Творчество чуйкова семён афанасьевич

Творчество одного из самых значительных современных советских художников Семена Афанасьевича Чуйкова в равной мере принадлежит как русскому искусству, так и искусству Киргизии. Можно без преувеличения сказать, что именно Чуйков первый открыл красоту Киргизии для живописи. Больше других он способствовал широкому признанию киргизской художественной культуры. В то же время его искания лежат в русле развития русской советской живописи. В Киргизии Чуйков родился и вырос. Учиться он начинал в 20-х годах в Ташкенте, где работало тогда много интересных мастеров. Позже продолжил образование в московском Вхутемасе, в мастерской Р. Фалька, живопись которого он и сегодня оценивает чрезвычайно высоко. Вместе со своими друзьями он организовал общество «Рост». В годы, когда многие искренне думали, что станковое искусство безнадежно устарело и отомрет при социализме, эти художники решили найти новые возможности развития живописи. На одном из диспутов тех лет Чуйков решительно утверждал: «Говорить о том, что в наш переходный период с его резкими противоречиями станковая живопись не нужна — совершенно нелепо... Мы, небольшая группа молодежи, считаем, что станковая живопись должна видоизмениться и переродиться в какую-то другую форму, которую условно можно назвать монументальной». Время показало правильность тогдашней позиции, хотя сформулирована она была не совсем четко. Однако в то время для самого Чуйкова было еще далеко не окончательно ясно, сумеет ли он сам выполнить эту задачу или нет. Он еще колебался между живописью и литературой, выпустив в свет повесть и несколько рассказов. .

1930-е годы решили судьбу Чуйкова-художника. Он нашел свою тему, которая постепенно заставила его пересмотреть арсенал выразительных средств своего искусства. В эти годы появляются первые полотна из киргизской живописной сюиты. Художник чрезвычайно активно выступает и как организатор культурной жизни Киргизии, становится первым председателем Союза художников в республике, участвует в формировании первых коллективных выставок и музея.Но настоящий расцвет дарования Чуйкова приходится уже на послевоенные годы. Его полотно «Дочь Советской Киргизии» (1948) стало важной вехой в развитии нашего изобразительного искусства в этот трудный для него период развития. Художник изобразил девушку киргизку, которая идет по степи с книгами в руках. Нельзя сказать, чтобы подобных сюжетов не касались до этого и художники среднеазиатских республик, и их московские коллеги. Но, как правило, эти работы были либо по-плакатному, однозначны, либо этнографически натуралистичны. Картина Чуйкова воспринималась как символ новой жизни народа. И это было достигнуто благодаря мастерскому живописному решению темы. Художник тщательно разработал цветовую партитуру полотна: зритель радовался синеве неба, праздничной яркости красок одежды. Красота цвета, психологическая точность решения портрета, романтика пейзажа — все воспринималось как гимн человеку. В картине «Дочь Советской Киргизии» так же, как и в ряде других полотен той поры («Утро»), художнику удалось великолепно выразить новое отношение к миру, рожденное нашей социалистической действительностью. .

В 1950-е годы в творчество Чуйкова входит его вторая «сквозная» тема — Индия. Тональность его картин, посвященных природе и людям этой страны, иная, чем в киргизской сюите. Чуйкова во время пребывания в Индии поразила и необычайная красота страны, и драматические конфликты в ее современной жизни, ее устремленность в будущее. В индийских работах нередко есть оттенок грусти, горечи. Это лирическое размышление о судьбах людей. Они имели громадный успех и в самой Индии. Художнику была присуждена премия Джавахарлала Неру. .

В 1960-е годы обе эти темы, переплетаясь, продолжают развиваться. Все чаще, особенно после поездок в Италию, Чуйков соизмеряет свои работы с творчеством Александра Иванова. Он пишет ряд пейзажей, в которых эмоциональность, непосредственное переживание природы соединяются с трезвым анализом. Рационально строгая, почти классическая композиция— с тончайшей разработкой цвета. Никакой приблизительности, точный расчет зрелого мастера. По-новому мастерство Чуйкова раскрывается и в его детских портретах, и в таких композициях, как «Живая вода», «Цветы Киргизии». Народный художник СССР, лауреат Государственных премий, действительный член Академии художеств СССР, Чуйков активно выступает и как писатель по вопросам искусства.

21. Павел Дмитриевич Корин - одна из самых крупных, сложных и трагических фигур в русском искусстве XX в. Родился он в знаменитом селе Палех в семье потомственных иконописцев. Жизненная стезя была предопределена. Однако талант требовал развития. Корин перебирается в Москву, в 1911 г. становится помощником М. В. Нестерова в работе над росписью церкви Марфо-Мариинской обители. Встреча с Нестеровым, понимавшим искусство как духовный подвиг, а также другая "встреча" - с творчеством А. А. Иванова, преклонение перед его подвижнической жизнью укрепили в Корине мечту отдать всю жизнь служению искусству, достичь высот мастерства, стать продолжателем великих традиций русской живописи.

В 1916 г. Корин заканчивает МУЖВЗ, но, неудовлетворенный своими первыми самостоятельными работами, осознает, сколь далек заветный идеал, сколь труден путь к намеченной цели. В 1918-25 гг., в самый разгар смуты в стране и в искусстве, Корин словно несет добровольное послушание: много рисует, копирует, изучает анатомию. Он убежден, что новые и новейшие художественные течения не расширяют, а резко сужают возможности художника, не дают ему в руки достаточных пластических средств, что это движение не вверх, а вниз.

В 1925 г. Корин, как некогда А. А. Иванов, обретает свою тему. В апреле этого года умирает патриарх Тихон. В Москву на его похороны собирается вся православная Россия. Потрясенный увиденным ученик Нестерова, православный русский человек, Павел Корин осознает себя художником этой России, казалось бы обреченной, но продолжающеи жить, уверенной в своей духовной правоте. Он задумывает изобразить крестный ход во время похорон патриарха.

Вскоре началась работа над подготовительными этюдами к картине, которую Корин назвал "Реквием". Одновременно художник создает первую крупную работу - панорамный пейзаж "Моя родина" (1928). Это вид на Палех издали. Корин словно прикасается к родной земле, набираясь сил для воплощения грандиозного замысла. Он вновь словно клянется в верности великой национальной традиции, своим постоянным учителям - А. А. Иванову и М. В. Нестерову.

Работа над этюдами к большой картине заняла десять лет. Последний портрет - митрополита Сергия, будущего патриарха - написан в 1937 г. Исполненные с редкой для искусства XX в. пластической мощью этюды вместе составляют уникальную портретную серию. Православная Русь - от нищего до высших церковных иерархов - предстает перед зрителем. Персонажи объединены общим состоянием, полны внутреннего духовного огня, но при этом каждый обладает индивидуальным характером.

В 1931 г. мастерскую Корина неожиданно посещает М. Горький. От него картина получила новое название - "Русь уходящая", что исказило первоначальный замысел, но и "прикрыло" художника от возможных нападок. Благодаря Горькому, братья Павел и Александр Корины едут в Италию. Там они изучают работы старых мастеров, Павел Дмитриевич пишет пейзажи и известный портрет Горького (1932). В это время окончательно складывается живописный стиль Корина: мощная пластическая лепка, чеканная и обобщенная форма, сдержанная и одновременно насыщенная цветовая гамма с введением отдельных цветовых акцентов, живопись плотная, многослойная, с использованием лессировок (Корин - блестящий знаток техники живописи). После смерти Горького в 1936 г. обстоятельства жизни художника резко изменились, он фактически был вынужден прекратить работу над картиной. Уже подготовленный огромный холст так и остался нетронутым. Эскиз (1935-37) показывает, что "Русь уходящая" могла стать самым значительным произведением русской живописи после 1917 г., исполненным мощи и символического значения. Это Церковь, выходящая на бой. В центре - три патриарха, Тихон, Сергий и Алексий, современником которых был Корин. Перед ними митрополит в красном пасхальном облачении (Пасха - праздник Воскресения и вечной жизни). Огромный архидиакон непомерно (и намеренно) длинной рукой вздымает вверх кадило жестом, означающим начало литургии: "Благослови кадило, Владыка!" - но обращается не к патриархам, как того требует обряд, а как бы прямо к Богу. Это Церковь, "уходящая" в вечность.

По сути, те же качества духовного подвижничества подчеркивает Корин в портретах деятелей культуры и науки, заказ на которые художник получает в 1939 г. Среди портретируемых - М. В. Нестеров, А. Н. Толстой, актеры В. И. Качалов, Л. М. Леонидов, пианист К. Н. Игумнов; после войны к ним добавились портреты М. С. Сарьяна, С. Т. Конёнкова, Кукрыниксов, итальянского живописца Р. Гуттузо. При всем мастерстве и силе этих произведений, в самой их живописи есть ощущение трагического надрыва, живопись как бы замыкается и кристаллизуется, уходит непосредственность, картины словно закованы в броню гладких, плотных мазков. Это естественно. И сам Корин чувствует себя воином, постоянно отражающим натиск враждебных сил.

В годы Великой Отечественной войны художник обращается к исторической теме, работать над которой он продолжал до самой смерти. Образы воинов - защитников не просто родной земли, но духовных идеалов России - привлекают Корина. Таков Александр Невский - центральная фигура знаменитого одноименного триптиха (1942), - в котором живут черты и святых с древнерусских икон, и могучих героев итальянского Возрождения.

Всю жизнь Корин вел бой. Как художник. Как собиратель обреченных на гибель произведений древнерусского искусства. Как выдающийся реставратор, которому человечество обязано спасением многих великих произведений, в том числе шедевров Дрезденской галереи. Как общественный деятель - защитник культурных памятников России. Но одержать главную победу - завершить труд, к которому он сознавал себя призванным, - Корину не удалось.

22. Сергей Тимофеевич Конёнков – один из выдающихся скульпторов ХХ столетия. В этом году Россия отметила его 135- летие. Творчество Конёнкова – значительная веха в истории развития русской скульптуры. Имя Коненкова известно во многих странах мира. За свою долгую жизнь он создал более семисот произведений, которые находятся в собраниях тридцати музеев Росси и ближнего Зарубежья, кстати есть его работы и нашем рославльском историко-художественном музее. Яркий талант художника проявился в глубоко психологических портретах, в произведениях, связанных с русской народной сказкой, в обобщенных монументальных образах. Великая любовь к человеку – вот главная черта, которая отличает все творчество замечательного мастера. Имя мастера тесно связано и с нашим городом.

Сергей Тимофеевич Конёнков родился 11 июля (28 июня по старому стилю) 1874 года в деревне Верхние Караковичи Ельнинского уезда Смоленской губернии в крестьянской семье. Его отец жил со своими братьями большой неразделенной семьей в 26 человек. В конёнковском доме, несмотря на тесноту, жили дружно. Семья была работящая. Соседи говорили про Тимофея Терентьевича, что он всему дому голова. Человек он был умный, даровитый, но не честолюбивый.

Врожденное пластическое дарование у отца и у самого С.Т. Конёнкова, несомненно, имеет глубокие корни. Испокон веков предки их, жившие в лесной смоленской стороне, постоянно имели дело с деревом. Из него строили дома, украшали их резьбой – конскими головами, петухами – древнейшими символами солнца. Орудия труда и утварь тоже была в большинстве своем самодельными, вырубленными и вырезанными из дерева.

Как и все в деревне, Конёнков начал трудится с детства. Когда будущему скульптору не было еще и полных четырех лет, он носил в поле обед, рано научился пахать, ухаживать за пчелами, драть лыко, трепать пеньку. Работать он любил, это был редкостный работник! И если дело захватывало его он мог горы свернуть. Деревня привила Конёнкову глубокое уважение к труду и вместе с тем открыла путь к познанию ни с чем не сравнимой радости хорошо исполненной работы. На всю жизнь завел для себя Коненков правило: вставать до свету и главную работу делать с утра. Отдыхом он считал смену деятельности.

Мать Конёнкова умерла рано. Растила его многодетная добрая женщина -жена брата отца, для которой он был такой же родной, как и свои дети.

Рисовать Конёнков начал очень рано, еще до школы, причем, так что все сразу заметили что мальчик отмечен искрой божьей. В крестьянской семье, где ценилась каждая копейка, на бумагу для рисования деньги находились. Он рисовал пастухов, выгоняющих поутру стадо, деревенские пейзажи, былинных героев, крылатого Змея-Горыныча, о котором рассказывали плотогоны, якобы видевшие чудище на берегу Десны под Брянском. Среди ярких впечатлений детства у Конёнков а особое место занимало знакомство с работой гончара. Насмотревшись на гончара, Коненков и сам пробовал лепить из глины.

Первым учителем Конёнкова был отставной солдат Егор Андреевич, образ которого позже скульптор запечатлел в «Егоре –пасечнике». Читать учил он по церковно-славянски, а первой книгой, которую одолели его ученики, был «Псалтырь». Учение Конёнкова скорее всего бы и закончилось в сельской школе, если бы не счастливый случай. Сыну соседского помещика искали товарища для подготовки в гимназию (что бы не скучно было одному), и выбор пал на смышленого, способного к учению и рисованию Сергея Конёнкова. В семье решили , что хоть один Коненков да должен выйти в люди.

Первым городом, который увидел Конёнков в своей жизни, был древний Рославль, куда он приехал учиться. Все здесь было для него необыкновенным –и дома под железной крышей, и мощеные улицы с фонарями. Учась в гимназии, Конёнков с жадностью впитывал знания, формировался как личность. Его успехи в учебе и ставшая очевидной для всех одаренность в рисовании раскрыли перед ним двери домов самых образованных, уважаемых горожан. В Рославле Конёнков познакомился с талантливой семьей Полозовых. Глава семьи был человеком незаурядным, одаренными были и его дети. Старший сын Дмитрий учился в Москве в Училище живописи, ваяния и зодчества, и вот он первый и заронил мысль об учебе в Москве.

Заканчивая гимназию, Коненков знал уже, что станет художником. Выбор был сделан. Студенты-живописцы Дмитрий Полозов, Петр Ермолаев, приехавшие на каникулы в Рославль, взялись подготовить его к экзаменам.

И вот восемнадцатилетний Сергей Конёнков в Москве. Экзамены прошли успешно. Получив лучшую сумму баллов из всех экзаменовавшихся, он был принят в 1892 году в училище. Впоследствии скульптор не раз добрым словом поминал своих репетиторов и Шиллера. Бюст поэта, выпрошенный на время у соседа –помещика, был основным пособием при подготовке к экзаменам. Коненков без колебаний выбрал отделение - конечно же, скульптура, хотя он увлекался и рисованием и живописью.

В училище Коненкова заметили уже на первом году обучения. Овладение мастерством шло у молодого скульптора на редкость стремительно. Свидетельство этому – выразительный по лепке этюд «Старик на завалинке», показанный в 1892 году на выставке работ учеников училища.

Скульптурное отделение Конёнков окончил всего за два года, получив за этюды малую серебряную медаль. Оставленный в мастерской еще на три года, Коненков закончил рисовальные и научные классы, где с увлечением занимался анатомией, историей искусства. Заветным местом для него была Третьяковская галерея.

В 1896 году двадцатидвухлетний скульптор, успехи которого получили в Училище всеобщее признание, был направлен за казенный счет за границу для подготовки к выпускным экзаменам. Коненков побывал в Берлине, Париже, Дрездене, Милане, Риме. Целый год он странствовал по Европе, наконец, поездка закончена. «Последняя дорожная ночь,- вспоминал Сергей Тимофеевич Конёнков. Поезд стоит на станции Рославль. На перроне увидел мужика в овчинном тулупе, сквозь окно вагона услышал русскую речь и вздохнул легко.- Россия. Родина. Вернулся».

Желая пополнить свое образование, в 1899 Конёнков приехал в Петербург и поступил в Академию художеств. В это время для молодого скульптора представилась возможность вернуться к своему давнему замыслу «Самсону». Самсон народный герой и для автора он символизировал русский народ, мужественный, непобедимый, свободный.

«Самсон, разрывающий узы» - скульптура этапная не только в творчестве Коненкова, но и во всем русском искусстве начала ХХ века. В этой работе он смело отобразил пафос времени, умонастроения передовой части общества.

С середины 1900-х годов творчества Конёнкова характерны преимущественно фольклорно-сказочные мотивы («Стрибог», «Старичок-полевичок») и тема совершенного гармонического человека, связанная с поисками национальных идеалов. За десятилетие с 1907-1917 гг. творческий гений Конёнкова раскрылся с необычайной силой и широтой. Серия работ из дерева, скульптуры, овеянные античностью, композиции на тему музыки, портреты. Монументально-декоративные резные панно – все это исполнено веры в человека, во всем этом отчетливо проявилось жизнеутверждающее начало. Пластические формы скульптур полновесны , образы активны, убедительны. В первые годы Советской власти Конёнков принимал участие в осуществлении ленинского плана монументальной пропаганды (мемориальная доска «Павшим в борьбе за мир и братство народов».

С 1924 по 1945 Конёнков жил в США, работал главным образом над портретами. Во второй половине 40-60-х годов выполнил большое количество психологически проникновенных портретов, а также ряд станковых монументальных композиций. Наивысшего воплощения Конёнков достиг в автопортрете , удостоенном в 1957 году Ленинской премии.

В своих произведениях скульптор сумел выразить национальный характер, воплотить образы русского фольклора. Под резцом мастера оживали знакомые с детских лет персонажи русских сказок и былин. «Старичок-полевичок», «Лесовик», кажется, проникнуты ароматом лесов и полей родной ему Смоленщины. И среди все этих полных обаяния скульптур такой маленький шедевр, как «Мы - ельнинские».

Традиции народного искусства соединились у Конёнкова с богатой фантазией. Возрождение искусства деревянной скульптуры – огромная заслуга художника. Известный советский скульптор А.С. Голубкина говорила, что Коненков сроднился с деревом, что, кажется будто «он не работает, а только освобождает то, что заключено в дереве».

За выдающиеся заслуги в области изобразительного искусства в 1964 году С.Т. Конёнкову - первому среди художников – было присвоено звание Героя Социалистического Труда.

В 1973 году открыт музей скульптуры в Смоленске, в 1974 году в Москве был открыт Мемориальный музей-мастерская нашего земляка великого скульптора Присутствовать на открытии музеев сам автор не смог, он скончался в 1971 году.

Пейзажный жанр 50-70 гг

для советского пейзажа, развивающегося в русле социалистического реализма, наиболее характерны образы, раскрывающие жизнеутверждающую красоту мира, тесную связь её с преобразовательной деятельностью людей. В этой области выдвинулись мастера, сложившиеся в дореволюционный период, но после Октябрьской революции 1917 вступившие в новую фазу творчества (В. Н. Бакшеев, Грабарь, Крымов, А. В. Куприн, Остроумова-Лебедева, Рылов, Юон и др.), а также художники, чья деятельность всецело связана с советским временем (С. В. Герасимов, А. М. Грицай, Н. М. Ромадин, В. В. Мешков, С. А. Чуйков). В 20-х гг. зарождается советский индустриальный пейзаж (Б. Н. Яковлев и др.). одухотворённый пафосом социалистического строительства, складывается тип мемориального пейзажа (например, полотна В. К. Бялыницкого-Бирули с видами Горок Ленинских и Ясной Поляны). В 30-50-х гг. преимущественное распространение получает монументальный пейзаж-картина, основанный на тщательном переосмыслении этюдного материала. В произведениях советских пейзажистов сквозь черты конкретной местности всё чаще проступает синтетический образ Родины, благодаря чему даже виды, традиционно связанные с романтической концепцией пейзажа (например, пейзажи Крыма или Крайнего Севера), лишаются налёта экзотической отчуждённости. Художников привлекают мотивы, позволяющие показать взаимодействие индустриальных и природных форм, динамические сдвиги в пространственном восприятии мира, связанные с убыстряющимся темпом современной жизни (А. А. Дейнека, Г. Г. Нисский, П. П. Оссовский). В республиканских школах советского пейзажа ведущую роль играет творчество И. И. Бокшая, А. А. Шовкуненко на Украине, Д. Какабадзе в Грузии, Сарьяна в Армении, У. Тансыкбаева в Узбекистане, А. Жмуйдзинавичюса и А. Гудайтиса в Литве, Э. Китса в Эстонии. В 60-80-х гг. сохраняет значение принцип пейзажа-картины, но на первый план выступает тяготение к обострённой выразительности фактуры и колорита, к обнажённым, активно воздействующим на зрителей композиционным ритмам. Среди наиболее значительных советских пейзажистов, выдвинувшихсяв 50-70-х гг., - Л. И. Бродская, Б. Ф. Домашников, Е. И. Зверьков, Т. Салахов, В. М. Сидоров, В. Ф. Стожаров, И. Шважас.

РОМА́ДИН Ник. Мих. (1903—87) — живописец, нар. худож. СССР (1971), действ. чл. АХ СССР (1967). Лаур. Ленинской премии (1980). Учился во ВХУТЕМАСе-ВХУТЕИНе в Москве у И. И. Машкова, П. П. Кончаловского, Р. Р. Фалька. Автор поэтич. пейзажей преимущ. ср. полосы России (сер. "Волга — русская река", 1944—45) с тонкой и точной передачей разл. состояний природы в разное время года. Ряд произв. носит романтич. характер ("Кудиновское озеро", 1974—78; "Берендеев лес", 1963 и др.). Непоср. восприятие природы сочетается в работах Р. с филос. глубиной обобщений.

Грицай Алексей Михайлович [р. 22.2(7.3). 1914, Петербург], советский живописец, народный художник РСФСР (1963), действительный член АХ СССР (1964). Учился в Ленинграде в АХ (1932—39) у И. И. Бродского и В. Н. Яковлева. Преподаёт в Московском художественном институте им. В. И. Сурикова (1948—52 и с 1964; профессор с 1966). В своих пейзажах Г. развивает традиции русской пейзажной живописи 2-й половины 19 в. ("В Жигулях. Бурный день", 1948—50; Третьяковская галерея; Государственная премия СССР, 1951; "Чёрная вода", 1967, собственность автора). Автор портретов (в т. ч. группового портрета "Заседание Президиума АН СССР", совместно с В. П. Ефановым и др., 1951, Русский музей, Ленинград; Государственная премия СССР, 1952) и произведения на индустриальную тему ("Электропечи", 1947, Третьяковская галерея). Награжден орденом Отечественной войны 2-й степени и медалями.

Ромас Яков Дорофеевич [29.1(11.2).1902, Соколка, ныне Сокулка, Белостокское воеводство, , Астрахань], советский живописец и мастер оформительского искусства, народный художник СССР (1965), действительный член АХ СССР (1958). Член КПСС с 1929. Учился в московском Вхутемасе — Вхутеине (1924—30). Участник праздничного оформления центральных площадей Москвы (1924—37), оформления Центрального музея В. И. Ленина (1935—1936) и советского павильона на Всемирной выставке в Нью-Йорке (1939). Главный художник ВСХВ (1950—54). Для творчества Р.-станковиста характерны пейзажные и пейзажно-жанровые композиции, где преобладает тема широких морских или речных пространств («На плоту», 1947, Третьяковская галерея, Государственная премия СССР, 1948). Награжден орденом Отечественной войны 2-й степени и медалями.

Поиск по сайту: