмоциональных состояний. Однако в отличие от своего американского собрата ташизм характеризовался менее агрессивной манерой письма, большим вниманием к цвету, легкостью форм. Да и сам Вольс, изобретатель этого метода, отрицал абсолютную случайность в своей работе. Он считал, что, отталкиваясь от неких визуально воспринятых «следов» (форм реальной действительности), художник инстинктивно проникает в какие-то глубинные процессы бытия. Поэтому некоторые картины ташистов представляли собой бьющие по психике резкостью форм и мрачной цветовой гаммой абстрактные полотна, выражающие трагико-пессимистический взгляд на мир, другие вызывали ассоциации с природными явлениями — водными стихиями, горными ландшафтами, движениями атмосферы.

Впервые работы ташистов были выставлены в Париже в 1947 г. В 1950-х — начале 1960-х г. это движение имело много приверженцев среди художественной интеллигенции Европы.

Представители ташизма:

Пьер Алешинский (родился в 1927 г.);

Карел Аппель (1921—2006 г.);

Ханс Хартунг (1904—1989 г.);

Асгер Йорн (1914—1973 г.);

Жорж Матье (родился в 1921 г.);

Анри Мишо (1899—1984 г.);

Серж Поляков (1900—1969 г.);

Пьер Сулаж (родился в 1919 г.);

Никола де Сталь (1914—1955 г.);

Антони Тапиес (родился в 1923 г.);

Брам ван Вельде (1895—1981 г.);

Вольс (1913—1951 г.).

К ташизму близки европейская группа «КоБрА» (CoBrA) и японская группа «Гутаи» (Gutai).

21. Творчество В. де Кунинга

Виллем де Кунинг(Kooning, Willem de)(1904–1997),американский художник, один из лидеров абстрактного экспрессионизма.

Родился в Роттердаме 19 марта 1904. С 1916 занимался в школе художников-оформителей, попутно посещая (до 1924) вечерние классы местной Академии изящных искусств. С 1920 работал главным художником универмага. Нелегально эмигрировав в 1926 в США, в 1927 обосновался в Нью-Йорке. Подружился с А.Горки, испытал его влияние. Глубокое впечатление на него оказало также творчество П.Пикассо и Х.Миро.

Начал нащупывать собственную стилистику на рубеже 1930—1940-х годов, когда оформился характерный для него мотив одинокой фигуры, превратившейся в своеобразный живописный тотем.

Писал и чисто абстрактные лирические композиции, используя — в целях экономии краски — лишь черные и белые малярные лаки (Свет в августе, названный по одноименному роману У.Фолкнера, 1946, частное собрание, США);

позднее вводил импульсивные всплески цвета (Раскоп, 1950, Художественный институт, Чикаго). В 1950-е гг. де Кунинг идёт по пути примитивизации, разрабатывает так называемые «фигуративные абстракции».

Его шедеврами были признаны «фигуративные абстракции» первой половины 1950-х годов, составившие серию «женщин» (Женщина I, 1950–1952, Музей современного искусства, Нью-Йорк; и др.);

из хаоса крупных, энергичных мазков-"ударов" здесь нарождаются яростные сгустки невротических мужских комплексов по поводу иного пола.

С 1963 жил в Ист-Хэмптоне (на Лонг-Айленде). Продолжал серию «женщин», но все большее значение уделял чисто пейзажным мотивам, преобразуя их почти до полной беспредметности.

Его поздняя красочная кладка — на фоне прежней агрессивной резкости — значительно смягчилась, став более декоративной (Две фигуры на фоне пейзажа, 1967, Городской музей, Амстердам). В последние его десятилетия творческие возможности мастера были скованы болезнью Альцгеймера.

Умер Кунинг в Ист-Хэмптоне 19 марта 1997.

22. Минимализм. Общая характеристика . Авторы

Минимализм (от англ. minimal art – минимальное искусство) – направление в искусстве, возникшее в первой половине 1960-х в США. Характеризуется простотой, единообразием форм, лаконичностью выразительных средств, точностью и ясностью композиции. Получил распространение в изобразительном искусстве, дизайне и моде, архитектуре, в меньшей степени – в музыке, литературе, театре и кино.

1. Происхождение

Минимализм первоначально сформировался в изобразительном искусстве в США в первой половине 1960-х как реакция на абстрактный экспрессионизм на базе конструктивизма, супрематизма, абстракционизма.
В 1958–1960 годах американский художник Фрэнк Стелла представил серию «Чёрных картин», которая заложила основу для появления первых минималистских произведений.
Сам термин «минимализм» принадлежит британскому философу и искусствоведу Ричарду Уолхейму, применившему его в 1965 году при анализе творчества Марселя Дюшана. Девизом минимализма стала фраза «Less is more» («Меньшее есть большее»), принадлежащая немецкому архитектору Людвигу Мис ван дер Роэ и описывающая его намерение произвести впечатление на зрителя не буйством форм и красок, а минимумом средств, строгостью и простотой при высокой функциональности каждого элемента.

2. Основные черты

Для минимализма характерны отказ от субъективности автора, любого символизма и метафоричности, использование простых, доступных средств (например, природных материалов, в этом случае минимализм перекликается с направлением эко), нейтральные естественные цвета (серый, чёрный, белый, бежевый и т. д.), простые геометрические формы, повторяемость, что в целом определяется как экономия художественных средств.

3. Минимализм в искусстве

3.1. Изобразительное искусство

В изобразительном искусстве минимализм прежде всего проявляется в тяге к использованию правильных геометрических элементов, повторению, доходящему до фрактальности, нейтральных оттенков и поверхностей, промышленных материалов и способах получения изображений и объектов (в том числе с помощью компьютерных программ и паттернов).
Наиболее видными представителями направления являются Карл Андре, Норман Карлберг, Мэл Бочнер, Дэн Флавин, Сол Ле Витт, Ричард Аллен, Тони Смит, Брайс Марден, Агнес Мартин, Роберт Моррис, Ларри Белл.

Минималистское направление в изобразительном искусстве активно развивалось в шестидесятые и семидесятые годы прошлого века. Основная идея минимализма — простота формы и содержания, нивелирующая персональное самовыражение художника. Художник-минималист стремится дать зрителю возможность острее прочувствовать композиционное решение произведения, лишив композицию контекста и отвлекающих внимание деталей.

В двадцатые годы XX века начало концептуальной разработке теории и практики минимализма как взгляда на искусство было положено такими художниками как Казимир Малевич [1] иМарсель Дюшамп.

Цвет — сущность живописи, которую предмет всегда убивал.[2]

— Казимир Малевич.

Направление в живописи и скульптуре, искусство минимализма сведено к своей основной сущности; оно чисто абстрактно, объективно и анонимно, лишено внешней декоративности или экспрессивного жеста. Живопись и графика минимализма монохромны и часто воспроизводят математически правильные решетки и линейные структуры. В то же время минимализм способен пробудить возвышенные чувства и ощущения бытия. Скульпторы-минималисты используют промышленные процессы и материалы, такие как сталь, пенопласт или флюоресцентные трубки, для создания геометрических форм, часто — большими сериями. Подобная скульптура не прибегает ни к каким иллюзионистическим приемам, зато рассчитана на тактильное восприятие зрителем. Минимализм можно рассматривать как реакцию на эмоциональность абстрактного экспрессионизма, господствовавшего в искусстве на протяжении 1950-х годов.

23. Оп- арт. Общая характеристика. Авторы

англ. Op-art – сокращенный вариант optical art –оптическое искусство) – художественное течение второй половины 20 века, продолжпет техницистскую линию модернизма.использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур.

Оп-арт – это аббревиатура слова «оптическое». Появилась она в середине 1950-х годов. Для этого направления характерно воспроизведение движения с помощью изобразительных средств без движения как такового, что отличает оп-арт, в частности, от кинетического искусства. Совокупность геометрических форм и цветовых комбинаций создает в глазу зрителя иллюзию движения, играя, например, на симультанном контрасте, на сдвигах, на оптическом смешении образов. Помимо возбуждения иллюзий, художники стремятся создать новое, чисто оптическое пространство. Это одна из возможных характеристик оп-арта. К оп-арту примыкает живопись цветового поля (Color field). В своем стремлении к эффективному использованию цвета худож-ники превращали картины в огромные цветовые плоскости. В этом случае экспансия цвета не ограничивалась даже рамой картины, и у зрителя возникало ощущение бесконечной непрерыв-ности (Марк Ротко, Барнет Ньюмен, Клиффорд Стил).

Поиску красоты модернизм противопоставил поиск сенсаций. И вот уже поп-арт теснят оп-арт (оптическое искусство), кинетическое искусство и другие течения. С середины 60-х годов пресса и реклама уделяют все большее внимание новой разновидности авангардизма – оп-арту, подчинившему плоскостные изображения и объемные предметные конструкции духу геометри-ческого абстракционизма. И в США, и в Европе устраиваются выставки оп-арта, появляются теоретики оп-арта, ожидается, что он одержит победу над поп-артом.

Оп-арт прочно связан с абстракционизмом, здесь создается особая эстетическая среда калей-доскопических эффектов, особые изобразительные формы, далекие от воспроизведения действи-тельности. Опираясь на определенные психологические особенности человеческого восприятия, художники оп-арта успешно использовали некоторые зрительные иллюзии. В качестве средств образной выразительности в оп-арте фигурирует цвет, декоративный, контрастный или мягкий, тающий в полутонах, и геометризированный рисунок в виде спиралевидных, извивающихся линий, однообразных геометрических очертаний, усложненных наложением или совмещением разных планов узора. Творчество оп-арта можно было бы рассматривать как разновидность декоративно-прикладного искусства. Известно, что художники-модельеры широко используют оптические мотивы в росписи тканей, создавая монохромные или цветовые композиции, переливающиеся при всяком движении костюма или платья; эти приемы используются для декоративных целей при создании панно и интерьеров (скатерти, обои и т.д.).

Однако оп-арт претендовал на большее – быть авангардным искусством. В этом качестве оп-арт привлек всеобщее внимание и закрепился в художественной жизни как течение, а его достижения можно трактовать по-разному и использовать в различных утилитарных целях – это не меняет существа дела. Оп-арт прочно занял свое место в истории мирового искусства.

В оп-арте нет темы, сюжета, образной выразительности в привычном смысле слова. Такой характер творчества художников оп-арта подтверждается демонстрациями их работ на многочис-ленных выставках, например, на выставке «Арте-Фиера-77», проходившей в 1977 году в Болонье, где в изобилии были представлены работы Виктора Вазарелли, Еннио Фиици и др. Художники оп-арта нередко объединяются в группы и выступают инкогнито: группа Н. (Падуя), группа Т. (Милан), группа Зеро (Дюссельдорф), группа поисков визуального искусства, возглавляемая Виктором Вазарелли, которая дала первоначальный толчок движению оп-арта.

24. Поп- арт. Эстетика и художественные методы. Авторы

ПОП-АРТ (англ. pop art, сокращение от popular art – популярное, общедоступное искусство; второе значение слова связано со звукоподражательным англ. рop – отрывистый удар, хлопок, шлепок, т.е. производящее шокирующий эффект) – направление в искусстве конца 1950-х – начала 1970-х; возникает как оппозиция беспредметному абстракционизму; знаменует переход к концепции нового авангардизма.

Представители поп-арта провозгласили своей целью «возвращение к реальности», но реальности, уже опосредованной масс-медиа: источником их вдохновения стали глянцевые журналы, реклама, упаковка, телевидение, фотография. Поп-арт вернул предмет в искусство, но это был предмет, не опоэтизированный художественным видением, а предмет нарочито бытовой, связанный с современной индустриальной культурой и, в особенности, с современными формами информации (печать, телевидение, кинематограф).

Новые технические приемы, позаимствованные из промышленного дизайна и рекламы: фотопечать, использование диапроектора, включение реальных предметов, способствовали как «обезличиванию» индивидуальной творческой манеры художника, так и «раскрытию эстетической ценности» образцов массовой продукции.

Поп-арт зародился в Англии; наибольшей известности достигли американские и французские художники. Сходные направления появились в Италии, Германии, и даже в СССР, отделенном в то время от остального мира «железным занавесом».

Представители — Э. Уорхол, К. Олденбург, Р.Лихтенштейн и др.

После второй мировой войны в Америке сформировался большой социальный слой людей, зарабатывавших достаточно денег, чтобы приобрести товары, которые им не были особенно важны. Например употребление товаров: Coca cola или Levi’s джинсы становятся важным атрибутом этого общества. Человек используя тот или другой товар, показывает свою принадлежность определенному социальному слою. Ток формировалась массовая культура. Вещи становились символами, стереотипами. Поп-искусствообязательно использует стереотипы и символы.
Поп искусство (поп-арт) воплотило в себе творческие искания новых американцев, которые опирались на творческие принципы Дюшана. Это: Джаспер Джонс, К. Олденбург, Энди Уорхол, и другие. Поп искусство получает значение массовой культуры, поэтому неудивительно, что оно сформировалось и стало течением искусства в Америке. Их единомышленники: Гамельтон Р, Тон Китай в качестве авторитета выбрали Курта Швитерса. Поп искусству свойственно произведение — иллюзия игры, объясняющая суть объекта. Пример: пирог К. Олденбурга, изображенный различными вариантами.
Художник может не изобразить пирог, а рассеять иллюзии, показать, что человек видит по-настоящему.Р.Раушенберг также своеобразен: он приклеивал к полотну разные фотографии, их обрисовывал и к работе приделывал какое-нибудь чучело. Одна из известных его работ — чучело ежа. Также хорошо известна его живопись, где он использовал фотографии Кенеди. Можно считать, что произведения Р. Раушенбергадовольно политизированы, но это не меняет их значения. Его искусство очень внушительное.

Д.Джонс, один из первых художников использовавший для сюжета картины Государственный символ — флаг, работа «Флаг». На ней точно изображён флаг США и только. Позже создал работу «три флага», здесь изображены три флага США, находящиеся один на другом.
Р. Лихтенштейн - это один из весёлых художников. Для своих сюжетов он использует картинки комиксов. Как и предположение взятое из контекста, так и эти картинки кажутся не особенно умными. Но в них художник говорит о любви, человеческих отношениях. Выполнив работы тонами одного цвета художник укрепляет иллюзию, что бы это возвысило рисунок. Подобно ему работал и Е. Вархоп, его композициях многочисленные повторения изображений жестяных бутылок COCA COLA, портреты Элвиса Пресли. Таким образом, он обратил внимание на сформировавшиеся стереотипы и символы. В своих произведения он использует символ демократии — Coca cola или М. Монро - символ сексуальности и красоты. Такие работы выполненные в стиле поп искусства, понятны людям. Поп искусство балансирует на грани абсурда и иронии.
Сформировавшаяся ветвь поп искусства: гиперреализм — направление постмодернизма, целенаправленно на фотографическое воспроизведение банальной ежедневности. Множество создателей поп искусства используют творческие методы, пришедшие из дадаистских экспериментов (общество «Dada»), когда форма не моделирована из материала, но составлена из искусственных объектов.
Поп искусство так же имело влияние и для искусства среды хеппенинга. Переход к действию который был бы не только частью творческого процесса, но и частью самого творчества. Это воплощено в хеппенинге — переходит к пустому действию, которое становится частью художественного действия. Первооткрывателем этого считался Ив Клейн

Техники: техника поп-арта была исключительно разнообразна: живопись и коллаж, проецирование на полотно фотографий и слайдов, опрыскивание с пульверизатора, комбинирование рисунка с кусками предметов, и т.д

25. Творчество Э. Уорхола

Энди Уорхол ( 6 августа 1928 — 22 февраля 1987)– американский художник, продюсер, дизайнер, писатель, коллекционер, издатель журналов и кинорежиссёр, культовая персона в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом.

В 1960-х годах был менеджером и продюсером первой альтернативной рок-группы «Velvet Underground». О жизни Уорхола снято несколько художественных и документальных фильмов.

Один из крупнейших художников современности. Его творчество неотделимо от такого понятия как «массовая культура». Он много сделал для того, чтобы искусство стало максимально доступно широким массам, чтобы люди научились видеть красоту повседневных вещей, понимая, что все, что окружает человека, прекрасно по своей сути.

Для Уорхола искусство было способом любить поверхностную суть вещей. Именно такая проницательность помогла ему понять, что именно это делает искусство безграничным.

Уорхол родился в Питтсбурге (штат Пенсильвания, США), в семье эмигрантов — русинов из деревни Микова, тогда находившейся в Австро-Венгрии, а сейчас — в Медзилаборецком районе северо-восточной Словакии. Он стал рано проявлять таланты в искусстве и изучал коммерческое искусство в Институте технологии Карнеги (сейчас — «Carnegie Mellon University») в Питтсбурге. Он не всегда хорошо учился в колледже и часто оставался непонятым своими сверстниками и руководителями. После окончания образования в 1949 году он переехал в Нью-Йорк и начал успешную карьеру в иллюстрировании журналов и в рекламе. Он стал хорошо известен благодаря своим эксцентричным чернильным рисункам обуви, выполненными в свободном стиле, с намеренными пятнами.
В 1962 году Уорхол создал сенсационную серию полотен, на которых были изображены, зачастую в кричащих цветах, банки консервов и кока-колы. Радикальные арт-критики сразу обратили на них внимание, заявив, что произведения молодого художника искусно вскрывают пошлость, пустоту и безликость западной культуры массового потребления. В 1963 Уорхол перенес мастерскую в центр Манхэттена, она была окрашена серебряной металлической краской. Студию начали называть «Фабрика». Царившая там атмосфера вседозволенности, излишеств и творческого горения перевернула традиционное представление о мастерской художника как об уединенном месте.Впоследствии Уорхол стал создавать более эпатажные произведения, такие как выполненные в кислотной манере образы кумиров современного общества: Мэрилин Монро, Мика Джаггера, Мао Цзедуна. Новаторство Уорхола состояло в том, что он создал «бизнес-арт», где отвел себе роль не рабочего, а предпринимателя, приняв на себя руководство исполнителями. «Фабрика» была устроена как коммерческое предприятие, она производила до 80 шелкографий в день, а в год выпускала около тысячи работ. На ней трудилась целая команда рабочих, здесь отвергались и ставились с ног на голову устои классического искусства, в частности была налажена работа по «массовому производству» портретов знаменитостей. Человек, которого Уорхол портретировал, приходил к нему в мастерскую, где фотоаппаратом «Полароид» художник делал серию моментальных снимков, отбирал лучшую фотографию, увеличивал ее, и методом шелкографии изображение переносилось на холст. Уорхол либо закрашивал поверхность холста до репродуцирования, или же писал масляными красками по уже репродуцированному изображению. Часто Уорхол создавал несколько вариантов одной картины.
Художник считал, что на портрете все должны казаться «суперзвездами»: картина До и после (серия Рекламные объявления, 1960) дает стандартное рекламное обещание нового лица «от Уорхола», улучшенной версии тебя самого, подобное всем рекламам потребительских товаров.
Скандальная репутация Уорхола способствовала росту цен на работы из этой серии. В настоящее время рыночная стоимость картин Уорхола нередко измеряется десятками миллионов долларов.
Во второй половине 1960-х Уорхол стал проявлять интерес к кино. Фильмы, снятые им вместе с Полом Морисси, — первая ласточка сексуальной революции. Большинство из его киноработ — более или менее бессюжетные фильмы, продолжительностью до 25 часов, в течение которых на экране бродят нагие участники Уорхоловой «фабрики», вроде Джо Далессандро и Идди Сэдвиг. Параллельно с экспериментами с любительским кино Уорхол создаёт и продюсирует первую альтернативную рок-группу — The Velvet Underground. Он также выступил дизайнером обложек ряда концептуальных альбомов, например, «Sticky Fingers» группы The Rolling Stones. Вокруг Уорхола сложилась особая субкультура молодежи, одна из участниц которой — феминистка Валери Соланас — в 1968 г. выстрелила в «учителя», тяжело ранив его. Хотя жизнь Уорхола удалось спасти, в течение двух последующих лет он оставался инвалидом, а в 1987 году умер от последствий этого ранения.

В творчестве художника Энди Уорхола, несомненно, ощущается ритм современной культуры. Для его живописных приемов характерна новизна и изолированность зрительных образов от действительности, повторяемость и навязчивое уподобление их печатным изображениям. Изображая на своих картинах сами способы массового производства, которому уделяется столь важное внимание в современном промышленном обществе, Уорхол показывал использование этих средств, товаров и услуг во благо и во зло, одновременно подчеркивая абсурдность полного отсутствия взаимных человеческих обязательств, наблюдаемых им в современном обществе. Кроме того, наряду с использованием изобразительных средств, почерпнутых из поп-культуры с целью критики современного общества, Уорхол также уделял значительное внимание нападкам на искусство и буржуазные ценности, которым положили начало дадаисты.

26. Хэппенинг и перфоманс. Общая характеристика.

Хэ́ппенинг— форма современного искусства, представляющая собой действия, события или ситуации, происходящие при участии художника, но не контролируемые им полностью. Хэппенинг обычно включает в себя импровизацию и не имеет, в отличие от перформанса, четкого сценария. Одна из задач хэппенинга — преодоление границ между художником и зрителем.Основоположником хэппенинга как представления с элементами случайности является Джон Кейдж, который осуществил первый хэппенинг в 1952 году. В соответствии с его представлениями о значении случая в художественном творчестве, хэппенинги иногда называют «спонтанными бессюжетными театральными событиями».Термин в 1958 году был предложен Алланом Капроу, учеником Кейджа. Капроу отказывался от традиционных принципов художественного мастерства и постоянства в искусстве. В США к числу художников, развивавших искусство хэппенинга в период его становления, помимо Кейджа и Капроу относятся Джим Дайн, Клас Ольденбург, Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн. Идея хэппенинга связано с принципом зрительского участия в целях социально-политической пропаганды, как многие из работ Йозефа Бойса, или с целью шокировать общественную мораль.В 1959 г. театр «Рубен-Гэллери» поставил пьесу 18 хэппенингов в шести частях (18 Happenings in 6 parts), придуманную Алланом Капроу. Зрители могли приобщиться к происходившему прямо в зале, выпив бокал вина вместе с героями.

Хэппенинги стали известны с начала 1960-х годов. На 1960-е годы пришёлся их расцвет (преимущественно в США).

Перфоманс— одна из форм современного искусства, одна из разновидностей акционизма(от лат. actio деятельность), берущего начало в концептуализме 60-х годов XX в. Перформанс — это короткое представление, исполненное одним или несколькими участниками перед публикой в художественной галерее, музее или каком-либо другом помещении и даже на открытом воздухе (“пейзажный перформанс”). Акции перформанса заранее планируются и протекают по некоторой программе, заранее задуманной исполнителями (“перфомансистами”). Это отличает перфоманс от другой разновидности акционизма — хепенинга.Перфоманс и хеппенинг определенно объединяет их акционность (действенность и динамичность). Перфоманс, как хеппенинг, зародившись в недрах модернизма и авангардизма 60-70-х годов прошлого века, сегодня считается одной из ярких форм выражения постмодернистской эстетики.Джон Коэн «Прибавить метр к безымянной горе».Известные перформансы Йозефа Бойса:«Как объяснять картины мертвому зайцу» (1965; с тушкой зайца, к которому мастер «обращался», покрыв свою голову мёдом и золотой фольгой);«Койот: я люблю Америку и Америка любит меня» (1974; когда Бойс три дня делил комнату с живым койотом);«Медогонка на рабочем месте» (1977; с аппаратом, гнавшим мёд по пластмассовым шлангам);«7000 дубов» — наиболее масштабная акция, во время международной арт-выставки «Документа» в Касселе (1982): огромная куча базальтовых блоков здесь постепенно разбиралась по мере того, как высаживались деревца.

27. Гиперреализм в США и Западной Европе. Общая характеристика. Авторы

Гиперреализм (Hyperréalisme). На смену абстрактному экспрессионизму, который во многом опирался на случай, и в котором художник самовыражался посредством движения руки, и поп-арту, использовавшему готовые изображения, которые он черпал из рекламы, пришел гиперреализм. Как и в поп-арте, использование фотографии в гиперреализме очень важно. Художники этого направления показывают сцены из каждодневной жизни, портреты.

Для достижения своей цели они пользовались двума приемами: либо проецировали фотографию на холст при помощи проектора, а потом раскрашивали, либо печатали фотографию на холсте, а потом красили прямо по печати.

США:

Малколм Морли – см. Плохая живопись, Чак Клоз (Chuck Close) 1940, Ричард Истес (Richard Estes) 1936, Дон Эдди (Don Eddy) 1944, Одри Флэк (Audrey Flack) 1931 , Ралф Коингз (Ralph Goings) 1928, Роберт Бехтле (Robert Bechtle) 1932 , Джон де Андреа (John De Andrea) 1941

Европа:

Герхард Рихтер (Gerhard Richter) 1932 , Франц Гертш (Franz Gertsch) 1930, Антонио Лопес Гарсиа (Antonio López García) 1936

Гиперреализм (по-английски «hyperrealism») - одно из популярных направлений мирового искусства 1960-1970-х. Гиперреализм (в России он называется «фотореализм») возник в США в живописи и скульптуре в середине 1960-х, а в 1970-х получил широкое распространение во многих странах мира. Методика гиперреализма основана на увеличенном воспроизведении фотографического снимка, получающего размер большого полотна. При этом сохраняются все особенности фотоизображения, но исключаются собственное видение и собственный художественный почерк мастера. В гиперреалистических картинах использовались различные механические методы копирования: проекция диапозитива на холст, масштабная сетка для увеличения изображений, аэрограф для распыления жидкой краски, шлифовка поверхности холста. Это создавало иллюзию гигантского фотоотпечатка. Гиперреалисты обычно изображали современный городской мир — магазины, рестораны, бензозаправочные станции, бытовые обслуживающие машины; особое внимание уделялось современным материалам, блестящим, отражающим свет поверхностям металла, стекла, пластиков, ярким лакированным плоскостям, шлифованному камню. Это создавало игру прозрачных предметов и неожиданных отражений, спутывало близкие и далекие планы, нарушало пространственные зоны, вносило фантастические, иррациональные черты в мир привычных, знакомых улиц, дворов. Такими урбанистическими полотнами, сочетающими фотографическую точность и пристальность зрения с эффектами пространственных иллюзий, увлекались в США живописцы Дон Эдди, Ричард Эстес, Ралф Гоингс, Бен Шопцайт, Малколм Моран. Па портретах, которые писал американский живописец Чак Клоуз, лица как будто увидены под сильным увеличительным стеклом. Гиперреализм своеобразно проявился и в скульптуре: скульпторы США Джордж Сигел, Джордж де Андреа, Дуэйн Хэнсон выполняли муляжи живых фигур, нередко их раскрашивали в натуральные цвета, одевали в готовое платье, давали в руки реальные предметы и ставили их в характерные ситуации. Своеобразные варианты гиперреализма (фотореализма) возникли е 1970-х не только в странах Западной Европы, но и в СССР — в особенности в творчестве молодых художников, прельщенных возможностью соединить современную виртуозную технологию и игру с предметами, порожденными эпохой поп-арта, с реалистической документальностью, которую поощряла придирчивая советская эстетика. Зачинщиками выступили эстонцы Андо Кескюлла, Рейн Таммик, Хейти Полли, увлекавшиеся романтикой путешествий, туризма, спорта; латыш Мирвалдис Полис вернул гиперреалистические образы на улицы знакомых городов. Московские художники стремились усилить эффект неожиданности взгляда на реальную сегодняшнюю жизнь города, используя фотографические средства: Андрей Волков ради поэтической игры света в мире московских окон, Александр Петров ради контрастов индустриальных и человеческих аспектов современной жизни, Евгений Амаспюр ради жгучих символов неблагополучия советского образа жизни, Ольга Гречина, Сергей Гета, Сергей Базилев, Сергей Шерстюк использовали методы фотореализма для создания серий и драматических композиций с признаками документальной точности.

Гиперреализм получил различные названия в художественной критике-. «холодный реализм», «радикальный реализм», «реализм резкого фокуса».

28. Фотореализм в СССР (С. Шерстюк, С. Базилев, С. Тета, Г. Кичигин, А. Кескюла)

Гиперреализм (hyperrealism — англ.), или фотореализм (photorealism — англ.), направление в изобразительном искусстве последней трети 20-го века, сочетающее предельную натуральность образов с эффектами их драматического отчуждения. Гиперреализм — художественное течение в живописи и скульптуре, основанное на фотографическом воспроизведении (копировании) действительности. Гиперреалисты использовали «механические» приемы — аэрограф, фототехнику, диапроекцию. Их произведения напоминают чрезмерно увеличенные фотографии с тщательно отшлифованной игрой светотени, блеска материалов. Своеобразные варианты фотореализма возникли в 1970-е годы не только в странах Европы, но и в СССР.

 

В 70-х годах в России. Здесь, как и в Штатах, жизнь также была абсолютно гиперреальной, но совсем в другом смысле. Холодная война была войной рекламы вещей против рекламы идей. И очевидно, что гиперреальность Советского Союза приобретала абсолютно виртуальный, а не формалистический характер, и здесь было бы несправедливо упрекать российских гиперреалистов в слепом копировании и подражании Америке, действительно популярной в среде тогдашней интеллигенции.

Со второй половины 70-х годов активизируется Москва, а в 80-е годы — фотореалисты работают во многих регионах страны: на Украине (З.Фролова — Харьков), в Ленинграде (Н.Мокина, М.Берзинг), Литве (И.Пекур, М.Рожанасайте), Латвии (М.Полис), Армении (С.Овсепян), Узбекистане (М.Тохтаев), Белоруссии (М.Селещук), Сибири (Г. Кичигин, Н.Белянов —ОМСК)
Художники в основном действовали в составе групп. С конца 60-х годов особая группа существовала в Таллинне (А.Кесккюла, А.Толтс и. др.), на рубеже 70—80-х годов в Тарту объединились М.Кильк, И.Круузамяэ, Р.Таммик, Э.Тэгова, в Москве с 1980 по 1985 год работала «Группа 6» (А.Тегин, С.Шерстюк, С.Базилев, С.Гета,Н.Филатов, И.Копыстянский). И последнее такого рода образование — группа ленинградцев (Н.Мокина, В.Пахомкин, А.Блинов, М.Берзинг), обратившая на себя внимание уже в 1986—1987 годах.

 

Однако когда мы говорим о вызревании фотореализма на советской художественной арене, мы сталкиваемся с тем, что ситуация 70-х годов была абсолютно отлична от западной арт-среды. Такие течения, как абстракция и концептуализм, у нас существовап в скрытом виде — в неофициальном слое культуры и на поверхности художественной жизни себя не обнаруживали. Зато советский фотореализм с 1975—76 годов стал совершенно легальным течением.
Более того, советским художникам, черпавшим свое представление о современном Западе из журналов и каталогов, американский «гипер» был показан. Сначала на камерной выставке в Доме дружбы (1974), затем в ГМИИ на выставке «Современное а

 




Поиск по сайту:

©2015-2020 studopedya.ru Все права принадлежат авторам размещенных материалов.