Помощничек
Главная | Обратная связь


Археология
Архитектура
Астрономия
Аудит
Биология
Ботаника
Бухгалтерский учёт
Войное дело
Генетика
География
Геология
Дизайн
Искусство
История
Кино
Кулинария
Культура
Литература
Математика
Медицина
Металлургия
Мифология
Музыка
Психология
Религия
Спорт
Строительство
Техника
Транспорт
Туризм
Усадьба
Физика
Фотография
Химия
Экология
Электричество
Электроника
Энергетика

Плохая живопись (Bad Painting).

Современное искусство

 

Современное искусство в нынешнем своем виде сформировалось на рубеже 1960-70-х годов. Художественные искания того времени можно охарактеризовать как поиск альтернатив модернизму (зачастую это выливалось в отрицание через введение прямо противоположных модернизму принципов). Это выразилось в поиске новых образов, новых средств и материалов выражения, вплоть до дематериализации объекта (перформансы и хеппенинги). Можно сказать, что произошел сдвиг от объекта к процессу.

Самыми заметными явлениями рубежа 60-х и 70-х годов можно назвать развитие концептуального искусства и минимализма. В 70-х заметно усилилась социальная направленность арт-процесса как с точки зрения содержания (тем, подымаемых в творчестве художниками), так и состава: самым заметным явлением середины 70-х стал феминизм в искусстве, а также нарастане активности этнических меньшинств (1980-е) и социальных групп (например, «искусство аутсайдеров»).

Конец 70-х и 80-е годы охарактеризовались «усталостью» от концептуального искусства и минимализма и возвратом интереса к изобразительности, цвету и фигуративности (расцвет таких движений как «Новые дикие»). На середину 80-х приходится время подъема движений, активно использующих образы массовой культуры — кэмпизм, искусство ист-виллиджа, набирает силы нео-поп. К этому же времени относится расцвет фотографии в искусстве — все больше художников начинают обращаться к ней как к средству художественного выражения.

На арт-процесс, начиная с 80-х, большое влияние оказало развитие технологий — видео, аудио, компьютеров и интернет — это существенно расширило палитру средств, используемых художниками.

Современное искусство экспониуется галереями современного искусства, частными коллекционерами, коммерческими корпорациями, государственными художественными организациями, музеями современного искусства или самими художниками в artist-run space. Современные художники получают финансовую поддержку за счёт грантов, наград и премий, а также получают средства от продаж своих работ.

Существует тесная связь между государственными учреждениями, занимающимися современным искусством и коммерческим сектором. Например в Великобритании большинство работ ключевых современных художников, выставленых в государственных музеях приобретены у нескольких влиятельных арт-дилеров

Большое влияние на систему современного искусства оказывают частные коллекционеры . Например на рынке современного искусства Великобритании с 1980-х годов доминирует Чарльз Саатчи, с именем которого иногда связывают целое десятилетие в британском современном искусстве

Попытки непосредственно интегрироваться в систему современного искусства предпринимают коммерческие корпорации: проводят выставки современного искусства на своей территории, организуют и спонсируют премии в области современного искусства и приобретают работы художников, формирую большие коллекции

Институции современного искусства нередко выступают объектом критики со стороны художников и независимых арт-критиков.

XX столетие не только принесло художникам невиданные ранее возможности (прежде всего технические), но и заставило их отказаться от привычного взгляда на мир. Уже в начале века наука пересмотрела большую часть «бесспорных истин» Нового времени. Гуманистические ценности Возрождения и Просвещения больше не служили поддержкой человеку. Теперь он сам должен был защищать их в кошмаре мировых войн и тоталитарных режимов. Достижения прошлого казались бесполезными, и человечество осталось наедине с грозным и таинственным миром, словно в первобытные времена (не случайно огромную популярность в XX в. приобрело доисторическое и примитивное искусство). При этом одни наперекор всему искали выход в продолжении культурной традиции прошлого, другие — в обретении утраченных связей с природой, третьи — в научно-технической революции, четвёртые — в нигилистическом самоутверждении... Всё это по-своему реализовалось в искусстве.

Разнообразие направлений — характерная черта искусства XX столетия. В первые его десятилетия многие мастера порвали со сложившимися художественными традициями: появились различные направления авангарда (франц. avant-garde — «передний край», «передовой отдел»). Однако далеко не все модернисты жили отрицанием прошлого: в их творчестве существуют примеры глубоко индивидуального и полнокровного претворения опыта искусства античности и Возрождения. Авангард начала XX в. в большинстве случаев восставал против традиционных форм, но был родствен классике тем, что также стремился творчески воплотить черты материального или духовного мира, — недаром в последнее время его наследие признаётся равноправной частью мирового искусства. Сложнее обстоит дело с дадаизмом, а также поп-артом и другими течениями 60—70-х гг., в которых пересматривались сами принципы творчества и возможность диалога между художником и зрителем.

 

Поп-арт

ПОП-АРТ (англ. pop art, сокращение от popular art – популярное, общедоступное искусство; второе значение слова связано со звукоподражательным англ. рop – отрывистый удар, хлопок, шлепок, т.е. производящее шокирующий эффект) – направление в искусстве конца 1950-х – начала 1970-х; возникает как оппозиция беспредметному абстракционизму; знаменует переход к концепции нового авангардизма.

Представители поп-арта провозгласили своей целью «возвращение к реальности», но реальности, уже опосредованной масс-медиа: источником их вдохновения стали глянцевые журналы, реклама, упаковка, телевидение, фотография. Поп-арт вернул предмет в искусство, но это был предмет, не опоэтизированный художественным видением, а предмет нарочито бытовой, связанный с современной индустриальной культурой и, в особенности, с современными формами информации (печать, телевидение, кинематограф).

Новые технические приемы, позаимствованные из промышленного дизайна и рекламы: фотопечать, использование диапроектора, включение реальных предметов, способствовали как «обезличиванию» индивидуальной творческой манеры художника, так и «раскрытию эстетической ценности» образцов массовой продукции.

Поп-арт зародился в Англии; наибольшей известности достигли американские и французские художники. Сходные направления появились в Италии, Германии, и даже в СССР, отделенном в то время от остального мира «железным занавесом».

Зарождение поп-арта. В 1952 при Институте современного искусства в Лондоне несколько критиков, художников и архитекторов образовали «Независимую группу», изучавшую современные технологии и городскую народную культуру. Художники Ричард Гамильтон, Эдуард Паолоцци начали заниматься изучением «имиджей» (обликов) массового искусства. К феномену «массовой культуры» применялись различные методы исследования – от лингвистического (семиотика) до психологического (теория игр).

Изучения проводились на основе американской культуры, к которой члены группы испытывали смешанные чувства иронии и восхищения. Ричард Гамильтон и Эдуард Паолоцци создавали композиции-коллажи из наиболее популярных тем печати и рекламы новых промышленных изделий (Ричард Гамильтон Так что же делает наши сегодняшние дома такими особенными, такими привлекательными? (1956); Эдуард Паолоцци Я была игрушкой богача (1947)).

Один из членов группы, критик Лоуренс Аллоуэй, для обозначения нового явления изобразительного творчества предложил термин «поп-арт».

В 1956 в Лондоне прошла выставка «Это – завтра», состоящая из фотографий голливудских кинозвезд и кадров из фильмов, увеличенных до размера киноэкрана.

После выставки к группе примкнули выпускники Колледжа изящных искусств: Питер Блейк, Рональд Китай, Дэвид Хокни и др. (Питер Блейк Дверь с красотками (1959)).

Из интеллектуалов-исследователей художники постепенно превращались в апологетов массовой культуры, проповедников не только новой эстетики, но и нового образа жизни, основанного на анархических идеалах свободы, новых принципах морали и рок-музыке: альбом Битлз 1967 Клуб одиноких сердец сержанта Пеппера оформлял П.Блейк, а обложку Белого альбома (1968) создал Р.Гамильтон.

Поп-арт в Америке. Товарный фетишизм и идеология равных возможностей в США приводят к тому, что с конца 1950-х поп-арт (здесь его вначале называют неодада) получает широкое распространение в американском искусстве. Международную известность поп-арту в его американском варианте принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джэспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Весселман, Клаас Олденбург, Энди Уорхол

Эти художники реабилитируют мир красоты банального, в их произведениях сквозит гордость тем, что американская торговля изобрела такие товары, которые всегда хороши, дешевы и равнодоступны. Их искусство – в определенном смысле памятник таким товарам и социальному равенству, ведь потребляя продукт, мы можем идентифицировать себя с любым другим потребителем этого продукта: «Ты можешь смотреть телевизор и видеть кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, ты тоже можешь пить кока-колу…Все бутылки кока-колы одинаковы и все они хороши» – говорил Э.Уорхол, прославляя потребление и делая потребление (чужих образов) частью своего искусства.

Уорхол отмечал, что «поп-арт поменял внутреннее и внешнее местами. Поп-артисты создавали образы, который любой человек, идущий по Бродвею, узнавал в ту же секунду – комиксы, столы для пикника, мужские штаны, знаменитости, занавески для душа, холодильники, бутылки кока-колы – все те великие вещи, которые абстрактные экспрессионисты изо всех сил старались вовсе не замечать».

Поп-арт использовал то, что уже есть, и, более того, что набило оскомину, стало привычным: готовое изделие (ready made – термин введенный в 1912 Марселем Дюшаном, означал изделие массового производства, выставленное в качестве произведения искусства) – настоящие консервные банки, бутылки, ящики, флаги, которые вовлекались в комбинации или подборки (ассамблажи) с другими настоящими предметами, рисованными или живописными элементами; фотографии; газетные или журнальные иллюстрации; кинокадры.

Раушенберг, Уорхол вводили предметы «массовой культуры» в картину как прямую цитату: в виде коллажа или фотовоспроизведения. Раушенберг разработал жанр комбинированных картин, в которых живопись в духе абстрактного экспрессионизма соединялась с реальными предметами (Кровать). В начале 1960-х в этом жанре начал работать Том Вессельман, сочетавший плоскостное изображение натурщиц с реальным антуражем ванных комнат (Великая американская обнаженная).

Весселман, начинавший как карикатурист; Розенквист, который в юности раскрашивал уличные вывески, имитировали композиционные приемы и живописную технику рекламных щитов.

Лихтенштейн увеличивал картинку комикса полумеханическими способами до размеров большого полотна.

Олденбург создавал пластические подобия витринных муляжей огромного размера в самых неожиданных материалах; Джонс – муляжи флагов, географических карт, мишеней в технике энкаустики (краски на восковой основе).

При столь различном подходе общим являлось то, что заимствованный «имидж» массовой культуры помещался в иной контекст, изменялся масштаб, материал, обнажался прием или технический метод, выявлялись информационные помехи (дефекты фотоснимка или оттиска). В связи с этим первоначальный образ парадоксально преобразовывался и иронически перетолковывался.

Соцарт в СССР. Официальное искусство СССР долгое время развивалось под строгим контролем государства, пресекавшего попытки художников отклониться от единственного в стране стиля – социалистического реализма. В 1960-е в СССР возникает искусство неофициальное, имеющие параллели с мировыми течениями, однако вынужденное существовать в ситуации подполья. К неофициальному искусству 60-х, за некоторым исключением, невозможно применить критерий направления или движения; это время одиночек, однако уже к началу 1970-х сложился круг художников, которых впоследствии стали называть «московскими романтическими концептуалистами», по аналогии с западными концептуалистами. Художественный андеграунд, частично преодолевший свой подпольный статус, продемонстрировал не только отклики на зарубежные течения, но, в ряде случаев, яркую самобытность. Близость поп-арту проявилась в картинах М.А.Рогинского, Е.Л.Рухина, посвященных миру обыденных, даже подчеркнуто вульгарных вещей (Михаил Рогинский Большой примус; Красная дверь, обе – 1965; Борис Турецкий Мусорная свалка (1974)).

Соц-арт, получивший развитие во 2 пол. 1970-х – нач. 1980-х, возник как пародия на соцреализм и современную массовую культуру в целом. Это направление, созданное в основном такими художниками как В.А.Комар и А.Д.Меламид, Э.В.Булатов, можно рассматривать в рамках концептуальной практики, однако здесь можно найти и прямое продолжение идей поп-арта: художники анализируют советскую картину и символику – предмет массовой культуры советского общества (Эрик Булатов Слава КПСС! (1975)).

В легальных и полулегальных, в т.ч. квартирных выставках искусство 1970-х преодолевало свой чисто станковый характер, обращаясь к методике пространственных установок – инсталляций, хэппенингов и перформансов.

Цензурные и социальные преграды привели к тому, что многие художники эмигрировали из СССР.

 

 

 

 

ТОМ ВЕССЕЛМАН. Натюрморт № 39.

ЭНДИ УОРХОЛ. ПОРТРЕТ АКТРИСЫ ЭЛИЗАБЕТ ТЕЙЛОР

 

РОЙ ЛИХТЕНШТЕЙН. КАК Я ОТКРЫЛ ОГОНЬ. Музей Стенделейк, Амстердам

 

 

Ольга Морозова ДИСКИ (1963)

Гиперреализм

 

На смену абстрактному экспрессионизму, который во многом опирался на случай, и в котором художник самовыражался посредством движения руки, и поп-арту, использовавшему готовые изображения, которые он черпал из рекламы, пришел гиперреализм. Как и в поп-арте, использование фотографии в гиперреализме очень важно. Художники этого направления показывают сцены из каждодневной жизни, портреты.

Для достижения своей цели они пользовались двумя приемами: либо проецировали фотографию на холст при помощи проектора, а потом раскрашивали, либо печатали фотографию на холсте, а потом красили прямо по печати.

 

Чак Клоз (Chuck Close) 1940

 

 

 

Дон Эдди (Don Eddy) 1944

 

 

 

Франц Гертш (Franz Gertsch) 1930

 

 

Плохая живопись (Bad Painting).

 

Это направление вдохновляется уличным искусством – граффити, трафаретными пвывесками, афишами, как реакция против засилья интеллектуального искусства 70-х гг. – минимализм, концептуализм.

Художники культивируют небрежность. Они восприимчивы к афро-американскому, испано-американскому искусству. Течение обладает всеми признаками экспрессионизма. Близкие течения: Свободная финурация, Нео-фовизм, Транс-Авангард.

 

 

 

Роберт Лонго (Robert Longo) 1953

 

 

 

Искусство аутсайдеров

Искусство аутсайдеров (англ. Outside – art – искусство со стороны) – художественное направление в мировом искусстве получившее широкое распространение с конца XX в. Искусство аутсайдеров, или «посторонних», включает в себя творчество людей, находящихся вне общества, - душевнобольных, инвалидов, заключенных, детей, всевозможных маргиналов.
Радикальный поворот в сторону интереса к обитателям «домов безумных» связан с XVIII веком и господствующим тогда в искусстве романтизмом, породившем идею близости гениальности и помешательства. Конец XIX - начало XX вв. ознаменованы исследованиями творчества душевнобольных, представленных в крупных коллекциях врачей-психиатров В. Моргентхаллера, Г. Принцхорна. Опубликованные сведения вызвали огромный интерес со стороны как отдельных художников (П.Пикассо, П.Гоген), так и целых направлений (экспрессионизм, сюрреализм, абстракционизм), считающих самовыражение людей, не затронутых цивилизацией, истинным творчеством.

В конце 1940-х гг. французский художник Ж. Дюбюффе выдвинул концепцию антикультурного искусства (Ар брют), к которому он относил любого рода произведения «несущие спонтанный и в высшей степени изобретательный характер и почти совсем не зависящие от общепринятого искусства и культурных шаблонов». Он стал создателем первой самой крупной коллекции работ аутсайдеров, легшую в основу музея Ар брют.

Сам термин «Аутсайдер арт» был введен критиком Роджером Кардиналом в 1972 г. как английский эквивалент французского Ар брют. В современном искусствоведении Аутсайдер арт не отождествляется только с искусством душевнобольных, он включает работы непрофессиональных мастеров, которые не следуют в своем творчестве каким-либо традициям и установкам, не осознающие себя художниками, а движимы исключительно потребностью творить.

 

Представители.

 

Генри Дарджер ( Henry Darger, 1892 —1973) — американский художник-иллюстратор и писатель. Его иллюстрации к собственной книге являются одними из наиболее известных образцов искусства аутсайдеров, или Ар брют.
Мать Дарджера умерла, когда ему было 4 года. После смерти матери маленький Генри жил с отцом пока тот мог заботиться о ребенке. В 1900 году тяжело больной отец Дарджера был помещен в католическую миссию для пожизненного проживания. После чего Генри оказался в католическом приюте для мальчиков.

 

 

 

 

Митасов из Харькова родился в середине 20 в. и умер в психиатрической больнице в 1999 году. Имел высшее образование, экономист, работал директором магазина. Заболев, покрыл все поверхности своей квартиры надписями, часто в несколько слоев. Сейчас в квартире проведен евро-ремонт. Отдельные надписи можно еще встретить в окрестных дворах.

 

 

 

 

Ричард Дадд 1817-1886) - один из лучших выпускников Королевской академии, после путешествия в Египет в возрасте 26 лет сошёл с ума, зарезал собственного отца и провёл остаток жизни (около 40 лет) в сумасшедшем доме, где и создал бОльшую часть своего творческого наследия. Работы находятся в крупнейших музеях мира, таких как Лувр, Тэйт Гэллери, Британский музей и др.

Один из любимых художников Фредди Меркьюри.

 

 

 

 

Александр Лобанов стал легендой ещё при жизни. Европейские учёные-исследователи пишут статьи о его творчестве, защищают диссертации, а картины Александра Лобанова являются своеобразной визитной карточкой Арт-проекта ИНЫЕ (г. Ярославль).

 

 

 

 

Нет-арт

Нет-арт (или «сетевое искусство»; англ. net.art, англ. Internet art) — искусство, которое использует в качестве основного средства выражения Интернет. Произведением нет-арта (или «сетевого искусства») можно назвать арт-проект, в котором Интернет является обязательным условием для восприятия произведения, выражения идей художника, или участия (в интерактивных проектах).

Нет арт, Net art - направление в искусстве возникшее в 1990-х годов, преставляющее художников, работающих с компьютером - сетевое искусство; произведения, созданные в интернете, для интернета: выставляющиеся, существующие, функционирующие в сети. Net art - искусство новое, демократичное, молодые художники делают значимым общение со зрителем, вовлечение его в творческий диалог.
Нет-арт (Net Art — от англ. net — сеть, art — искусство) - новейший вид искусства, современных арт-практик, развивающийся в компьютерных сетях, в частности, в сети Интернет (www). Его исследователи в России, вносящие вклад и в его развитие, О.Лялина, А.Шульгин считают, что суть Н.-а. сводится к созданию коммуникационных и креативных пространств в Сети, предоставляющих полную свободу сетевого бытия всем желающим. Поэтому суть Н.-а. не репрезентация, а коммуникация, и своеобразной арт-единицей его является электронное послание. Различают по крайней мере три этапа развития Н.-а., возникшего в 80-е — 90-е гг. XX в. Первый, когда начинающие художники Сети создавали картинки из букв и значков, имеющихся на клавиатуре компьютера. Второй начался, когда в Интернет пришли художники андеграунда и просто все желающие показать нечто из своего творчества. Появилась масса электронных галерей, салонов, кинотеатров, которые внесли в Сеть продукцию внешнего мира, не органичную Сети, использовали ее как посредник. Следующий этап состоял в освоении специальными сетевыми художниками собственно выразительных возможностей Сети, как некоего электронного энвайронмента или виртуальной реальности, внутри которых необходимо творить так, как невозможно работать в реальном мире. Появилась первая сетевая литература, построенная на принципах гипертекста, особые визуальные зоны Н.-а., активно вовлекающие в их организацию реципиентов, сидящих перед своими компьютерами, и т. п. Компьютерные игры также представляют собой один из аспектов Н.-а. Один пример Н.-а. Известный в Сети Нет-артист Хит Бантин установил на центральных улицах Дублина, Токио, Лондона, Лос-Анжелеса телекамеры, связав каждую из них с определенной веб-страницей. Любой посетитель этого сайта из любой точки земного шара, заметивший какие-то беспорядке на данной улице, может тотчас информировать полицию данного города с этой же веб-страницы. Главной особенностью Н.-а. на сегодня, как и ПОСТ-культуры в целом, является принципиальное отсутствие четкого разграничения искусства и неискусства. Основными характеристиками его являются неутилитарность, прямой контакт между художником и реципиентом, интерактивность, свобода бытия в киберпространстве, комуникационность. Представляется, что Н.-а. имеет большое будущее.

 

 

Стакизм

Стакизм (Stuckism) — художественное движение, основанное в 1999 году в Великобритании художниками Билли Чайлдишом (Billy Childish) и Чарли Томсоном (Charles Thomson) для продвижения фигуративной живописи в противовес концептуальному искусству. Стакисты сформировались как группа в качестве альтернативы «Молодым британским художникам». По-началу группа стакистов состояла из тринадцати человек, на сегодняшний день движение насчитывает около 120 членов во всем мире. Чайлдиш покинул группу в 2001 году. Стакисты организовали много выставок, но привлекли больше внимания своими демонстрациями около Галереи Тейт и выпадами против Премии Тернера и Чарльза Саатчи. Первая крупная выставка стакистов прошла в 2004 году во время биеннале в Ливерпуле. Согласно второй версии, все это случилось потому, что попечитель Тейт отказался принять в дар от стакистов 175 работ для коллекции галереи.

В любом случае, шум в прессе пошел на пользу стакистам - они эпатировали, сравнивали себя с импрессионистами, над которыми поначалу тоже все смеялись, и даже написали манифест.

Сегодня это движение насчитывает около 120 артистов во всем мире, которых объединяет простой, как табурет, девиз: "Художник, который рисует, - это не художник".

Monica Gorsky. The Wheel Anna Gurgis. Untitled

«SIR NICHOLAS SEROTA MAKES AN
ACQUISITIONS DECISION»

CHARLES THOMSON

 

 

«A LONG WAY FROM GREECE»

CHARLES THOMSON

 


«TONY BLAIR TURNS CATHOLIC»

ANNIE ZAMERO


«THE VIOLIN PLAYER»
ANNIE ZAMERO

«THE IRONING LADY (MARGARET THATCHER)»

ANNIE ZAMERO

 

 




©2015 studopedya.ru Все права принадлежат авторам размещенных материалов.