Помощничек
Главная | Обратная связь


Археология
Архитектура
Астрономия
Аудит
Биология
Ботаника
Бухгалтерский учёт
Войное дело
Генетика
География
Геология
Дизайн
Искусство
История
Кино
Кулинария
Культура
Литература
Математика
Медицина
Металлургия
Мифология
Музыка
Психология
Религия
Спорт
Строительство
Техника
Транспорт
Туризм
Усадьба
Физика
Фотография
Химия
Экология
Электричество
Электроника
Энергетика

Творческие методы художников ОМХ и «Четыре искусства»



ОМХ - Общество московских художников

Осн. в 1928. В ОМХ вошли б. члены объединения "Московские живописцы", "Маковец", "Бытие". Члены ОМХ - С.В.Герасимов, И.Э.Грабарь, А.Д.Древин, А.В.Куприн, А.А.Лебедев-Шуйский, А.В.Лентулов, А.А.Осмеркин, Н.А.Удальцова, Р.Р.Фальк, А.В.Фонвизин, Н.И.Шестаков и др. ОМХ объединял до семидесяти членов и кандидатов. Большинство участников объединения - б. "бубнововалетцы". Декларация и Устав опубликованы в 1928. Декларируемые принципы - сезаннизм, свободная живописная пластика. Две выставки в Москве в 1928 и 1929. В 1931 ряд членов ОМХ перешли в АХР.

"Четыре искусства" - Общество художников

Осн. в 1925 в Москве. Объединяло художников разных поколений и творческих пристрастий, начиная от мастеров "Голубой розы" и "Мира искусства" и кончая представителями "левых течений".

Основу программы составляло высокое профессиональное мастерство, направленное на достижение выразительной художественной формы, художественного качества. Исходили прежде всего из достижений французской школы, "как наиболее полно и всесторонне развивающей основные свойства искусства живописи". Декларативный лозунг - "художественный реализм".

Устав утвержден в 1928, об-во выпустило декларацию (1930). Организовало четыре выставки (1925, 1926, 1929 - Москва, 1928 - Ленинград). Участвовало в выставках 1929-30 гг.

Членами об-ва были: М.Аксельрод, Е.Бебутова, В.Бехтеев, Л.Бруни, Г.Верейский, Л.Гудиашвили, К.Истомин, И.Клюн, П.Кузнецов, Л.Лисицкий, К.Малевич, А.Матвеев, П.Митурич, В.Мухина, И.Нивинский, А.Остроумова-Лебедева, К.Петров-Водкин, М.Сарьян, Н.Тырса, Н.Ульянов, П.Уткин, В.Фаворский, И.Чайков, А.В.Щусев и др., -за весь период своей деятельности об-во объединяло в своих рядах более 70-ти членов. В 1932 распалось. Часть членов перешла в АХР.

Творческие методы художников ОМХ и «Четыре искусства»

«Четыре искусства» — художественное объединение, существовавшее в Москве и в Ленинграде в 1924—1931 годах.

Общество было основано художниками, входившими ранее в Мир искусства и Голубую розу. В объединение входили живописцы и графики, скульпторы и архитекторы, как правило, относившиеся к старшему поколению, поэтому всем членам объединения было присуще высокое профессиональное мастерство, точно проработанная образная структура и выразительность, умение использовать накопленный опыт в применении к новым задачам, поставленным современным искусством и градостроительством. Существовало параллельно с АХРР и ОСТ, но наряду с ОМХ (Обществом Московских художников), мастера объединения с пиететом относились к проблемам сохранения культуры и сберегали язык произведения, его художественную форму — весьма важной частью художественного произведения.Художники очень отличались друг от друга творческой манерой.Общество часто проводило выставки в Москве (в 1925, 1926 и 1929 годах) и в Ленинграде в 1928 году. Влилось в АХРР.

Знаковые произведения: Петров-Водкин («После боя», 1923; «Девушка у окна», 1928; «Тревога», 1935, «Смерть комиссара», 1928), Кузнецов («Строительство Еревана», 1931; «Сортировка хлопка», 1931; «Обработка туфа», 1931; «Сбор чая», 1928).

Члены общества «Четыре искусства», выдвигали на первый план вопросы специфики искусств, выразительности художественной формы. Их отличало высокое профессиональное мастерство. Они объявили своими принципами стремление к лаконической, выразительной, конструктивной форме, «к острому живописно-цветовому мироощущению».

Члены общества «Четыре искусства»: Жолтовский Иван Владиславович,Матвеев Александр Терентьевич, Мухина Вера Игнатьевна, Петров-Водкин Кузьма Сергеевич, Сарьян Мартирос Сергеевич, Ульянов Николай Павлович Фаворский Владимир Андреевич, Щусев Алексей Викторович и др.

В 1928 г. было создано Общество московских художников (ОМХ), куда пришли в основном уже знакомые нам «бубново-валетовцы» и молодые (А. Куприн, И. Машков, А. Лентулов, В. Рождественский, Р. Фальк, А. Осмеркин, С. Герасимов, И. Грабарь, А. Шевченко, А. Фонвизин, А. Древин, В. Рындин, Н. Чернышев). Члены ОМХ стремились передать материальное богатство мира с помощью энергичной лепки объемов, смелой светотеневой моделировки, пластической выразительности формы.

5. Творчество А. Дейнеки

Дейнека Александр Александрович(1899 — 1969) — живописец, график, художник монументально-декоративного искусства и скульптор. Действительный член Академии Художеств СССР. Народный художник СССР. Член-корреспондент Академии искусств ГДР.

Александр Александрович Дейнека вошел в историю советского изобразительного искусства как автор многих живописных и графических произведений, фресок, росписей, мозаик, скульптур.

Дейнека родился в Курске в семье рабочего. Учился в Харьковском художественном училище. В 1919— 1920 годах был в рядах Красной Армии, затем уехал в Москву, где учился и закончил в 1925 году ВХУТЕМАС. В 20-е годы он работал как график, печатался в журналах "Безбожник у станка", "У станка", иллюстрировал стихи Н. Асеева и А. Барто, роман Анри Барбюса "В огне". Картина "Оборона Петрограда" была первым живописным произведением художника. За ней последовали другие работы: "В обеденный перерыв в Донбассе" (1935), "Никитка—первый русский летун" (1940), "Будущие летчики" (1937)...

Его картины всегда отличались глубокой идеей и высоким профессиональным мастерством. Дейнека любил необычные ракурсы, динамичные повороты, его тянуло к монументальным формам искусства. И не случайно в 1964 году Дейнека был удостоен Ленинской премии именно за произведения монументального искусства—мозаики—"Хорошее утро" (1959— 1960), "Хоккеисты" (1959—1960), "Доярка" (1962) и "Красногвардеец" (1962).

Дейнека много и плодотворно работал над темой о спорте. Он был одним из самых страстных поклонников людей не только духовно, нравственно, но и физически сильных. Его персонажи — рослые юноши и девушки, пышущие здоровьем, атлетически сложенные. Картина "Эстафета по кольцу "Б" (1947), мозаика "Лыжники" (1950), скульптуры "Стометровка", "Бегущая спортсменка" и многие другие — убедительное тому подтверждение.

Дейнека совершенно по-особому чувствовал прелесть и очарование русского пейзажа. Многочисленные его произведения, посвященные русской природе, поэтичны и наполнены большой сердечной теплотой и лиричностью. Но и в пейзажах Дейнека остается мастером необычайной живописной экспрессии и динамики.

Интенсивно работал Дейнека и в годы Великой Отечественной войны. Одна из лучших его живописных многофигурных композиций — "Оборона Севастополя"—исполнена в 1942 году.

В творческой биографии А. А. Дейнеки, к сожалению, не по его вине были и спады, и мрачные дни. Его объявляли формалистом, его самая сильная картина "Оборона Петрограда" долгое время по этой же причине не выставлялась, а лежала в запаснике музея. В эти трудные для него дни он сильно огорчался, но не переставал верить и работать, оставаясь всегда принципиально твердым в своих воззрениях на искусство.
Дейнека создал свой художественный стиль, неповторимый и ставший образцом искусства высокого накала и нравственной чистоты.

 

 

6. Творчество Пименова

Ю. И. Пименову всегда хотелось быть художником современности, воплощать сегодняшнее, соответствующее духу и облику каждого бегущего дня ощущение жизни. Поэтому он оказался художником очень советским.

В 1924 г. с группой студентов Вхутемаса, где он учился в 1920-25 гг., Пименов участвовал в "Первой дискуссионной выставке объединений активного революционного искусства", а через год ее участники учредили Общество станковистов (ОСТ). "футбол, бокс, заводская архитектура, подъемные краны - все самоновейшее, самонаисовершенное - это было страстью моей и многих моих товарищей", - вспоминал Пименов.

Но не только тематику, весь строй своего искусства остовцы хотели сделать остросовременным. Таким казался немецкий экспрессионизм, с его резким, порой гротескным изобразительным языком. Пименов пишет "Инвалидов войны", с безглазыми масками вместо лиц (1926), аскетичных скелетоподобных спортсменов ("Бег", 1928) и почти столь же изможденных рабочих на фоне жестко вычерченных паровозов и стальных ферм в плакатной по заглавию и замыслу картине "Даешь тяжелую индустрию!" (1927).

К 1930-м гг. эта напускная суровость исчезает из творчества Пименова. "Я хочу сделать лирическое и нарядное искусство", - объявляет он. Легким, подвижным мазком, светлыми красками пишет он женские портреты ("Портрет Л. А. Ереминой", 1935), подмосковную природу, переливающуюся пестроту вещей и тканей в уборной актрисы ("Актриса", 1935). Радужная поверхность жизни увлекает его: только что отстроенные громады Охотного ряда, стриженый затылок девушки, ее руки на баранке открытой машины, гвоздики у ветрового стекла - все в розово-голубых переливах импрессионистически-нежного колорита ("Новая Москва", 1937).

Потом эту уже широко известную композицию художник демонстративно повторит в изменившейся декорации и суровом колорите "Фронтовой дороги" (1944). Жанр лирического репортажа, сентиментальное любование праздничной суетой городского быта останутся до конца жизни стихией Пименова.
С конца 1950-х гг. главный для него предмет наблюдения и поэтизации - окружающие Москву новые кварталы. Он любуется самой их неоконченностью и необжитостью, временным, еще не устроенным бытом. Работницы моют в луже свои блестящие боты ("Франтихи", 1958), балансируют по переброшенным через грязь трубам юные красавицы ("Первые модницы нового квартала", 1961), торжественно шествуют по дощатому настилу среди размытой дороги молодожены ("Свадьба на завтрашней улице", 1962). Все это он увлеченно наблюдает и все, пытаясь опоэтизировать, приукрашивает. Известен Пименов и своими театральными работами: для московского Малого театра он оформил спектакль "За тех, кто в море!" Б. А. Лавренева (1946), для Центрального театра Советской Армии - "Степь широкая" Н. Г. Винникова(1949).

7. Творчество А. Самохвалова

Александр Самохвалов (1894, — 1971) — крупнейший советский художник, живописец, график, прикладник, монументалист.

Среди учителей особое влияние на Александра Самохвалова оказал К. С. Петров-Водкин. Пространственная система построения картины, разработанная Петровым-Водкиным, проблемы соотношения цвета и формы увлекли Александра Самохвалова, для которого поиски своего видения, образного воплощения эпохи стали неизменными спутниками творчества. Не случайно путешествие с К. С. Петровым-Водкиным в Самарканд (1921 год) и работу в составе экспедиции Института истории материальной культуры по зарисовкам и обмеру памятников он воспринимал впоследствии как переломный момент в своём мировоззрении и творчестве. Другим сильнейшим впечатлением, повлиявшим на формирование творческого стиля художника, стало участие Александра Самохвалова в работах по реставрации Георгиевского собора в Старой Ладоге (1926), где он открыл для себя древнерусскую фресковую живопись.

Александр Самохвалов начал участвовать в выставках с 1914 года. В 1917 участвовал в выставке объединения художников «Мир искусства». Писал портреты, жанровые картины, пейзажи. Занимался плакатом, скульптурой, монументальной и станковой живописью, декоративно-прикладным искусством, иллюстрировал книги.

Дипломная картина «Головомойка» (1923, Русский музей), в которой художник стремился воплотить принципы «сферической перспективы» в духе Петрова-Водкина, стилистически близка сюрреализму. Однако Александр Самохвалов вступил на самостоятельный творческий путь в тот период, когда модернистски-авангардные поиски постепенно уходили в сферу «тихого искусства» или вообще в «подполье». Тем не менее, подобно мастерам ОСТа, к которому ленинградский «Круг художников» был эстетически весьма близок, Самохвалов сумел сохранить яркие черты поэтически-вольного символизма и во вполне официальных, заказных произведениях.

Особенно удавались Самохвалову образы «героинь труда и спорта» («Кондукторша», 1928; «Девушка с ядром», 1933, Третьяковская галерея; знаменитая акварельная серия «Метростроевки», 1933—1934, в основном — Русский музей) — образы, полные мажорного пафоса и в то же время по-своему сюрреального, почти «мифологического» обаяния; это своего рода таинственные современные богини, окружённые романтическим ореолом. Именно ему принадлежит знаковое произведение советского искусства 1930-х годов — «Девушка в футболке» (1932), в котором наиболее полно воплотилось стремление художника к созданию образа молодого современника, понимание зрелым мастером своих живописных задач.

8. Творчество Коненкова

Сергей Тимофеевич Конёнков по происхождению крестьянин. Он родился в деревне Нижние Караковичи Смоленской губернии. В 1892— 1896 гг. учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, после окончания которого отправился в командировку за границу — в Германию, Францию и Италию. По возвращении молодой скульптор продолжил образование уже в Академии художеств в Санкт-Петербурге.

В своём творчестве Конёнков прошёл периоды увлечения творчеством Микеланджело, античностью, народной деревянной скульптурой. Его первое крупное произведение — дипломная статуя «Самсон, разрывающий узы» (1902 г.) — по замыслу близко к «Скованному рабу» Микеланджело. Работа вызвала возмущение Совета академии. «...Обострённая экспрессивность и динамика моей скульптуры ничего общего не имела с установками академии, предпочитавшей „тишь да гладь" — жанровость сюжетов, привычность, вылизанность форм... — вспоминал мастер. — Академистов смущало, что я нарушил обычные пропорции. Они „вершками" измеряли мою работу, не вникая в её смысл. Я неплохо знал анатомию и в тех случаях, когда „нарушал" её, делал это сознательно, по праву творца на художественную гиперболу».

Работая над сказочными и фольклорными образами, знакомыми ему с детства, Конёнков обращался к необычным материалам, например к инкрустации дерева цветным камнем. С неистощимой фантазией создавались добродушный «Старичок-полевичок» (1910 г.), хитровато-озорные «Лесовик» (1910 г.) и «Пан» (1915 г.), устрашающие персонажи языческой славянской мифологии «Стрибог» (1910 г.) и «Великосил» (1909 г.) и др. По существу, то, что до сих пор находило воплощение лишь в кустарной резьбе, игрушках и произведениях прикладного искусства, Конёнков увеличил до крупных форм. В нём словно соединились два таланта — скульптора-профессионала и народного умельца.

Античная тема в творчестве мастера началась со знаменитой работы «Нике» (1906 г.) — женского образа под именем греческой богини победы. В 1912 г. Конёнков отправился в Грецию и Египет. Появились оригинальные полупортреты-полуаллегории в мраморе: «Эос», «Кора» (обе 1912 г.) и другие, созданные под впечатлением от путешествия. Это влияние сказалось и в резко возросшем интересе Конёнкова к передаче обнажённого тела. Он высек в мраморе замечательные статуи (например, «Сон», 1913 г.), вырезал из дерева «Девушку с поднятыми руками» (1914 г.).

Конёнков достиг больших успехов как мастер-портретист. Его творения в этом жанре отличаются многообразием и неоднозначностью характеристик, несмотря на традиционную, довольно реалистическую манеру. Он создал бюсты писателя А. П. Чехова (1908 г.), книгоиздателя П. П. Кончаловского (1903—1904 гг.) и многие другие скульптурные портреты.

Особое место в творчестве Конёнкова занимала тема музыки. Одним из его любимых персонажей был Никколо Паганини. Мраморный портрет выдающегося итальянского композитора и скрипача мастер выполнил в 1908 г. Конёнков восхищался творениями Иоганна Себастьяна Баха и долго, мучительно искал тот пластический образ, который смог бы передать величие гения и глубину его произведений. И вот однажды (было это в 1910 г.) в куске мрамора, стоявшем в углу мастерской, скульптор, но его словам, вдруг увидел лицо Баха. Он водрузил глыбу на станок и много часов без перерыва работал над портретом. «Мой резец словно вела его музыка», — рассказывал Конёнков.

После Октября 1917 г. мастер участвовал в осуществлении плана монументальной пропаганды, создав в 1918 г. мемориальную доску «Павшим в борьбе за мир и братство народов» и скульптурную группу «Степан Разин со своей ватагой», а также занимался преподавательской деятельностью. Конёнков — автор книги воспоминаний «Мой век», неоднократно переиздававшейся. В Москве после его смерти был открыт Музей-мастерская скульптора.

9. Соцреализм. Идеология и образно-пластический язык. Основные представители.

Социалистический реализм — теоре­тический принцип и официальное худо­жественное направление, господствовав­шее в СССР с середины 30-х до начала 80-х гг. Его основными принципами были провозглашены правдивое изображение действительности в её революционном развитии, сочетание исторической кон­кретности образов с их героикой и ро­мантикой. Сложилась жёсткая и безапел­ляционная программа социалистического реализма, основанная на прославлении революционной борьбы народа и его во­ждей, советского строя, социалистическо­го строительства и трудового энтузиазма. Художественное творчество определяли лозунги коммунистической идейности, партийности и народности.

Советская художественная доктрина требовала от художника "правдивого исторически конкретного изображения действительности в ее революционном развитии". При этом искусство должно воспитывать людей "в духе коммунистической идейности".

Происхождение социалистического реализма восходит к 1918, когда ЦК партии большевиков призвал художников создать реалистическое искусство революционной пропаганды доступное массам. После 1920 нападки на левых художников усилились еще больше. Газета «Правда» отводит целые страницы выступлениям против "абстрактных измышлений вдохновленных мелкой буржуазией".

В этой атмосфере полемики на призыв партии отвечают многочисленные художественные группировки. Так объединение НОЖ (Новое общество живописцев) во главе с Г. Г. Ряжским провозглашает создание новой живописи основанной на традиции и использующей наименее модернистские а следовательно наименее опасные формы; Общество художников "Бытие" (П. П. Кончаловский А. В. Куприн и др.) подчеркивает материалистическое видение мира и важность сюжета.

В 1922 была основана "Ассоциация художников революционной России" (АХРР впоследствии "Ассоциация художников революции" АХР). Члены АХРР видели свою задачу в том, чтобы в художественной и одновременно документальной манере представить триумф больших преобразований произведенных после Октябрьской революции.

Таким образом, сюжет, содержание картины оказывается важнее, чем ее форма: повседневная жизнь (неизбежно счастливая) крестьяне и рабочие, стойкие солдаты Красной Армии, партийные лидеры - целая гамма тем героического реализма. Художественные традиции передвижников, из которых вышли многие художники АХРР пользовались особым почетом благодаря Луначарскому наркому просвещения. Поддерживаемые властями художники АХРР вели беспощадную (и, в конце концов, победную) войну против многочисленных авангардистских течений.

Так начинается царство нового искусства, одна из задач которого - показать привязанность советского народа к своим правителям. Один из самых крупных художников АХРР Исаак Бродский уже в 1918 создал множество портретов Ленина. Его примеру вскоре последовали А. М. Герасимов ("Ленин на трибуне" 1929-1930 повторение - 1947 Москва Гос. Третьяковская гал.), С. В. Малютин (портрет Фурманова 1922 там же), Н. А. Андреев (портрет Сталина 1922 там же), а также Б. В. Иогансон ("Допрос коммунистов" 1933 там же) и Е. А. Кацман. Другая важная тема - революционная эпопея и победы Красной армии. В 1925 М. Б. Греков пишет свою знаменитую картину "Тачанка" (там же); в 1928 К. С. Петров-Водкин создает символический образ революции - картину "Смерть комиссара" (СанктПетербург Гос. Русский музей); А. А. Дейнека воспевает революционный порыв ("Оборона Петрограда" 1928 повторение - 1964 Москва Гос. Третьяковская гал.).

Красота родины также вдохновляет многих художников (Юон Машков Яковлев Архипов). До 1932 АХРР, оставаясь на привилегированном положении, должна была мириться с существованием других организаций.

Но 23 апреля 1932 ЦК ВКП (б) издает постановление «О перестройке литературно-художественных организаций», которое привело к созданию единых творческих союзов. Вскоре была подготовлена большая ретроспективная выставка, посвященная 15-летию советского искусства. Она должна была показать успех нового художественного метода и способствовать его кристаллизации.

Отныне официальное использование термина социалистический реализм и теоретическая формулировка его положений, разработанная Горьким, открывают новый период: художники должны служить идеалам коммунистической партии и способствовать построению социализма. Используемая в политических целях советская живопись остается до 1955 эффективным инструментом пропаганды культа личности.

Произведения этой эпохи, исполненные с тщательной разработкой деталей, все так же ограничены в темах. Преобладающие темы удивительно однообразны. Счастливая деревня после коллективизации (С. В. Герасимов - "Колхозный праздник" 1937 там же), доблесть и сила армии (С. А. Чуйков На границе 1938 Санкт-Петербург Музей этнографии), портреты руководителей партии, среди которых ведущее место занимает Сталин (С. В. Герасимов - портрет Сталина 1935 Москва Гос. Третьяковская гал.).

Война, пробудившая русский национализм, оживила на полотнах славное боевое прошлое (Н. П. Ульянов - Лористон в ставке у Кутузова 1945 там же; П. Д. Корин - триптих Александр Невский 1943 там же), связывая его с настоящим (А. А. Дейнека - "Оборона Севастополя" 1942 Санкт-Петербург Гос. Русский музей; С. В. Герасимов - "Мать партизана" 1943 Москва Гос. Треть- яковская гал.).

После 1955 метод социалистического реализма стал более гибким и свободным. Теперь в его рамках возможны и поиски новых формальных решений (например в творчестве Г. М. Коржева П. А. Смолина Д. Д. Жилинского). Однако доктрина социалистического реализма по-прежнему оставалась единственным официально разрешенным в СССР художественным методом.

10. Портрет-тип и образ героя в советском изобразительном искусстве 20-30-х годов.

Большую роль играет портрет в советском искусстве. Потребность запечатлеть образ нового человека, отмеченного такими духовными качествами, как коллективизм, революционная целеустремленность, стимулировала дальнейшее развитие реалистического портрета-типа; такие произведения, как "Председательница" Г. Г. Ряжского (1928, ГТГ), "Партизан" Н. И. Струнникова (1929, ГТГ), "Академик И. П. Павлов" М. В. Нестерова (1935, ГТГ), стали емкими символами эпохи социалистического переустройства общества. Целостный, живой и многогранный образ В. И. Ленина воссоздает "Лениниана" скульптора Н. А. Андреева - уникальная серия, состоящая более чем из 100 скульптурных портретов вождя пролетариата (1919-1932, Музей В. И. Ленина и ГТГ).

В портретном жанре работают Сергей Васильевич Малютин (1859–1937) и Георгий Георгиевич Ряжский (1895–1952). Малютин еще в 1919 г. создал запоминающийся образ инженера Передерия, а в 1922 г. написал портрет писателя-бойца Дмитрия Фурманова (ГТГ). В накинутой на плечи шинели, с книгой в руках, недавний комиссар Чапаевской дивизии представлен в состоянии глубокой задумчивости, напряженной внутренней жизни. В этих портретах находит свое разрешение старая русская проблема «интеллигенция и революция», показаны люди, сумевшие вписаться в новую жизнь.

В 20-е годы закономерно обращение к портрету, в котором делается попытка сочетать сугубо индивидуальные черты с типическими, характерными для определенной эпохи, отражающими социально-общественное лицо модели. Здесь проторил пути Касаткин («За учебу. Пионерка с книгами», 1926; «Вузовка», 1926; «Селькорка», 1927). Ряжский продолжает развитие такого портрета-типа. Он оставил след в живописи своим обобщенным образом советской Женщины, принявшей самое деятельное участие в строительстве нового мира. «Делегатка» (1927, ГТГ), «Председательница» (1928, ПТ) – это не индивидуальный портрет, а портрет-картина. Это люди, рожденные новой жизнью, сами ее строящие, волевые, почти фанатичные («Председательница»). Цельность силуэта и красочного пятна, точка зрения несколько снизу долженствуют усилить впечатление значительности и монументальности. Но при всем этом в образах есть несомненная прямолинейность, упрощенность, «иллюстрация идеи».

11. Советская скульптура 20-40-х годов (Шадр, Мухина, Коненков)

Лучшие традиции русской скульптуры развили дальше советские мастера А. Т. Матвеев, А. С. Голубкина, С. Т. Коненков, И. Д. Шадр, В. И. Мухина и др. В первые годы после Октябрьского переворота, в период Гражданской войны не было возможности создавать памятники из твердых дорогих материалов, поэтому они почти не сохранились.

В 20-х гг., с переходом к мирной жизни, скульптура успешно развивается. Одним из известнейших скульпторов этого периода был Н. А. Андреев. Он создал ряд монументов для московских улиц и площадей. Его памятник драматургу А. Н. Островскому стал частью Театральной площади. Простота и ясность формы, тонкое чувство материала – основные черты творчества этого талантливого мастера.

В 20-е гг. развивается творчество И. Д. Иванова, широко известного под псевдонимом Шадр (1887 - 1941). Многообразно одаренный, он был певцом, актером, живописцем и скульптором. В начале 20-х гг. он создает скульптурные портреты «Сеятель», «Рабочий», «Сезонник». Одна из лучших работ художника – необычайно выразительная скульптура «Булыжник – оружие пролетариата».

В 30-е гг. скульптура охватывает широкий круг тем и образов. Ведущую роль продолжает играть монументальная скульптура, которая все более тесно связывается с архитектурой и строительством: московское метро, павильоны на Международных выставках в Париже и Нью-Йорке, Всесоюзная сельскохозяйственная выставка и др.

Одно из наиболее значительных и талантливых произведений этих лет – скульптурная группа «Рабочий и колхозница» В. И. Мухиной (1889 - 1953), венчавшая советский павильон на Международной выставке в Париже. Выполненные из сверкающей нержавеющей стали, эти фигуры с любой точки зрения предельно выразительны. Сейчас она установлена в Москве.

Талантливый скульптор В.И. Мухина училась в различных художественных школах и студиях Москвы. В 1912 – 1914 гг. занималась скульптурой во Франции в студии О. Родена, где в это же время преподавал один из основоположников современной скульптуры Э. А. Бурдель. Мухина создала серию портретов новой интеллигенции и воинов-героев. Ее перу принадлежат теоретические работы по монументальной скульптуре.

В 1951 г. в Москве был открыт памятник М. Горькому, созданный по проекту И. Д. Шадра бригадой скульпторов под руководством Мухиной. К этому же периоду относится одна из удачных работ мастера – памятник П. И. Чайковскому. Работала Мухина также и в малых скульптурных формах.

В послевоенные годы наибольшее развитие получают мемориальные ансамбли, где монументальная скульптура сочетается с архитектурой, а иногда и с живописью. Таковы ансамбли «Мамаев курган» в Волгограде (скульптор Е. В. Вучетич, архитектор Я. Б. Белопольский),

«Героическим защитникам Ленинграда» (скульптор М. К. Аникушин, архитекторы С. Сперанский, В. Каменский).
Аникушину принадлежит также известный памятник А. С. Пушкину в Санкт-Петербурге.

В это же время возникает и новый жанр скульптурного монументального портрета. Большой известностью пользуется созданный Е. В. Вучетичем ансамбль в берлинском Трептов-парке, который венчается грандиозной фигурой воина-освободителя, прижимающего к себе спасённого ребёнка.

Очень интересно развивается творчество старейшего русского скульптора С. Т. Конёнкова (1874 - 1971). В его произведениях оживают образы русских сказок, былин. «Еруслан Лазаревич», «Старичок-полевичок», «Лесовик», «Стрибог», «Жар-птица» вырублены из дерева. Коненков возродил дерево в русской скульптуре, раскрыв его богатые декоративные возможности. Кроме этих работ он создает композиции на тему музыки («Бах», «Паганини»).

В 1924 – 1945 гг. Конёнков живёт и работает за рубежом. В это время он выполняет портреты И. П. Павлова, А. Эйнштейна, В. И. Ленина, Ф. Шаляпина, А. М. Горького, а также Ф. М. Достоевского, Л. Н. Толстого, А. С. Пушкина. Вернувшись на родину, Коненков выполняет портреты ученых (А. К. Несмеянова, П. Д. Зелинского), колхозников, осуществляет монументальные работы в Петрозаводске и Москве.

Творчество народного художника СССР Коненкова тесно связанное с современностью, с лучшими традициями русского искусства, получило широкое признание в народе.

В последние годы в скульптуре происходит дальнейшее расширение содержания и обогащение формы. Разнообразие манер и жанров, богатство творческих индивидуальностей, обилие талантов – характерные черты в развитии сегодняшней российской скульптуры.

 

12. Жанровая картина в советском искусстве 20-40-х годов (Чепцов, Дейнека, Пименов)

После Октябрьской революции 1917 бытовой жанр приобрёл в Советской России новые черты, обусловленные становлением и развитием социалистического общества, - исторический оптимизм, утверждение самоотверженного свободного труда и нового быта, основанного на единстве общественных и личных начал. Этим единством порождена тесная связь часто переплетающихся между собой бытового жанра и исторического жанра. Бытовой жанр сыграл важнейшую роль в становлении советского искусства, многосторонне отражая строительство социализма и коммунизма, формирование духовного мира советских людей. С первых лет Советской власти художники стремились запечатлеть перемены, внесённые революцией в жизнь страны. В 20-х гг. объединение АХРР устроило ряд выставок, посвященных советскому быту, а его мастера (Е. М. Чепцов, Г. Г. Ряжский, А. В. Моравов, Б. В. Иогансон) создали ряд достоверных типических образов, показывающих новые взаимоотношения людей. Художники объединения ОСТ (А. А. Дейнека, Ю. И. Пименов) создали особый тип картин, посвященных строительству, труду, спорту, в которых обобщённо выражали новые черты облика и жизни советских людей; поэтические картины традиционного и нового быта выполнили П. В. Кузнецов, М. С. Сарьян, П. П. Кончаловский, К. С. Петров-Водкин.

Дейнека Александр Александрович

«Будущие летчики» (1938)– не пейзаж в собственном смысле слова. Это жанровая картина, в которой природе отведена очень важная роль: создавать эмоциональный настрой произведения. Двое мальчишек и один взрослый, сидя на ступенях набережной южного морского города, внимательно следят за полетом гидроплана; еще два гидроплана – на воде. Композицию картины определяют две четкие линии – набережной и горизонта. Самолет в небе – здесь уже не просто деталь, придающая пейзажу современный характер. Полет гидроплана – стремление, «преодолеть пространство и простор» – победа человека над стихией воздуха, овладение высотой, ликующее чувство свободы и своих безграничных возможностей. И в этом совершенно новое решение темы «человек и стихия».

Дейнека много и плодотворно работал над темой о спорте. Он был одним из самых страстных поклонников людей не только духовно, нравственно, но и физически сильных. Его персонажи — рослые юноши и девушки, пышущие здоровьем, атлетически сложенные. Картина "Эстафета по кольцу "Б" (1947), мозаика "Лыжники" (1950), скульптуры "Стометровка", "Бегущая спортсменка".

Картина "Оборона Петрограда" была первым живописным произведением художника. За ней последовали другие работы: "В обеденный перерыв в Донбассе" (1935), "Никитка—первый русский летун" (1940), "Будущие летчики" (1937)

ПИ́МЕНОВ Юрий Иванович

В конце 1920-х годов художник завершил работу над большим полотном «Инвалиды войны», в котором отразил трагические события послереволюционной эпохи. Холодный колорит картины, преобладание зеленого тона, графическая четкость изображения персонажей помогли ему достичь необходимого эффекта.

В 1930-е годы, когда стремительно менялся облик строящейся Москвы, Пименов написал одно из самых замечательных своих полотен — «Новая Москва». Городской пейзаж в картине передан через восприятие сидящей за рулем женщины, которая словно любуется панорамой проспекта.

Тема Москвы в творчестве художника, не покидавшего город даже во время Великой Отечественной войны, стала для него одной из главных («Следы шин», 1944; серия «Новые кварталы», 1962-67, в том числе «Свадьба на завтрашней улице», 1962;). С начала 1930-х годов художник выработал своеобразную манеру письма — мелкими, полупрозрачными мазками, создающими эффект как бы вибрирующей живописной поверхности. В этот период он пишет не только жанровые композиции, но и натюрморты (серия «Вещи каждого дня», 1959), пейзажи и портреты.

Ефим Михайлович Чепцов

Широко известны картины Е.М. Чепцова, посвященные Великой Отечественной войне: "Последние известия с фронта", "Среди родных". В них художник запечатлел суровую героику той грозной поры, мужество героев фронта и тружеников тыла, ковавших победу над коварным и сильным врагом. Говоря об этих героях, Ефим Михайлович подчеркивал, что при создании их стремился "к большой простоте и углубленности в разработке темы".

13. Стиль арт-деко. Общая характеристика.

Стиль Арт Деко - воплощение буржуазной роскоши начала 20 века, направление в оформлении и дизайне, получившее свое название благодаря сокращенному названию международной выставки современных декоративных и промышленных искусств - Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes. Арт Деко - удачная компиляция неоклассицизма и модерна. Отличительные черты интерьеров в стиле Арт Деко - использование дорогостоящих материалов, уход от минималистичных светлых тонов классицизма, этнические мотивы в оформлении. Стиль Арт Деко - лицо эпохи джаза и периода межвоенного благоденствия, визуальное отражение "ревущих 20-х". Ярчайшим примером Арт Деко в архитектуре является небоскреб компании "Крайслер" в Нью-Йорке. Арт Деко - символ богатства и роскоши нового века, который нашел отражение во всем - дорогостоящих материалах (ценные породы дерева, шкуры экзотических животных, слоновая кость), ярких насыщенных цветовых сочетаниях, широком использовании металла в дизайне (аллюминия, нержавеющей стали, бронзы), обязательном вкраплении многочисленных декоративных элементов - скульптуры, лепнины, мозаики (популярные "герои" Арт Деко: птицы, экзотические животные, томные женские фигуры). Тем не менее, в отличие от изощренного ампира, дизайн интерьера Арт Деко отличался рациональностью и продуманностью и не был перегружен декором сверх меры. Классические четкие линии и использование простых геометрических форм не затмеваются в интерьерах в стиле Арт Деко чрезмерным и китчевым буйством декора. Популярность дизайна Арт Деко распространялась на все виды помещений - частные апартаменты и общественные заведения. Особенно по душе дизайн интерьера Арт Деко пришелся рестораторам, владельцам набиравших популярность кинотеатров, и судоходным компаниям, спускавших шикарные лайнеры, оформленные неизменно в модном стиле Арт Деко. Сейчас этот стиль предпочитают все, кому чужд аскетизм минимализма и излишняя сдержанность и антикварность классики. С помощью винтажных предметов интерьера и единичных элементов мебели и декора выгодно подчеркивается статус и финансовое благополучие владельца квартиры или заведения, выполненного в стиле Арт Деко.

14. Сюрреализм. Общая характеристика. Авторы

Сюрреали́зм (фр. surréalisme — сверхреализм) — направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием иллюзий и парадоксальных сочетаний форм.

Основателем и идеологом сюрреализма считается писатель и поэт Андре Бретон. Под заголовком «сюрреалистическая драма» обозначил в 1917 году одну из своих пьес Гийом Аполлинер.

Одними из величайших представителей сюрреализма в живописи стали Сальвадор Дали, Макс Эрнст и Рене Магритт. Наиболее яркими представителями сюрреализма в кинематографе считаются Луис Бунюэль, Жан Кокто, Ян Шванкмайер и Дэвид Линч. Сюрреализм в фотографии получил признание благодаря пионерским работам Филиппа Халсмана.

 

Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made». Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения.

 

Это направление сложилось под большим влиянием теории психоанализа Фрейда (правда, не все сюрреалисты увлекались психоанализом, например, Рене Магритт относился к нему весьма скептически). Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одними из важнейших ценностей являлись свобода и иррациональность.

 

Сюрреализм коренился в символизме и первоначально был подвержен влиянию таких художников-символистов, как Гюстав Моро (фр. GustaveMoreau) и Одилон Редон.

Сюрреалисты выполняли свои работы без оглядки на рациональную эстетику, используя фантасмагорические формы.

Они работали с такими тематиками, как:

· эротика,

· ирония,

· магия

· подсознание.

Нередко сюрреалисты выполняли свои работы под воздействием гипноза, алкоголя, наркотиков или голода, ради того, чтобы достичь глубин своего подсознания. Они провозглашали неконтролируемое создание текстов — автоматическое письмо. Одной из техник сюрреализма была, изобретённая Вольфгангом Пааленом (WolfgangPaalen), фьюмаж.

 

Известный немецкий художник-сюрреалист Макс Эрнст говорил, что первым революционным деянием сюрреализма было привнесение в творчество нового мнения о роли художника в процессе создания произведения — новое течение отрицало всяческий контроль со стороны разума, этики и морали.

Впрочем, если освободиться от влияния двух последних достаточно просто, то «контроль разума» сюрреалисты ослабляли двумя различными способами.

 

Некоторые из них прибегали к «механическим приемам» — к примеру, натирали краской бумагу, под которую предварительно подкладывались разнообразные неровные предметы, чтобы получить фигуры, похожие на растительность из неземного леса (техника «фроттажа»).

 

Французский художник Андре Массон составил свой список из трех условий, при которых возможно бессознательное творчество:

 

1) освободив сознание от воздействия рациональных связей, нужно постараться достичь транса или максимально к нему приблизиться;

2) отдать себя во власть внутренним импульсам, неконтролируемым разумом;

3) творить максимально быстро, не останавливаясь для осмысления созданного.

 

Однако хаотичность образов порой уступала место их большей продуманности, и сюрреальностьстановилась не просто самоцелью, но обдуманным методом высказывания идей, стремящихся разорвать обыденные представления (пример тому — зрелые работы классика сюрреализма Рене Магритта). Такая ситуация хорошо видна в кинематографе, продолжившем традиции сюрреализма, потерявшие со временем свежесть в живописи и литературе. Примеры — картины Луиса Бунюэля, Дэвида Линча, Яна Шванкмайера

 

Весной 1917 года Гийом Аполлинер придумал и впервые употребил термин «сюрреализм» в своём манифесте «Новый дух», написанном к скандально нашумевшему балету «Парад». Этот балет был совместной работой композитора Эрика Сати, художника Пабло Пикассо, сценариста Жана Кокто, и балетмейстера Леонида Мясина: «В этом новом союзе ныне создаются декорации и костюмы, с одной стороны, и хореография — c другой, и никаких фиктивных наложений не происходит. В „Параде“, как в виде сверхреализма (сюрреализма), я вижу исходную точку для целого ряда новых достижений этого Нового духа».

 

Хотя центром сюрреализма был Париж, с 1920 по 60-е годы он распространился по всей Европе, Северной и Южной Америке (включая страны Карибского бассейна), по Африке, Азии, а в 80-х годах и по Австралии.

Многие из популярных художников в Париже в 20-е и 30-е годы были сюрреалистами, в том числе Рене Магритт, Макс Эрнст, Сальвадор Дали, Альберто Джакометти, Валентина Гюго, Мерет Оппенгейм, МанРэй, Туайен, Ив Танги, Виктор Браунер, Роберто Матта и многие другие. Хотя Бретон искренне восхищается Пабло Пикассо и Марселем Дюшаном и призывает их присоединиться к движению, они держатся от сюрреалистов на некотором расстоянии, хотя и не избегают их влияния.

 

 




Поиск по сайту:

©2015-2020 studopedya.ru Все права принадлежат авторам размещенных материалов.