Помощничек
Главная | Обратная связь


Археология
Архитектура
Астрономия
Аудит
Биология
Ботаника
Бухгалтерский учёт
Войное дело
Генетика
География
Геология
Дизайн
Искусство
История
Кино
Кулинария
Культура
Литература
Математика
Медицина
Металлургия
Мифология
Музыка
Психология
Религия
Спорт
Строительство
Техника
Транспорт
Туризм
Усадьба
Физика
Фотография
Химия
Экология
Электричество
Электроника
Энергетика

Раннее Возрождение (XV в., кватроченто)



 

Кватроченто - это радостный, мощный взлет итальянского искусства. Обилие талантов, высокий уровень художественных произведений поражают. Искусство играло огромную роль в жизни этой эпохи.

В ее начале стоят три величайших художника Флоренции:

- архитектор Филиппо Брунелески (1377 -1446);

- скульптор Донателло (1386 - 1466);

- живописец Мазаччо (1401 - 1428).

Брунелески строит в 1419 г. "Дом детского приюта" (Оспедале дельи Инноченти) - сооружение нового стиля. Архитектор воплотил новые архитектурные принципы, на основе античных: расчленение пространств на завершенные зоны, упорядоченность построения, использование ордерной системы, способность служить украшением окружающей среды. Славу Брунелески принесло создание грандиозного купола собора Санта Мария дель Фьоре. Диаметр купола 42 м. Брунелески применил новую конструкцию: он сделал купол их двух оболочек, скрепленных ребрами. (Диаметр купола Константинопольского собора Святой Софии равен 30 м). Флорентийский купол знаменовал торжество человеческой воли, умения, смелости. По сравнению со Средневековьем изменился внутренний вид соборов. Новым явлением в архитектуре стал городской дворец - палаццо.

Начало расцвета Возрождения в скульптуре связано с творчеством Донателло - (Донато ди Никколо би Бетто Барди (1386 - 1466).Он также, как и Брунелески стал новатором в своей сфере искусства. Он возродил типы произведений, не создававшихся со времен античности: отдельно стоящую круглую скульптуру, обнаженную фигуру, конный памятник, скульптурный портрет. Самыми известными его работами были "Юный Давид", "Памятник кондотьеру Гаттамелате в Падуе". Образ Давида был одним из самых привлекательных для людей эпохи Возрождения.

В живописи Мазаччо (Томмазо ди Джованни ди Симоне Гвиди, 1401 – 1428) принадлежит роль преобразователя, хотя художник прожил всего двадцать семь лет. Главное произведение Мазаччо - росписи капеллы Бранкаччи в церкви Санта Мария дель Кармине, изображающие эпизоды из жизни святого Петра и два библейских сюжета "Грехопадение" и "Изгнание из рая". В этих фресках многое в живописи сделано впервые: анатомически правильно изображены обнаженные тела; с помощью светотени моделирован их объем; фигуры представлены в естественном, свободном движении; выразительные, живые позы; Адам и Ева прекрасны, несмотря на грехопадение. Мазаччо довел до конца завоевание живописью трехмерного пространства.

Необычайный расцвет искусства в ХV в. имел много причин. Римские папы, герцоги, банкиры, богатые горожане высоко ценили искусство, любили красоту, роскошь. Они оспаривали друг у друга честь приглашения лучших художников работать у себя. Во Флоренции, где с 1434 г. и до конца ХV в. установилось правление династии Медичи, соперничество за власть утихло и перешло в соперничество за роскошь, за обладание шедеврами искусства. Искусство выполняло роль универсального познания, опередив в этом отношении науку и философию. И первым способом изучения было ясное, трезвое видение, постигающее природу вещей. Изображать мир так, как человек его видит, как отражает его зеркало, было исходным принципом ренессансных художников, - принципом, который в то время, стал настоящим переворотом, отказом от прежней художественной системы. Знание перспективы, теории пропорций, строения человеческого тела и его движений, умение передать объем на плоскости, а в движениях тела выразить движения души - все это становится условием творчества и потребностью художников. Новое искусство стало наукой и мастерством, которому можно научиться. Свое стремление утверждать силу и красоту человека, любовь ко всему земному художники Возрождения воплощали в основном в


 

произведениях на религиозные сюжеты. Это не было чистой условностью. Просто религиозность стала другой. Дистанция между божественным и земным сократилась, а в искусстве исчезла совсем. Мирской характер с особой силой проявился в изображениях Богоматери.

Одним из важнейших завоеваний художников Возрождения стала свобода сочинительства.

Пьеро делла Франческа (1416 - 1492),был ученый художник, работал по теории Альберти и математически вымерял перспективу. Он сам создал трактат - "О живописи" и "О правильных телах". Фрески и картины Пьеро делла Франческа обладают удивительным воздействием. В них царит закономерность и уравновешенность, торжественный ритм и монументальные формы, а его образы полны достоинства, благородства и возвышенного спокойствия. Еще одна особенность работ художника - сдержанный, изысканный колорит чистых тонов, пропитанных воздухом и светом.

Творчество Сандро Боттичелли (Алессандро ди Мариано Филипепи, 1444 -1510)отвечает всем характерным чертам раннего Возрождения. Именно в это время осуществляются разработки в области линейной и воздушной перспективы, светотени, пропорциональности, симметрии, общей композиции, колорита, рельефности изображения. Это было связано с перестройкой всей системы художественного видения. По- новому ощущать мир значило по-новому его видеть. И Боттичелли видел его в русле нового времени, однако образы, созданные им, поражают необычайной интимностью внутренних переживаний. В творчестве Боттичелли пленяют нервность линий, порывистость движений, изящество и хрупкость образов, характерное изменение пропорций, выраженное в чрезмерной худощавости и вытянутости фигур, особым образом падающие волосы, характерные движения одежды. Иными словами, наряду с отчетливостью линий и рисунка, так чтимых художниками раннего Ренессанса, в творчестве Боттичелли присутствует, как ни у кого другого, глубочайший психологизм. Об этом безоговорочно свидетельствуют картины

«Весна» (1477-1478) и «Рождение Венеры», (около 1485, Флоренция, Уффици) - одна из самых знаменитых картин эпохи Возрождения.

Портрет в эпоху Возрождения был излюбленным живописным жанром. Он воплощал высокие представления эпохи о человеческой личности. Портрет - не новый жанр, как появившиеся позднее пейзаж, натюрморт, бытовой жанр. Первые портреты были профильными. Они вели свое происхождение от изображений донаторов (заказчиков, дарителей). Донаторы всегда обращены лицом к Богу, следовательно, боком к зрителю.

Модели ренессансных профильных портретов представлены в скованных позах, с застывшими лицами. Вскоре появился другой тип портрета - лицо в фас или в трехчетвертном повороте, позы более свободные, выражения лиц более оживленные. Главными в изображении были не внутренний мир изображаемого, не душевное состояние, а типичные качества человека Возрождения - уверенность в себе, чувство собственного достоинства, самоутверждение, цельность и значительность. Во многих портретах кватроченто человек изображен на фоне пейзажа, а точнее - на фоне мира. Открывающийся мир бесконечен и прекрасен.

 

Высокое Возрождение

 

Если Проторенессанс длился примерно полтора столетия, Раннее Возрождение около века, то период Высокого Возрождения - менее четырёх десятков лет (примерно 1490-гг. до 1530). Его конец связан с двумя событиями: разгромом и разграблением Рима в 1527 г. войсками Карла V Габсбурга, императора Германии и короля Испании и падением последней Флорентийской республики в 1530 г. (несмотря на то, что творчество Микеланджело продолжалось до 1564 г.), а в Венеции до конца ХVI в. творили великие мастера: Тициан (1477 или 1485/90 – 1576), Веронезе (1528

– 1588), Тинторетто (1519 –1594).

В ХIV и ХV вв. Италия была самой передовой страной Западной Европы, а в ХVI переживала глубокий политический и экономический кризис. Она потеряла рынки на Востоке, превратилась в арену постоянных войн, была опустошена и разорена. После разгрома Рима Италия оказалась под властью габсбургской монархии. Но прежде чем свершились эти трагические события, страна пережила время общественного подъема, вызванного борьбой итальянских государств против порабощения и стремлением к объединению. В этот период и наступил высший расцвет искусства Возрождения в Италии – Высокий Ренессанс.

Искусство Высокого Возрождения стало выражением всей сложности и масштабности исторического бытия эпохи. На смену поискам, аналитическому исследованию натуры и окружающего мира пришло синтетическое обобщение, извлекающее из явлений самое их существо, а также уверенное владение всеми приемами и тайнами изображения.

«Кватроченто – это анализ, поиски, находки, это свежее, сильное, но часто еще наивное, юношеское мироощущение. Чинквеченто – синтез, итог, умудренная зрелость, сосредоточенность на общем и главном, сменившая разбрасывающуюся любознательность Раннего Ренессанса».

В искусстве Высокого Возрождения центральное место безоговорочно занял Человек! Среди художников чинквеченто (XVI в.) Средней и Северной Италии отчетливо возвышаются три вершины:

- Леонардо да Винчи - (1452-1519);

- Рафаэль (Рафаэло Санти) - (1483-1520);

- Микеланджело Буонарроти - (1475-1564).

 

Леонардо да Винчи (1452-1519)- самая необыкновенная фигура в истории мировой культуры. Это был Homo universale (человек универсальный): умел все и был во всем гениален, к тому же красив, силен, элегантен, обходителен, красноречив. В сфере искусства Леонардо был живописцем, скульптором, рисовальщиком, музыкантом, архитектором,


 

сочинял басни, сонеты, написал "Книгу о живописи". До нас дошло около пятнадцати его картин. Он оставил рисунки машин и механизмов с прообразами экскаватора, токарного станка, самолета, вертолета... В Эрмитаже находятся две картины Леонардо да Винчи: "Мадонна с цветком" (Мадонна Бенуа, 1478) и "Мадонна с младенцем" (Мадонна Литта, 1470- 1490).

Особенности искусства мастеров кватроченто - интерес к психологическим решениям и пространственному построению, стремление к лаконичности и обобщению и, если художники ХV в. овладели перспективой, то Леонардо овладел пространством. Персонажи его картин уже располагались не на фоне далекой перспективы, а внутри пространства. Не было разрыва между передним и задним планами, персонажи не "наложены" один на другой, между ними чувствуется воздух. Мягкая, с переходами светотень - знаменитое леонардовское "сфумато".

Фреска "Тайная вечеря" - удивляет интеллектуальной силой художника, тем как продумана и разработана композиция произведения. Она написана на торцовой стене трапезной монастыря так, что иллюзорное пространство фрески кажется продолжением реального пространства интерьера, Христос и его ученики как бы сидят в той же трапезной, но на возвышении. Центральное положение Христа подчеркнуто тем, что точка схода перспективы совпадает с его головой. Художник поместил Христа в светлом проеме окна, отдалив простенком от апостолов. Новое, не традиционное решение темы дает Леонардо да Винчи: он впервые изображает конфликт, сам процесс драматического события!

Самое знаменитое произведение художника и, пожалуй, во всей мировой живописи "Портрет Моны Лизы", супруги богатого флорентийца Франческо дель Джокондо. Портрет завораживает и восхищает тем, что в нем, при внешней неподвижности модели передана жизнь души, само ее течение, неуловимо сменяющиеся оттенки мыслей, чувств, ощущений. Леонардо говорил: "Хороший живописец должен писать две главные вещи - человека и представление его души". С "Джокондой" связано зарождение психологического портрета.

Рафаэль (1483 -1520)- гений иного склада. Он не был новатором. Его искусство - синтез достижений предшествующих художников. У Рафаэля человек совершенен, мир пребывает в гармонии. Образ Мадонны особенно близок искусству Рафаэля. Здесь наиболее полно он раскрывает представления свои о благородстве, совершенстве человека, о гармонии внешней и внутренней красоты: "Мадонна Конестабиле", "Мадонна в зелени", "Мадонна дель Грандука", "Мадонна с щегленком", "Мадонна садовница", "Мадонна Альба", "Мадонна в кресле", "Сикстинская Мадонна"(1513 -1514). Высокую религиозность художник соединил с высокой человечностью, создав, может быть, самое глубокое и прекрасное воплощение темы материнства. Одухотворенное лицо Мадонны, то, как она держит младенца, выражают и бесконечную любовь и провидение трагической судьбы сына, сознание ее неизбежности, и скорбную готовность принести его в жертву ради людей. Рафаэлю была поручена огромная работа

- роспись четырех станц (комнат) в Ватикане (папский дворец).

Главные фрески станцы - "Диспуты " (апофеоз теологии), "Афинская школа" (апофеоз философии) и "Парнас" (апофеоз искусства) и "Мудрость, Мера и Сила" (олицетворение главных добродетелей правосудия). Рафаэль был прекрасным рисовальщиком, великолепным портретистом, архитектором, археологом, мечтал восстановить Рим в его прежнем величии. В Эрмитаже было выполнено точное повторение росписей лоджии двора Сан Дамазо (Ватиканский дворец) - Лоджии Рафаэля.

Ватиканские фрески Рафаэля, вместе с Тайной вечерей Леонардо да Винчи и Сикстинским потолком Микеланджело - вершина монументальной живописи Возрождения.

Микеланджело Буонарроти (1475-1564)превыше всех искусств ставил скульптуру, хотел быть только скульптором, но волею судьбы стал и живописцем и архитектором, был также рисовальщиком, поэтом, инженером. Прожил долгую (89 лет) и трагическую жизнь, боролся за независимость Флоренции, видел унижение Родины, разгром Рима. Человек свободолюбивый, дерзновенный, он вынужден был служить папам. Микеланджело в одной единственной фигуре был "способен воплотить все добро и все зло человечества". Он стремился показать человека таким, каким он должен быть. Таков его «Давид». Гигантская фигура олицетворяет безграничную мощь свободного человека. Вазари писал, что статуя Микеланджело «…отняла славу у всех статуй, современных и античных, греческих и римских». В 1505 г. папа Юлий II призвал Микеланджело в Рим, для создания своей гробницы. 40 лет жизни Микеланджело отдал этой

работе, выполнив 3 статуи.

Роспись потолка (1508 – 1512) и алтарной стены («Страшный суд», 1536-1541) Сикстинской капеллы в Ватикане также возложил Юлий II на Микеланджело. Роспись потолка свыше 500 кв.м и включает 343 фигуры. Микеланджело изобразил картины сотворения мира и жизни первых людей на земле, эпизоды из Библии. На потолке капеллы он создал мир титанов. Его Бог - вдохновенный творец, создающий Вселенную и человека. Его люди могучи и прекрасны телом и духом; пророки и сивиллы отважны в своем прозрении будущего, обнаженные юноши раскрывают в многообразных проявлениях красоту и пластику человеческого тела.

Этот жизнеутверждающий пафос работы над росписью потолка капеллы сменяется трагической безысходностью, когда Микеланджело работает над фреской алтарной стены «Страшный суд». Площадь фрески

«Страшного суда» 13,7 х 12,2 м. Суд, изображенный на фреске, действительно страшен: праведники, обступившие Христа, гневны, они требуют возмездия, и Христос властным жестом руки низвергает грешников в ад. В этом сюжете можно видеть крушение ренессансной гордыни - и шире

- образ всечеловеческой катастрофы.

Последние скульптуры Микеланджело - три «Пьетты» (Пьетта - оплакивание) - несут образ сломленного страданием человека; от них веет бесконечной усталостью и глубокой скорбью. Им созвучны строки его сонета:

«Надежды нет, и все объемлет мрак, И ложь царит, а правда прячет око».

В одном искусстве Микеланджело остался верен заветам своих героических лет - в архитектуре. Микеланджело – архитектор создал во Флоренции капеллу Медичи (1520-1525), усыпальницу членов семьи Медичи, выполнил два надгробия - Лоренцо («Утро» и «Вечер») и Джулиано («День» и «Ночь»), интерьер библиотеки Лауренциана (первая публичная библиотека в Европе). В Риме разработал проект перестройки Капитолия и увенчал грандиозным куполом собор св. Петра, главную святыню христианского мира. Собор св. Петра строили около 150 лет (арх. Д.Браманте, Рафаэль, Бальдассаре Перуцци, Антонио да Сангалло Младший). Над собором Микеланджело работал до конца жизни. Собор святого Петра - венец архитектурного гения Микеланджело, где мастер развил идею центричности, автором которой был Д. Браманте. И все же главное творение Микеланджело-зодчего - грандиозный, вознесенный к небу купол над центральной частью храма. Купол Микеланджело царит над вечным городом, над бесчисленными архитектурными памятниками, которыми так богат Рим. В архитектуре эпохи Возрождения много прекрасных творений, однако, этот вид искусства перестал быть ведущим, перестал быть основой синтеза искусств. Архитектура сама начинает подчиняться и даже подражать изобразительным искусствам – живописи, скульптуре и эти тенденции к концу эпохи нарастали. Стала преобладать забота о красоте фасада; конструктивные элементы использовались в декоративных целях. Нередко случалось, что в интерьерах архитектурные формы – абсиды, купол, карнизы, пилястры, арки - изображали на стенах и потолке красками.

 

МАНЬЕРИЗМ

 

И все-таки именно в живописи был наиболее очевиден закат большой культурной эпохи. У поколения художников, которое сложилось в период захвата Рима, падения флорентийской республики, крушения надежд на объединение страны, феодально-католической реакции, контреформации и инквизиции, вера в силу, разум человека, возможность гармонического развития личности была утрачена или сильно подорвана. Они восхищались и чтили Леонардо, Рафаэля, Микеланджело и считали, что следуют их заветам, но внутренняя опустошенность, отсутствие собственного вдохновляющего идеала рождали только манерное подражание отдельным внешним приемам.

Это направление и получило название маньеризм. Сознание неудовлетворенности, бессилия перед неразрешимыми противоречиями приводило к стремлению отгородиться от жизни. Художники-маньеристы, которые работали главным образом при дворах герцогов и королей, следовали в своем творчестве придворно-аристократическим вкусам. Они вдохновлялись не реальным миром человеческих чувств, а стремлением к причудливым формальным эффектам. Их картинам присущи вычурность и манерность, жеманное изящество, стремление поразить необычайной трактовкой сюжета, тесное расположение фигур, их деформации, удлинение,

«змеевидные» движения и повороты.

Первый этап итальянского маньеризма охватывал 20-40-е гг. XVI в. Самым крупным и одаренным мастером был Якопо Понтормо (1494-1556).В его известной картине «Снятие с креста» композиция неустойчива, фигуры вычурно изломаны, светлые краски резки. В Эрмитаже находится не менее известная работа художника «Мадонна с Младенцем, Святым Иосифом и Иоанном Крестителем».

Первое поколение маньеристов завершает Франческо Маццола, прозванный Пармиджанино (1503-1540), изощренный мастер и блестящий рисовальщик. Он любил поразить зрителя: например, написал свой автопортрет в выпуклом зеркале. Намеренная нарочитость отличает его известную «Мадонну с длинной шеей» (1538-1540).

Второй этап маньеризма (1540-1590) превращается в Италии в широкое течение, охватывающее живопись, скульптуру и архитектуру. Маньеризм становится придворно-аристократическим искусством. В произведениях живописи нарастают бездушная холодность и вычурность приемов; постепенно картины становятся похожими на декоративные панно. Самый крупный художник двора Медичи Аньоло Бронзино (1503-1572).Искусство маньеризма было переходным: уходила в прошлое эпоха Возрождения, наступало время нового всеевропейского художественного стиля – барокко. И только в Венеции продолжалась эпоха Возрождения.

 

ВОЗРОЖДЕНИЕ В ВЕНЕЦИИ

 

В Венеции Возрождение началось позднее, было дольше, своеобразнее. Венецию называли "царицей Адриатики", "владычицей морей". Она была торгово-олигархической республикой. К ней стекались огромные богатства. Венеция поражала великолепием, пышностью, праздничностью, красотой. Два главных творения Венеции - Собор Сан Марко и дворец дожей. Крупнейшие художники венецианского Возрождения: Джованни Беллини (1430 -1516),"Мадонна со святыми" и Джорджоне (Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, 1477/78 - 1510).Джованни Беллини был учителем великих мастеров Джорджоне и Тициана.

С искусством Джорджоне венецианская живопись приобрела общеитальянское значение, утвердив свои художественные особенности. Известно, что он, красивый и обаятельный человек, обладал исключительным талантом живописца и был превосходным музыкантом. Джорждоне сформировался в среде венецианских гуманистов.

Одна из ранних работ Джорджоне "Юдифь" (ок.1502 г., Эрмитаж) –

посвящена подвигу библейской героини Юдифи, спасшей родной город от нашествия ассирийцев. Независимо от сюжета, Джорджоне создает в своих картинах идеал чистой и прекрасной женщины. Картины Джорджоне удивительно поэтичны и музыкальны, от них веет задумчивой мечтательностью, безмятежной умиротворенностью и некоторой меланхолией.

В 1508 –1510 г. Джорджоне создал "Спящую Венеру" (Дрезден) – самый прекрасный идеальный женский образ в искусстве Высокого Возрождения. В расцвете творческих сил он умер от чумы, не успев завершить свою великую картину, и Тициан дописал в ней пейзаж. Целомудренный и прекрасный образ спящей Венеры - одно из поэтичных изображений обнаженного тела в мировом искусстве. Джорджоне для Венеции был как Леонардо да Винчи для Средней Италии. Художник впервые пишет картины на светские темы и впервые в живописи сделал равноправными человека и пейзаж.

Тициан (Тициан Вечелио, 1477 или 1485/90 - 1576)- знаменует собой полный расцвет, зенит венецианского Ренессанса. Его творчество отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи. Он один из создателей монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи, оказавшим сильное воздействие на ее развитие в XVII столетии. Влияние большой мастерской Тициана сказалось на всем венецианском искусстве. Идеалы Тициана земные, полнокровные, жизнерадостные, величавые, торжествующие. Он вдохновенно воспевал радостную красоту женщины в своих "Венерах", "Данаях". Им создана галерея портретных образов - императоры, короли, папы, прекрасные женщины, гуманисты, воины. В картинах, написанных Тицианом в последние годы его жизни, звучит уже подлинный трагизм - "Святой Себастьян", (1570-е гг. Эрмитаж). Тициан пережил крушение ренессансных идеалов, творчество мастера принадлежит уже позднему Возрождению. Его герой, вступающий в борьбу с враждебными силами и гибнущий, сохраняет свое величие.

Самым ярким певцом праздничной, нарядной и богатой Венеции был Паоло Веронезе (Паоло Кальяри, 1528 - 1588).Последним великим живописцем этой эпохи был Тинторетто (Якопо Робусти, 1519 - 1594).

 

СЕВЕРНОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

 

Северное Возрождение - это художественная культура ХV-ХVI вв. европейских стран севернее Италии - Нидерландов, Германии и Франции. Термин "Возрождение" здесь достаточно условен, так как формирование культуры опиралось не на античное наследие (его не было в этих странах), а на идеалы религиозного обновления.

В Северной Европе центром художественного творчества становится человек с новым сознанием окружающего мира и себя. Гуманистическое начало составляет главнейшую особенность искусства Северного Возрождения. В северных странах гуманизм был устремлен к воскрешению демократической религии ранних христиан с ее требованием социальной справедливости. И если идеалом итальянского Ренессанса была сильная героическая личность, то в северных странах идеалом стала христианская любовь к ближнему.

В искусстве северных стран преобладает правдивое, непосредственное изображение того, что есть, даже если оно уродливо, - в противовес стремлениям итальянских художников к идеализации, к поискам во всем прекрасного, величавого, возвышенного.

Самобытный характер Северного Возрождения проявился, в первую очередь, в культуре Нидерландов и Германии. Городами, оказавшимися главными центрами этой культуры, были Антверпен, Нюрнберг, Аугсбург, Галле. Позднее лидером стал Амстердам. В формировании немецкого Возрождения немалую роль сыграл экономический фактор: развитие горного дела, книгопечатания, текстильной промышленности. Все более глубокое проникновение в жизнь товарно-денежных отношений, включенность в общеевропейские рыночные процессы касались больших масс людей и меняли их сознание.

Традиционный фактор влияния античной культуры для Северного Возрождения незначителен, он в ней воспринимается опосредованно. Поэтому у большинства его представителей легче обнаружить следы не до конца изжитой готики, чем найти античные мотивы. Судьбы лидеров Северного Возрождения тесно связаны с движением Реформации и Крестьянской войной. Век Северного Возрождения был недолог, но его влияние на европейскую культуру ощущается и сегодня.

Нидерландами в XV в. называли земли у берегов Северного моря, где сейчас находятся Голландия и Бельгия. Нидерландские города были богатыми и прекрасными, вели обширную торговлю.

Становление нового искусства в Нидерландах связано с творчеством Яна ван Эйка (1390 -1441).Главные создания Яна ван Эйка - грандиозный Гентский алтарь (1422-1432) - полиптих (сложенный много раз) - программное произведение нидерландского Возрождения, в котором выражено представление о человеческой Вселенной и первое живописное произведение «Портрет четы Арнольфини» (ок. 1390-1441г.). В «Портрете четы Арнольфини», художник впервые создает двойной портрет, впервые изображает свои модели в рост, впервые раздвигает рамки самого портретного жанра. Изображение супругов в уютной комнате стоит на грани портретного и бытового жанров, но при этом все в нем проникнуто такой одухотворенностью, таинственной и поэтичной, что сцена получает не бытовой, а возвышенный смысл, символизируя святость супружеского обета и домашнего очага.

Из Нидерландов эта техника постепенно распространилась в Италию и другие страны, вытеснив темперу. Особой прелестью в нидерландском искусстве обладают произведения, проникнутые кротким, созерцательным настроением. В отличие от итальянских художников с их ощущением красоты, силы и всемогущества человеческой личности, нидерландцы приемлют и поэтизируют "среднего человека", не обязательно красивого, но всегда благочестивого и исполненного достоинства в своем смирении. В евангельских сюжетах преломлялась и одухотворялась мирская добропорядочная жизнь. Все это ясно ощущается при взгляде на картину Робера Кампена "Мадонна с младенцем у камина" (ок.1433 г., Гос. Эрмитаж).

Особое место в художественной культуре Нидерландов и Возрождения в целом принадлежит двум мастерам – Босху и Брейгелю.

В творчестве Иеронимуса Босха (ван Акен, ок.1450 - 1516)мир предстает как царство дьявола и греха. Для современников творчество Босха бесконечно сложно и во многом загадочно. А современникам Босха, видимо, аллегорический смысл образов был понятен, ибо его произведения пользовались широчайшей популярностью. Босх выступал как моралист, страстный проповедник, бичующий зло и пороки погрязшего в грехах мира. Свои картины на темы ада, рая, Страшного суда искушения святых художник населял легионами фантастических тварей, у которых самым невероятным образом сочетаются части различных животных, растений, предметов, а иногда и человека. Полные злобной активности, эти существа объединяются с маленькими беспомощными фигурками людей, с птицами, рыбами, зверями, порождая ощущение низменного, суетного, лишенного разумной основы существования («Страшный суд», «Сад наслаждений», «Воз сена»).

Творчество Босха, подвластное его глубоко пессимистическому мировоззрению, обнажало наиболее страшные, трагические стороны человеческого существования. Но, как бы наперекор стремлениям художника, его произведения обладают и жизнеутверждающей силой, имеющие свои истоки в народной фантазии, устрашая - смешат, а юмор всегда несет элемент здоровья. Изумительный колорит, живописное мастерство придают картинам Босха, несмотря на их содержание, немеркнущую красоту.

Питер Брейгель Старший (Мужицкий), (1525/30 -1569)- последний художник нидерландского Возрождения. Такой широты в изображении жизни народа, такой бесстрашной трезвости в подходе к ней искусство еще не знало.

Брейгель находился под влиянием как народной культуры, так и Босха. В центре его внимания - жизнь народа в не показном, а деятельном и повседневном состоянии. Брейгель жил в тяжелое для его родины время. Маленькая, но богатая страна находилась под властью Габсбургов, которые её жестоко грабили. В Нидерландах, как дома, распоряжалась свирепая испанская инквизиция. Когда правил герцог Альба, установился режим кровавого террора. Источник силы и надежды художник видел в природе и трудовой жизни человека. Картина "Слепые" - самая трагическая картина Брейгеля.

Возникновение культуры Возрождения запоздало в Германии, типичной средневековой раздробленной стране. Поворот наметился в 30-е гг. ХV в. Реформация в Германии и Великая крестьянская война вызвали в стране культурный подъем - возникновение гуманизма, развитие наук, обновление литературы и искусства.

Главным для немецких художников было не овладение новыми, жизнеподобными формами изображения само по себе, а стремление с их помощью придать религиозному содержанию новую силу и близость к жизни, выразить мысли и чувства, тревожившие людей в это трудное и сложное время.

Одно из величайших произведений немецкой религиозной живописи - алтарные картины церкви в Изенгейме, созданные Грюневальдом (Матис Готхард Нейтхарт, ок.1470/75 - 1528) -«Распятие». Грюневальд был выразителем «религиозного экстремизма» в искусстве.

Первым истинно ренессансным художником и единственной универсальной личностью, подобной итальянским титанам Возрождения, был в Германии Альбрехт Дюрер (1471 -1528).

Альбрехт Дюрер был великим гравером, живописцем и рисовальщиком, занимался архитектурой, разработал теорию фортификации, интересовался математикой, механикой, астрономией, естествознанием, создавал астрономические и географические карты, писал стихи и трактаты. Среди них: "Некоторые наставления к укреплению городов, замков и местностей" (1527) и "Четыре книги о пропорциях человеческого тела" (1528).

Дюрер создал много великолепных живописных произведений - картин на религиозные темы и портретов, но главным его призванием была графика. Дюрер одним из первых среди европейских живописцев начал изображать самого себя. Среди портретного наследия Дюрера привлекают большое число автопортретов, что необычно для искусства Возрождения - три живописных и пять рисунков.

Свой знаменитый "Автопортрет" (1500 г., Мюнхен) Дюрер пишет лицо в фас по закону идеальных пропорций и совмещает облик Христа и свой. В этом можно видеть воплощение характерного для того времени стремления человека к непосредственному единению с Богом и в то же время - высокое понимание Миссии Художника. Дюрер всегда предельно откровенен со зрителем, но в этом полотне ему хотелось поведать о себе самое главное. Зритель встречается с ним взглядом. Спокойно молодое ясное лицо Дюрера, спокойны широко раскрытие серые глаза; внутреннее волнение выдает лишь жест красивой руки с длинными пальцами, нервно теребящей меховую оторочку одежды. Современного зрителя поражает то, что Дюрер осмелился придать своему автопортрету столь явное сходство с изображениями Христа.

В богатом графическом наследии А. Дюрера центральное место по праву принадлежит трем гравюрам на меди, которые вошли в историю живописи под названием «Мастерские гравюры». В этих небольших работах мастерство Дюрера-гравировальщика достигло невиданного совершенства. Резец и медь приобретают под его руками чувствительность драгоценного музыкального инструмента, штриховка виртуозна и все передано одной черной краской на белой бумаге. Одну из гравюр традиционно именуют «Рыцарь, дьявол и смерть». Сам Дюрер назвал её «Всадник» (1513 г.), другую называют «Святой Иероним в келье» (1514 г.), третью –

«Меланхолия» (1514 г.).

К числу крупнейших художников Германии первой половины ХVI в. принадлежат Лукас Кранах Старший (1472 - 1553), Ганс Гольбейн Младший, (1465 -1524).Известным скульптором немецкого Возрожденя был Тильман Рименшнейдер (ок.1460-1531). В своих работах («Тайная вечеря» скульптор соединил служение искусству с любовью и служением угнетенному человеку.

Период немецкого Возрождения был коротким - его составляет творчество художников одного поколения. Победа феодальной реакции, утверждение протестантизма, неблагоприятного для искусства, надолго остановили культурное развитие Германии.

Период Возрождения во Франции выглядит скромно, по сравнению с предшествующей эпохой готики, когда Франция оказывала влияние на страны Северной Европы, и с последующим ХVII в. - веком классицизма, вернувшим Франции главенствующую роль.

Движение Реформации во Франции потерпело поражение, она осталась католической страной. Здесь была сильна королевская власть, к началу ХVI в. Франция стала абсолютной монархией. Короли, стремясь увеличить блеск и славу двора, окружали себя художниками и выдвигали свои требования. Искусство приобретало придворный характер, чего нельзя сказать о ренессансной культуре Франции - о творчестве Вийона, Рабле, Ронсара, Монтеня.

Живопись и скульптура отличаются изяществом и спокойствием, драматизм в них не проникает, хотя бурных, жестоких событий было достаточно: Столетняя война, война с Габсбургами, ожесточенные войны католиков с гугенотами, кровавая Варфоломеевская ночь.

Станковая живопись во французском искусстве занимает не столь значительное место, выделяется только портрет. Среди живописцев самым выдающимся был Франсуа Клуэ (около 1505-1572),придворный художник, который работал при четырех королях. Среди лучших работ "Портрет Карла IХ", «Портрет Франциска I» (1530-е гг).

Ренессансный характер французское искусство начинает приобретать во второй половине ХV в., в миниатюрной живописи, в творчестве Жана Фуке (около 1420 - около 1480).

С начала ХVI в. гуманистические идеи получают во Франции все большее распространение, развитие гуманизма во Франции происходило под сильным влиянием культуры и искусства Италии. Этому способствовали и военные походы Франциска I в эту страну и то, что три последние года жизни прожил во Франции Леонардо да Винчи.

Середина XVI столетия стала вершиной искусства Возрождения во Франции. Его расцвет был прерван трагическими событиями второй половины XVI в. В 1560 г. кровавое подавление Амбуазского заговора протестантов разрушило хрупкое равновесие, существовавшее между сторонниками различных религиозных течений. Началась открытая вооруженная борьба между католиками и протестантами, которая продолжалась более тридцати лет. Кризис в обществе отразился и на искусстве. В конце XVI в. развитие французского искусства было связано с новым художественным течением – маньеризмом. Темы мистических видений и Страшного суда, как и традиционных галантных празднеств, процессий и маскарадов, стали непременными сюжетами в живописи, гравюрах и рисунках гобеленов.

Более всего ренессансный характер проявился в архитектуре Франции, в замках Луары. Долина Луары - это "сердце" Франции. Замки, построенные здесь в конце ХV - начале ХVI в. принесли этой долине славу колыбели французского Возрождения. В Амбуазе (город на Луаре) находилась резиденция короля Карла VIII, где возводился, но закончен не был, огромный дворец с парками и садами. Впервые французский замок смотрел на город не толстыми стенами и крепостными башнями, а лоджиями, что подчеркивало новый ренессансный характер архитектуры. В замке Шенонсо (1512 -1523) сочетались красота природы и человеческой фантазии. Он был сооружен на искусственном островке, на реке Шер. В Шамборе (1519 -1559) - в самом грандиозном по замыслу замке, были воплощены некоторые идеи Леонардо да Винчи, который приехал во Францию в 1516 г. и прожил здесь до 1519 г. Великолепный Шамбор стал вершиной и образцом оригинального стиля, воплощенного в замках Луары.

В 30-х гг. ХVI в. король-меценат Франциск I решил расстаться с долиной Луары и перенести место пребывания двора в Париж - историческую столицу Франции и занялся перестройкой Лувра. В середине дворца фасад решен в виде триумфальной арки и оформлен рельефами скульптора Жана Гужона (около 1510 - 1568) наиболее значительного скульптора французского Возрождения ("Фонтан нимф" или "Фонтан невинных").

 




Поиск по сайту:

©2015-2020 studopedya.ru Все права принадлежат авторам размещенных материалов.