 |
|
|
Архитектура Астрономия Аудит Биология Ботаника Бухгалтерский учёт Войное дело Генетика География Геология Дизайн Искусство История Кино Кулинария Культура Литература Математика Медицина Металлургия Мифология Музыка Психология Религия Спорт Строительство Техника Транспорт Туризм Усадьба Физика Фотография Химия Экология Электричество Электроника Энергетика |
Общая характеристика понятия античностьСтр 1 из 5Следующая ⇒
Определение термина «античность» Античность – это термин, который происходит от слов – антикус в переводе - древний текст, термин введен в эпоху возрождения итальянскими гуманистами для обозначения греко-римской культуры. Под античностью принято понимать совокупность древнегреческой и древнеримской культуры. В настоящий момент термин античность понимается как совокупность древнегреческой и древнерусской культуры. Историки отмечают, что основание для единства древнегреческой, древнеримской культуры может служить полисное сознание (результат сходных гос. политических форм – полис). Полис порождает особый тип сознания – полисное сознание, полис складывается из разных групп землевладельцев, складывается аппарат управления, суд, армия, но все должности выборные, залогом выживания такого коллектива становиться патриотизм каждого человека, высший долг - хранить верность понимать ценность полисного общества и при необходимости – приносить себя в жертву. Гражданин полиса – это всегда землевладелец. Общая характеристика понятия античность 1. Важная категория – космологизм. Космос – это понятие о мире, которое возникает в эпоху античности. Космос это не только мир, вселенная, космос это порядок который противостоит хаосу. За счет красоты и упорядоченности. Как отмечает Лосев, космос для античного человека выступает как некий абсолют, космосу некуда двигаться все пространство занято им самим, поэтому в античной культуре и складывается абсолютный космологизм. Античные боги управляют космосом, т.к. они и есть законы природы, все недостатки и все достоинства, которые есть в человеке есть и в природе а значит и в богах. 2. Идея рока, судьбы, Ананке (рок, судьба, неизбежность), раз ананке властвует над жизнью, то даже герои не может противостоять року, представление о судьбе не делает человека пассивным, они не склоны к пассивному фатализму Они в большой степени склонны проявлять свободу выбора, становясь при этот героем. Ощущение роковой зависимости порождает трагизм мироощущения, оно является изнанкой гармоничной «апполонической» культуры. Идея ясности, гармонии, «апполоничности» была развита в трудах историков 18-19в. Шиллер, Гете. Трагизм мирообщения был впервые открыт Фридриком Ницше «Рождение трагедии из духа музыки» 3. Антропоцентризм – это понимание того, что в центре мира оказывается человек, он есть часть мироздания, часть мира. Важнейшим эстетическим принципом, который формирует идеал человека, является калокагатии (культ гармонии безупречного тела и внутреннего мира человека) Тело необходимо укреплять физическими упражнениями, а душа – поэзией, танцами, музыкой. 4. Идея состязательности или принцип Агона. Состязательность пронизывают все сферы деятельности человека, состязательность была не только в гражданской но и художественной жизни. В культуре, например, Олимпийские игры, (фильм Л.Рифеншталь «Олимпия 1938 первые кадры). Демонстрация рождения нового типа арийского что связано с античностью (греко-римский человек), театральные состязания – двух протагонистов(гл. актеров), борьба драматургов, философские диспуты, возможно диалектика сегодня. 5. Праздничность и зрелища в античной культуре Праздники, посвященные тем или иным богам. Например, Дионисийские мистерии. Травли зверей, гладиаторские бои, театр античности – все натуральное и в величину натуральное ==> «хлеба и зрелищ». Рим – грубоват, а Греция утонченная по зрелищности. Круги движутся в театре, все пришло оттуда. Переодевали крестьянина, и он в роли, ходил затем его поедал настоящий зверь – зрители улюлюкают. 2)ПРОИСХОЖДЕНИЕ ДРЕВНЕГРЕЧЕСКОЙ ДРАМЫ Предшественником появления драмы в Греции стал длительный период, в течение которого лидерующее место занимали эпос и лирика. Драма представляла собой своеобразный синтез достижений ранее сформировавашихся родов литературы, вобрав в себя «эпический» героический, монументальный характер и «лирическое» индивидуальное начало. Появление и развитие греческой драмы и театра связано, в первую очередь, с обрядовыми играми мимического характера, которые на ранней ступени развития отмечались у многих народов и сохранились на протяжении веков. Мимические игры земледельческих народов являлись частью праздников, посвященных умирающим и воскресающим богам плодородия. Подобные праздники имели две стороны – серьезную, «страстную», и карнавальную, прославляющую победу светлых сил жизни. В Греции обряды были связаны с культом богов – покровителей земледелия: Диониса, Деметры, ее дочери Персефоны. На праздниках в честь бога Диониса распевали торжественные и веселые карнавальные песни. Шумное веселье устраивали ряженые, которые входили в свиту Диониса. Участники праздничного шествия всячески «маскировали» свое лицо – мазали его винной гущей, надевали маски и козлиные шкуры. Из обрядовых игр и песен в честь Диониса ведут свое начало три жанра древнегреческой драмы – комедия, трагедия и сатировская драма. Составной частью народных праздничных действий, связанных с земледельческими работами, являлось пение с плясками. Из них позднее возникла классическая афинская трагедия. Театр имел две площадки. Одна – сцена – предназначалась для актеров, другая – орхестра – для хора из 12 – 15 человек. Древние греки считали, что в театре должны раскрываться общезначимые и глубокие темы, прославляться высокие качества человеческого духа и высмеиваться пороки людей и общества. Человек, посмотрев драму, должен испытать духовное, нравственное потрясение. В трагедии, сопереживая героям, зритель должен плакать, а в комедии – вид драмы, противоположный трагедии, – смеяться. Древние греки создали такие театральные формы, как монолог и диалог. Они широко использовали многоплановое ведение действия в драме, применяя хор в качестве комментатора происходящих событий. Хоровой склад был одноголосным, пели в унисон. В профессиональной музыке преобладали мужские хоры. В древнегреческом театре появились специальные строения – амфитеатры, предназначенные специально для актерского исполнения и зрительского восприятия. В нем использовались сцены, кулисы, особая компоновка сидений для зрителей, применяемые и в современном театре. Эллины создавали декорации к спектаклям. Актеры пользовались особой патетической манерой произнесения текста, широко применяли пантомиму, выразительную пластику. Однако мимическая выразительность ими осознанно не использовалась, они выступали в специальных масках, символически отражающих обобщенный образ радости и горя. Трагедия (вид драмы, проникнутый пафосом трагического) предназначалась для широких слоев населения. Трагедия была отражением страстной стороны дионисийского культа. По свидетельству Аристотеля, трагедия, ведет свое начало от певцов дифирамба. К диалогу запевал с хором постепенно примешивались элементы актерской игры. Слово «трагедия» происходит от двух греческих слов: tragos – «козел» и ode – «песнь». Это название приводит нас к сатирам – козлоногим существам, спутникам Диониса, которые прославляи подвиги и страдания бога. Греческая трагедия, как правило, заимствовала сюжеты из хорошо известной каждому греку мифологии. Интерес зрителей концентрировался не на фабуле, а на авторской трактовке мифа, на общественной и нравственной проблематике, которая разворачивалась вокруг всем известных эпизодов мифа. В рамках мифологической оболочки драматург отражал в трагедии современную ему общественно-политическую обстановку, высказывал свои философские, этнические, религиозные воззрения. Не случайно, роль трагических представлений в общественно-политическом и этическом воспитании граждан была огромна. Трагедия достигла значительного развития уже во второй половине VI века до н.э. Согласно античной традиции, первым афинским трагическим поэтом принято считать Феспида Весной 534 года до н.э. на празднике Великих Дионисий состоялась первая постановка его трагедии. Этот год и рассматривается как год рождения мирового театра. Феспиду приписывается ряд нововведений: например, он усовершенствовал маски и театральные костюмы. Но в качестве главного нововведения Феспида называют выделение одного исполнителя, актера, из хора. Гипокрит («ответчик»), или актер, мог отвечать на вопросы хора или обращаться к хору с вопросами, покидать сценическую площадку и возвращаться на нее, изображать в течение действия различных героев. Таким образом, ранняя греческая трагедия представляла собой своеобразный диалог между актером и хором и по форме скорее напоминала кантату. При этом, именно актер с самого своего появления стал носителем действенного энергичного начала, хотя количественно его партия в первоначальной драме была незначительна (главная роль отводилась хору). Фриних, ученик Феспида, выдающийся трагик эпохи до Эсхила, «раздвинул» сюжетные рамки трагедии, вывел ее за пределы дионисийских мифов. Фриних славится как автор ряда исторических трагедий, которые были написаны по свежим следам событий. Например, в трагедии «Взятие Милета» представлялось взятие персами в 494 году до н.э. города Милета, который восстал против персидского владычества вместе с другими греческими городами Малой Азии. Пьеса настолько потрясла зрителей, что была запрещена властями, а сам автор был приговорен к денежному штрафу. Произведения Феспида и Фриниха до наших дней не дошли, сведения о их театральной деятельности немногочисленны, но и они показывают, что самые первые драматурги активно откликались на актуальные вопросы современности и стремились сделать театр местом обсуждения важнейших проблем общественной жизни, трибуной, где утверждались демократические принципы Афинского государства. © www.tutoronline.ru, при полном или частичном копировании материала ссылка на первоисточник обязательна. 3) Древнегреческий театр Древнегреческий театр берет свое начало от народных гуляний в честь бога Диониса. Изначально Дионис почитался греками как бог производительной силы природы, но несколько позже, когда народ Древней Греции стал возделывать виноградники, он стал богом виноделия, а потом богом поэзии и театра. Эти народные празднества происходили несколько раз в году. На них пели хвалебные песни Дионису, которые назывались дифирамбами. Из торжественной части праздника родилась трагедия, а из веселой и шутливой – комедия. Если перевести слова «трагедия» и «комедия» с греческого языка на русский, то они дадут пояснение происхождения греческой драмы. Слово «трагедия» состоит из греческих слов «трагос» – «козел» и «одэ» – «песнь», т. е. дословно это будет звучать как «песнь козлов», потому что спутниками Диониса были сатиры – козлоногие существа, прославлявшие подвиги и страдания бога. Слово «комедия» также имеет в своем составе два греческих слова: «комос» – «шествие» пьяной толпы ряженых, осыпавших друг друга шутками и насмешками, и «одэ» – «песнь». Следовательно, комедия – это «песнь комоса». Считается, что древнегреческое искусство берет свое начало в мифологии. По мере развития греческой трагедии ее основой стали повествования не только о жизни Диониса, но и таких героев древности, как Эдип, Агамемнон, Геракл, Фесей и пр. Таким образом, во все времена греческая трагедия пополнялась сюжетами из мифологии, потому что в ней имелась глубокая художественная выразительность. Греческая мифология образовалась тогда, когда возникло стремление народа объяснить окружающий мир. В Греции не было замкнутой и могущественной касты жрецов, которая запрещала бы изображать богов в виде людей, она не мешала свободному созданию мифов. Вот почему все мифы, хотя они и относятся к религиозным сказаниям, изобилуют жизненными мотивами. Согласно древним историческим документам, греческая трагедия уже во второй половине VI века до н. э. была довольно развитой, потому что использовала богатое наследие эпоса и лирики. Живший в то время трагик Феспид сделал одно нововведение: он выделил из хора особого исполнителя – актера, которого еще называли «гипокрит» – «ответчик». Это название показывало, что главная роль в трагедии все еще отводилась хору. Феспид – это первый афинский трагический поэт. Его первая пьеса была поставлена весной 534 года до н. э. на великих дионисиях. С тех пор эту дату считают годом рождения мирового театра. Греческие трагедии раннего периода представляли собой чаще всего лирические кантаты, состоявшие из песен хора и актера. Многие из ранних произведений не дошли до наших дней. Сюжеты комедий, так же как и трагедий, содержали в себе не только религиозные, но и житейские мотивы, которые со временем стали доминирующими, а потом просто единственными. Но все равно комедии по-прежнему посвящались Дионису. В праздничных шествиях, помимо песен, стали появляться маленькие комические сценки, в которых актеры разыгрывали чисто бытовые сюжеты (например, кража ворами пищи и вина, визит врача-иностранца к больному и пр.). В это же время к содержанию комедий стали примешиваться элементы социальной и политической сатиры. Актеры поднимали вопросы политического строя, деятельности отдельных учреждений Афинской республики, ее внешней политики, ведения войн и т. д. Пика своего расцвета греческое театральное искусство достигло во времена творчества трех великих трагиков: Эсхила, Софокла и Еврипида, а также комедиографа Аристофана. Конечно, в то время жили и писали и другие драматурги, но их произведения, к сожалению, не дошли до наших дней. Иногда историкам и исследователям театра известны только имена греческих авторов, а из их произведений – небольшие отрывки. Архитектура Скена, первоначально предназначавшаяся только для переодевания и выходов актёров, находилась вне круга орхестры, позже уже на касательной к его окружности. Передняя стена скены - проскений,имевшей обычно вид колонады, изображая фасад храма или дворца, приобрела со временем большое значение в оформлении спектакля.”Так как в трагедии действие почти всегда происходило перед дворцом или храмом, то, по мнению немецкого архитектора и археолога В. Дёрпфельда, проскений обычно имел вид колоннады или портика; эта колоннада проходила либо вдоль всего фасада скены, либо занимала только её центральную часть.” На обоих концах здания скены были пристроены (возможно, уже в 1-й пол. 5 в. до н.э.) два боковых строения, которые назывались параскениями. Параскении служили, по-видимому, местом хранения декораций и другого театрального имущества; в тех случаях, когда драма требовала наличия двух или трёх жилищ, параскении могли изображать эти жилища. Между скеной и местами для зрителей, занимавшими несколько более половины круга, находились проходы - пароды , через которые вступали на орхестру хор и актёры, по ходу пьесы прибывавшие из города, гавани или из чужой страны. В V и IV вв. до н.э. греческие актёры играли на орхестре перед проскением. Никакой высокой или низкой сценической площадки в это время не существовало. Планировка греческого театра была рассчитана на хорошую слышимость. Кроме того, для усиления звука в некоторых театрах применялись резонирующие сосуды, помещавшиеся среди зрительных мест.”Если, стоя в центре орхестры, бросить на камень пола монетку или разорвать клочок бумаги, то звон упавшей монеты, шорох разрываемого листа будут слышны в самом вверхнем ряду.” Занавеса в греческом театре не было, хотя возможно, что в некоторых пьесах какие-либо части проскения временно занавешивались от зрителя. Постановочная техника театра Развитие драматургии определяло эволюцию постановочной техники греческого театра. В ранних трагедиях Эсхила декорации представляли собой массивные деревянные сооружения (большой алтарь с кумирами двенадцати богов в «Умоляющих», гробница царя Дария в «Персах», скала в «Прикованном Прометее»). При Софокле появились расписные декорации, помогавшие превращать проскений в фасад дворца или храма, в переднюю стену палатки предводителя. В некоторых комедиях действие переносилось из одного месте в другое (например, из города в деревню, с земли в подземное царство и т. д.), причём в театре они располагались рядом. Содержание греческой драмы требовало применения театральных машин. “Божества взлетали вверх и спускались вниз с помощью блоков, причем от зрителей ничего не скрывалось и всегда были видны веревка и крюк, которым зацепляли за пояс “парящего в воздухе” актера. Существовало в древности латинское выражение Deus ex machina (бог из машины). С помощью этих машин на сцену являлось божество и легко разрешало чересчур усложнившиеся взаимотношения действующих лиц.” Наиболее употребительными были: эккиклема (в трагедиях, обычно сцены убийства), эорема Актеры и маски По преданию, Феспид сам был единственным актером в своих трагедиях. Партия актера, чередуется с песнями хора, и составляла всю пьесу. Вскоре после Феспида Эсхил ввел девтерагониста, а младший современник Эсхила Софокл тритагониста. Основные роли исполнял в драме протагонист. Благодаря тесной связи греческого театра с культом Диониса актеры пользовались в Греции большим почетом и занимали высокое общественное положение. Актером мог быть только свободнорожденный. Они, как и драматурги, могли принимать деятельное участие в жизни Греции. Их могли избирать на высшие государственные должности в Афинах и отправлять в качестве послов в другие государства. Победителями на драматических состязаниях вначале признавались только хорег и драматург. Но, начиная со второй половины V в. до н.э. в театральных состязаниях принимали участие и протагонисты. В греческой драме число актеров не превышало трех человек, то одному и тому же актеру в течении пьесы приходилось играть несколько ролей. Если в пьесах присутствовали немые роли, их играли статисты. Женские роли всегда исполнялись мужчинами. Трагические и комедийные актеры должны были не только хорошо декламировать стихи, но и владеть вокальным мастерством, так как в наиболее патетических местах драмы актеры исполняли арии. Путем постоянных упражнений греческие актеры вырабатывали у себя силу, звучность и выразительность голоса, безукоризненность дикции и доводили до большого совершенства искусства пения. Но кроме этого, греческий актер должен был владеть искусством танца и вообще искусством движения в самом широком смысле этого слова. Поэтому греческому актеру необходимо было много работать над гибкостью и выразительностью тела. Актеры носили маски, так что мимика из игры была исключена. Тем больше должны были греческие актеры работать над искусством движения и жеста. Маски проникли в греческий театр вследствие исконной связи последнего с культом Диониса. Жрец, изображавший божество, всегда выступал в маске. Однако в театре классического периода маски уже не имели культового значения. Зато она отвечала задачам греческого театра создавать крупные обобщенные образы. “Так, например, характер или сиюминутное настроение действующего лица определялось маской, которую надевал на лицо актер: хохочущая, скорбная, умиротворенная. Они менялись всякий раз, как только исполнитель переходил соответственно от веселья к печали, от горестей к покойному расположению духа. Кроме того, определенное значение имела окраска маски: например, по багровому ее цвету, зрители узнавали раздражительного человека, по-рыжему - хитрого и коварного Исполнение женских ролей мужчинами вызывало необходимость использование маски. Употребление маски обусловливалось также размерами греческого театра. Без маски лица актеров были бы плохо видны зрителям последних рядов. Маски делались из дерева или полотна, в последнем случае полотно натягивалось на каркас, покрывалось гипсом и раскрашивалось. Маски закрывали не только лицо, но всю голову, так что прическа была укреплена на маске, к которой в случае необходимости прикреплялась так же борода. У трагической маски обычно делали выступ надо лбом, увеличивавший рост актера. В древней комедии большая часть масок должна вызывать смех, отсюда их карикатурный и гротесковый характер. Кроме вымышленных персонажей, поэты древней комедии выводили на сцену и своих современников. Маска в таких случаях была обычно шаржированным портретом. Костюм трагических актеров был некоторым видоизменением пышной одежды, которую носили жрецы Диониса во время исполнения религиозных церемоний. Театральный хитон имел длинные рукава и спускался до пят. Плащи употреблялись в основном двух видов: гилматий и хламида. Отдельные персонажи носили специальную одежду. На театральных хитонах и плащах вышивались различные, нередко сложные рисунки - цветы, пальмы, звезды, спирали, арабески, а также фигуры людей и животных. Цвет на одежде имел тоже определенное значение: роли счастливцев исполнялись в одеяниях с желтой или красной полосой, а синие или зеленые полосы отмечали неудачников. Обувь трагического актера называлась котурнами. Сценические котурны имели толстые, состоящие из нескольких слоев подошвы, благодаря чему увеличивался, рост актера. Чтобы придать своей фигуре еще большую величественность, трагические актеры укрепляли под одеждой специальные подкладки или небольшие подушки, сохраняя при этом естественные пропорции тела. В комедии употребление подушек и подкладок, наоборот, вызывалось стремлением нарушить нормальные пропорции человеческого тела и тем вызвать смех. Женские персонажи комедий носили обычный женский костюм, мужские персонажи - короткую или плащ. До наших дней дошло много статуэток, изображающих актеров древнегреческой комедии. У маски вытаращенные глаза, безобразный нос, широко открытый рот, живот и зад увеличены с помощью подложенных подушек.
Хор и зрители Трагический хор насчитывал сначала 12 человек, затем состав его был увеличен до 15. В комедии хор всегда состоял из 24 человек. Участники хора назывались хоревтами, предводитель хора - корифеем. При выходе на орхестру во главе хора шел флейтист, который останавливался на ступенях алтаря, расположенного в центре орхестры. В трагедии хор обычно изображал людей, близких главному герою. “Так, в “Прометее Прикованном” Эсхила хор составляют Океаниды, дочери Океана, сочувствующие страданиям Прометея и готовые разделить его судьбу” Комический хор изображал не только людей, но и животных и сказочных существ. Например, в комедии Аристофана “Облака” хор состоит из облаков. Существует мнение, что в трагедии хор тормозит действие и является данью культовой традиции. Однако это не так. Трагедия развивалась на основе трагического хора, из которого впоследствии был выделен один актер. С появлением второго и третьего актера роль хора ослабевает, драматический конфликт может происходить теперь между героями и без участия хора. Но хор не исчезает. Он существует как непременный компонент у всех трагических поэтов классического периода, хотя несет не всегда одинаковую драматическую нагрузку. Жизненность хора в этот период объясняется тем, что в трагедии он был необходим как выразитель общественного мнения. Хор был героем коллективным, его партии и поныне помогают понять философский и человеческий смысл трагедии в плане решения основного конфликта. Театральные представления происходили в дни всенародных праздников Диониса. Все дела в это время приостанавливались. Суды закрывались, должники освобождались от уплаты долгов в течение всех дней праздника. Даже заключенных выпускали из тюрем, чтобы они могли принять участие в общем празднике. Наряду с мужчинами в театре бывали женщины, дети и даже слуги, домашние рабы. На эти представления люди собирались с восхода солнца. “Сперва им было предоставлено право самим занимать какие угодно места, и нередко дело доходило до драк (драчунов разнимали нанятые для этой цели служители).” Позже чтобы устранить беспорядки и для покрытия расходов по содержанию театральных зданий, городские власти ввели выдачу входных билетов - медных кружочков, похожих на монеты и называвшихся символами. При Перикле неимущим гражданам выдавались на посещение театра особые зрелищные деньги (теорикон). В театре были строго определены места для разных групп зрителей. Первый отводили государственным лицам, жрецам и полководцам. Им, восседающим в креслах, билеты были не нужны. За креслами, отделенными проходом, начинались скамьи-ступени для богатой публики. Каждый сектор был помечен одной буквой, начиная с А (альфа). Той же буквой и помечали и оборотную билетов-символов с изображением головы богини Афины или морды льва, которого считали охранителем от всего плохого. Значительно хуже вычеканенные символы, без каких либо изображений и помеченные одной и той же буквой на обеих своих сторонах, служили билетами на следующий ярус. Буквы на этих билетах соответствовали обозначением секторов для зрителей со средним достатком. Существовали символы, изготовленные еще грубее и помеченные двумя одинаковыми буквами на лицевой и оборотной сторонах. Эти билеты предназначались для верхнего яруса, где скамьи секторов, на которых располагались бедные зрители, были обозначены четырьмя буквами. Количество людей, получивших символы на один раз, не должно было превышать числа мест на скамьях. При входе билеты отбирались. Драматические представления в Афинах начинались на рассвете и шли до самого вечера. Зрители ели и пили в самом театре. Все были одеты в праздничные одежды, головы украшали венками. На Великих Дионисиях происходило громадное стечение горожан, к которым присоединялись еще и жители других городов-государств, приезжавшие со всей Греции. Жребий определял порядок представления пьес соревнующихся драматургов. Звук трубы возвещал о начале каждой пьесы. Афинская публика была очень восприимчивой и непосредственной. Если пьеса нравилась, зрители выражали одобрение аплодисментами и криками. Среди зрителей были и подставные лица. “Рассказывают, что комедиограф Филемон (IV в. до н.э.) не раз с успехом использовал их против своего противника - Менандра.” Если пьеса не нравилась, зрители свистели, щелкали языком, стучали ногами. Бывали и такие случаи, когда актера прогоняли со сцены камнями и требовали прекратить пьесу и начинать новую. Таким образом, суждение народа имело существенное значение для успеха представления 4) ДРАМАТУРГИЯ ЭСХИЛА. Поэт утверждает, что Боги являются блюстителями основ афинского государственного устройства.«Зевс – эфир, Зевс – земля, Зевс – небо, Зевс – все, и то, что выше этого», - можем мы прочитать у трагика в сохранившемся отрывке из «Гелиады». Человек, по мнению Эсхила, обладает свободой выбора, но он не в силах сбросить груз родовой ответственности за деяния предков. Божественное возмездие очень часто вмешивается в естественный ход вещей – пролитая человеком кровь ближнего порождает Аластора, чудовищного демона мщения. Демон действует, воплощаясь в реального человека – мстителя, совершающего поступки по понятным мотивам. В своих произведениях автор, как правило, рассказывает о судьбе героя или целого героического рода. Любимой драматической формой поэта была трилогия – три трагедии, связанные общим героем. В его творчестве трагедия начала утрачивать черты ритуально-обрядового действия и превратилась в настоящую драму. До Эсхила в трагедии присутствовал единственный актёр, говоривший мало и сообщавший о том, что как бы происходило за сценой. После его реплики вступал хор и долго описывал это событие в лирических тонах. Трагик ввёл в свои произведения второго актёра - таким образом возникла возможность изобразить противоречие, конфликт между героями: актёры реагировали на реплики друг друга, изображая борющиеся силы. Сутью конфликта произведения становился выбор принципа поведения в меняющейся ситуации. Известно, что литературное наследие Эсхила насчитывает около 90 драматических произведений. До наших времён полностью дошли лишь семь трагедий, в том числе полная трилогия «Орестея», состоящая из трагедий «Агамемнон», «Хоэфоры» и «Эвмениды». «Эвменида» лучше всего характеризует Эсхила, оставшегося сторонником общественного прогресса. В финале этого любопытнейшего произведения главный герой остаётся в живых и Афины оглашаются возгласами всеобщего ликования. Так божественная и человеческая справедливость торжествуют над мощью древних стихийных сил мщения. Греческая трагедия представляет собой гармоническое сочетание речи, музыки — включая и пение — и танцев. Поэтому строение ее иное, чем, например, трагедии Шекспира. Достигши высокой ступени художественного совершенства, греческая трагедия сохраняет в строении следы своего происхождения из дифирамба, и одним из ее существенных элементов являются хоровые партии. как хор вступил на орхестру и остался на ней 1. Последняя часть трагедии, когда хор покидал орхестру, называлась эксодом, то есть уходом хора. Число эписодиев могло быть различным, но обычно трагедия состояла из трех-четырех эписодиев и трех-четырех стасимов.
5) ДРАМАТУРГИЯ СОФОКЛА Софокл написал всего свыше ста пьес — трагедий и сатировских драм. Но полностью сохранилось всего семь трагедий, а от остальных дошли лишь отрывки или даже только заглавия. Дошла до нас и часть сатировской драмы «Следопыты». Три трагедии —«Эдип- царь», «Эдип в Колоне» и «Антигона» — относятся к циклу фиванских сказаний. Следующие три трагедии —«Электра», «Аякс» и «Филоктет»—составляют аргосский цикл; и одна, «Трахинянки», принадлежит к циклу сказаний о Геракле. Хронология пьес Софокла не может быть установлена с полной достоверностью. Известно только, что «Антигона» была представлена ок. 442 г., «Филоктет » в 409 г., а «Эдип в Колоне» в 401 г., уже после смерти драматурга. «Электра», по мнению большинства исследователей, примыкает по времени к «Антигоне». Для «Эдипа-царя» весьма вероятным является 430 г. «Трахинянки», быть может, следующая по времени пьеса. Ряд исследователей считает самой древней из дошедших до нас пьес Софокла «Аякса». Таким образом, вероятная хронологическая последовательность пьес Софокла следующая: «Аякс», «Антигона » (ок. 442), «Электра», «Эдип-царь» (430), «Трахинянки», «Филоктет» (409), «Эдип в Колоне» (401).
7)ДРЕВНЕГРЕЧЕСКАЯ КОМЕДИЯ. ДРАМАТУРГИЯ АРИСТОФАНА Вкладывая в комедию какую-нибудь определенную идею, по преимуществу морального содержания, Аристофан этим самым до некоторой степени предопределял и внешнюю структуру ее. Он выдвигает какой-нибудь новый тезис, противоречащий общепринятому взгляду. Сначала этот тезис принимается и развивается, а потом показываются вытекающие из него последствия во всей их нелепости, как это видно в «Облаках»; или, наоборот, в противоположность существующему вредному порядку излагается мнение автора и показываются блестящие результаты, которые должны получиться в случае его осуществления, как видим, например, в «Ахарнянах», в «Мире» и др. Таким образом, сначала идет драматическое нарастание, затем остановка, дающая возможность обрисовать наступившее положение, и, наконец, разрешение вопроса, выводы. ее водворения на земле. Через ряд комических сцен проводится действие в «Женщинах на празднике Фесмофорий»: хитрость Эврипида и обращение к помощи Агафона, затем собрание женщин, выступление на нем родственника Эврипида и изобличение его, а во второй части й появление Эврипида и освобождение родственника из рук Скифа-полицейского. В «Богатстве» идут сцены обнаружения бога, его исцеления, спор с Бедностью, а затем благополучие разбогатевших бедняков, приход Гермеса с протестом Зевса и отступничество жреца. Наиболее цельным и последовательным оказывается действие в «Лисистрате», где сначала представлен заговор женщин, затем борьба с ними мужчин и, наконец, беспомощность последних и вынужденное заключение мира. Чаще всего комедийные представления устраивались во время праздников в честь Великого Дионисия. Они были завершающим этапом каждого из 3 дней празднества. Стоит сказать, что эти дни были настоящей «ареной», на которой все драматурги-комедиографы и трагики устраивали соревнования за первенство и мастерство. Считается, что первым древнегреческим комедийным драматургом был Эпихарм. Его творения впоследствии стали основой для римской народной комедии Ателланы и произведений Плавта. Новый этап Последующий этап созревания заключался в развитии древней аттической комедии. Она уже обладала большей выразительностью и имела некоторые особенности и характерные черты. Например: Основу всего действия составлял какой-либо тезис. Он становился предметом споров и в конце представления доказывался; Комическое представление всегда сопровождалось весельем и хохотом. Неотъемлемой частью любого действа являлись пантомима, танцы, песни. Стоит отметить, что хореография, использовавшаяся в комедии, носила довольно откровенный, даже эротический характер, что проявлялось в движениях и мимике. Отдельное внимание в представлении выделялось костюмам и маскам. Сценическое комедийное одеяние довольно сильно отличалось от трагического. Маски актеров были уродливыми, обезображенными и олицетворяли разные эмоциональные состояния. Участники комедии не носили котурнов, а использовали специальные подкладки, которые увеличивали животы и зады до грандиозных размеров. Уже в четвертом веке до н.э. древнегреческий комедийный жанр был довольно развитым. Новый этап эволюции принес больше глубины и больше внимания к внутреннему миру героев, которые оказывались в разных забавных жизненных ситуациях.
Поиск по сайту: |